tag:blogger.com,1999:blog-89608298515110874492024-03-27T19:54:08.469-04:00El Rincón del Roquero Blog sobre rock 'n' roll.Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comBlogger45125tag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-60056760802202860792024-03-13T07:59:00.006-04:002024-03-13T08:03:33.050-04:00OASIS<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Existen bandas de <i>rock </i>que definen no sólo épocas, generaciones o estilos de vestimenta, sino que pueden llegar a influir en la personalidad de un adolescente... Oasis es una banda que al instante de escucharlos puede cambiar tu vida para siempre.</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="883" data-original-width="1283" height="440" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAZSnFVRfWLHDiVQE6TBjJuehyphenhyphen2n7R6BvCj-Ayc_1-6iXxWP8mqZ6BvB9JiYhK-sicrMhMAxIGmrxF2o74hdW7qK8IX5E4RkCHCkB07X0F6UyGT2Jyl7h9wwLPFXBlODRTHp6dy6AhPfTq-Yaw0jvV_szbFin49Fw6Sv4DG2rPkKBpgMQXZ9k0nAfcFJIw/w640-h440/TS-Oasis-unionjack-blue-01.jpg" width="640" /></div><p></p><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Conformada por los hermanos Gallagher nacidos en Manchester (Reino Unido), Oasis se consolida junto a Paul «Bonehead» Arthurs tocando la guitarra, Paul «Guigsy» McGuigan en el bajo y Tony McCarroll a la batería... </span><span>Liam sería el <i>frontman </i>y Noel tomaría el liderazgo como compositor, </span><span>devolviendo la música de guitarras al primer plano de la escena británica.<span></span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>E</span><span>l debut en vivo de Oasis tuvo lugar en agosto de 1991 y no sería hasta un par de años más tarde que Alan McGee de <i>Creation Records</i> los ficha para su discográfica luego de atestiguar aquella noche una presencia escénica que se intentaría replicar en el estudio con <i>Rock 'n' Roll Star, Columbia, Bring It On Down, Slide Away </i>y <i>Married With Children.</i></span></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgc2AuH1mLnRmbgckUNu7199X-jGUT2JnLaV-46_I03E9ywf5IM_3J7DhB40RrImRvdjIaqDEumeZCaquJN2BguAyo0vGu4u4jU-1YUybWs7OXY2lPS-eRrJ4OZvckcIzKpse7qrGObD97ftm1oV1-rx1nouTzD0mV2VqwCaxieJpiVSvbhcxKH1CTZVBf7/s320/Cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Supersonic, Shakermaker, Live Forever </i>y <i>Cigarrettes & Alcohol </i>fueron los sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><i><b>Definitely Maybe </b></i>(<i>Sony</i>), lanzado en agosto de 1994 tras diversas re-grabaciones, se convirtió en el disco mejor vendido de Inglaterra al batir un récord gracias a sus pegajosas melodías</span><span> con estrofas memorables</span><span> </span><span>que, incluso treinta años después, lo mantienen como un referente del <i>Britpop.</i></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana;">Luego de embarcarse en su primera gira internacional y tener que reemplazar a su baterista con Alan White, obtendrían unos meses de descanso para la preparación de su próximo álbum, grabado en los estudios residenciales <i>Rockfield </i>y producido por Owen Morris, quien motivaría al mayor de los Gallagher a dar un giro de 180 grados en composiciones como <i>Hello, Hey Now, The Swamp Song, Cast No Shadow</i> y <i>She's Electric.</i></span></span></p><p style="text-align: left;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPF6sDmjoWQKOLMu23mvYHQHul5CGsmeEPBUbRjd5i1uhIFK7iXzKdjksSw07r6ZvUQo80ur-c1kLUuZPz1QWGGdGZKoOBQE_eMNv4HP2-cJKzlLzWUBqmIV62d2z9yfUDVMcnpjJsz1h8MzZngqzHOL1CjJ2AMonuPr2snc3a5Ca3ddcvvwCfPIEmtzaA/s320/Cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Some Might Say, Roll With It, Wonderwall, Don't Look Back In Anger </i>y <i>Champagne Supernova</i> fueron sencillos más comerciales.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>(What's The Story) Morning Glory? </b></i>(<i>Sony</i>) fue publicado en octubre de 1995 para convertirse en uno de los vinilos más importantes del <i>rock británico</i>, con enfoque hacia los medios tiempos con arreglos orquestales y baladas acústicas que pronto serían los himnos que marcaron mi adolescencia.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>A lo largo y ancho de 1996, la «Oasismanía» estaba en su punto más álgido cuando no solamente llenaron el estadio del <i>Manchester City</i>, sino que llevaron a unas 250.000 personas hasta el parque <i>Knebworth</i>, y </span>ocuparían los estudios <i>Abbey Road</i> para grabar temazos como <i>My Big Mouth, I Hope I Think I Know, Fade In-Out,</i> el tema titular e <i>It's Gettin' Better Man.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1115" data-original-width="1115" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRFp1YvgtM0mtduvOU855uEM-QiLaPgKAsz6JHON_MFWIVvJjLcP178v4Z-bw-WMucot6htFlWLyghC8uJCkCLRU7WBIQqsDdAyS4PVr4uZsWxRwJQpk0CzdGmebftt9j1ewl7cmvnCZgYY9Y2QHowqFMviO72sQg4u3e694Fd-TER_Z3_UHoj1tV-FMHD/s320/Booklet%20(1).jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>D'You Know What I Mean, Stand By Me, Don't Go Away</i> y <i>All Around The World</i> fueron sencillos ambiciosos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">El fenómeno cultural que fue <i><b>Be Here Now </b></i>(<i>Sony</i>) salió a la venta en agosto de 1997 ante una expectativa tan alta que en su primer día vendió casi 500.000 copias, y yo soy portador de una desde que la comprase con mi mamá en una tienda de discos ya extinta en el centro comercial <i>Lago Mall </i>de mi nativa Maracaibo (Venezuela).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Posteriormente, para finiquitar su contrato con la compañía disquera, se elabora un compilado que reúne <i>lados B</i> de sus sencillos más relevantes, incluyendo gemas ocultas como <i>Underneath The Sky, Talk Tonight, Fade Away, Listen Up </i>y<i> Stay Young.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9SwVE3H58IChQ4A156anVh2CuRc2cRIQ5zEkYeHHumMBzdlNe32lFNIrdFUkH_T3zK_nVMeXEagO_24GlgSEtKBI_jHg9IwB6rFbOMvsXUggjcy2P5k82xopEAyNCBIck1ELmBlGoHfbUO-GxEpbsyoxvma8KDquaPUl3BprHl1d6bFIQpTNRpVmGPOcQ/s320/Front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Acquiesce </i>y la canción homónima fueron los únicos sencillos promocionales.</span></h3><span><span style="font-size: large;"><p style="text-align: justify;"><span><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>The Masterplan </b></i>(<i>Sony</i>), editado en noviembre de 1998, es un discazo, tan esencial como subestimado, con muchas de sus mejores composiciones relegadas debido a que Noel, según su testimonio, no componía canciones de mierda.</span></span></p></span></span><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En 1999, después de un muy necesario hiato, comenzaron nuevas sesiones de grabación a pesar de que tanto «Bonehead» como «Guigsy» se fueran de la agrupación, dejando a los Gallagher abrirse camino a la experimentación en <i>Put Yer Money Where Yer Mouth Is, Little James, Gas Panic, I Can See A Liar </i>y <i>Roll It Over.</i></span></p><p></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhD0fysdXSOeDHvDUs3qdk9hgTwBu-CQ-e9OQ3JN7nRXqLNaPfolEJEWVr2BlgyYXptOOVMwai4n70h0x_iOoMvy5NCwPnSZOmJKrT0W1_NfrzO3ZXW1KNY5-5JhUeVjD2dNMdofapPvPadC8-phXHhMSvELMEfKeUO7nr2I3g-x8hwC_jaM4XUyyiH7DJt/s320/Front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Go Let It Out, Who Feels Love, Where Did It All Go Wrong</i> y <i>Sunday Morning Call</i> fueron los sencillos representantes.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Standing On The Shoulder of Giants</b></i> (<i>Sony</i>), producido por Mike «Spike» Stent en Francia, fue lanzado en febrero del año 2000, convirtiéndose en mi álbum preferido de Oasis, puede que por el carácter taciturno de sus melodías, por las melancólicas líricas que hablan de personas que se fueron para no volver o por las veces que lo he escuchado hasta la saciedad... A estas alturas ya no lo sé.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tras la incorporación de Andy Bell y Gem Archer como miembros oficiales, Noel Gallagher cedería su puesto como compositor para repartir la tarea equitativamente entre la banda, resultando en unas grabaciones más democráticas de las cuales saldrían temas como <i>Force Of Nature, Hung In A Bad Place, Probably All In The Mind, Born On A Different Cloud</i> y <i>Better Man.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOUZLeWIZpmEpgBIegAtsWxEk1LM0dE-qFtY_qN1eUrsYU40QAnKcrIvHZxKz6QR9tQbMYcfF61XT3OC2ThheOMdzWINpQ0cKpFenxKygSJwDxnGVvMiNVV7OgZUAb2BDudNyCXxqmJlk7rXdVFLguaEEdoN5uAGO-vJVTNCtOsJvJEvTfA3d5e2XiXWOS/s320/Front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>The Hindu Times, Stop Crying Your Heart Out, Little By Little</i> y <i>Songbird </i>fueron sencillos muy bien recibidos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">El infravalorado <i><b>Heathen Chemistry</b></i> (<i>Sony</i>) vio a luz en julio de 2002, sorprendiendo a la prensa con el notable sonido grueso y robusto del disco, otro al que aprecio con mucho cariño ya que ha formado parte de mi banda sonora en los momentos que más lo necesito.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Lo cierto es que el mejor baterista que tuvo Oasis abandonó la banda repentinamente, siendo reemplazado por Zak Starkey (hijo de Ringo Starr), quien le otorgaría un soplo de aire fresco a una nueva colección de canciones como <i>Turn Up The Sun, Love Like A Bomb, Guess God Thinks I'm Abel, Keep The Dream Alive</i> y <i>A Bell Will Ring.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuvVxghGIIWWsFaIk9kZ539CF1mRdeiR3tskiiPafGGGi2w4m1qn7hqUfwTb3cKN1Ko4TFv01tP0_EkpyJhEbKx7ymTLNe383kUfkcoUrzhgdYxuwMHEymIEKrBxv3xYCyKdcFLREqcjgiEwUWigEoDVwdBwAfWgTiESUGHI0fc259DjMq7zMybm1KLdKE/s320/Front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Lyla, The Importance Of Being Idle</i> y <i>Let There Be Love</i> fueron sencillos alabados por los fanáticos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Don't Believe The Truth</b></i> (<i>Sony</i>), publicado en mayo de 2005 bajo la producción de Dave Sardy, mantiene el esfuerzo colaborativo de su predecesor pero con un estilo más compacto que sostuvo la relevancia de los hermanos Gallagher, quienes nos desafían a no creer la verdad en este regreso a lo básico.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Manteniendo la buena racha después de una de sus giras mundiales más documentadas, el cuarteto regresa al <i>Estudio Dos</i> de<i> Abbey Road </i>con el productor Sardy para registrar <i>demos </i>con una palpable inquietud sonora, entre ellos <i>Bag It Up, The Turning, Waiting For The Rapture, Ain't Got Nothing</i> y <i>Soldier On.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrqGQrx0Lg1AMuwyUzO8JfSdFLdt4uyNRIhLZccQlGywIevKZ9p4QFWRz1ZLiphTu_Rp3RYA_pi_pk8VCCHYLOQ5Y-bhh5hH9F73c66qoPouEngzNtODA_h7zMCrYHM4Hr7lOao1LtZNGtpmjaH7XbmhGKhsu-vDKRrKRV2zlkIW_z3BRwJvwOkjQMAm3s/s320/Front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>The Shock Of The Lightning, I'm Outta Time </i>y <i>Falling Down</i> fueron unos sencillos muy desafiantes.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><i><b>Dig Out Your Soul </b></i>(<i>Sony</i>), lanzado en octubre de 2008 como el inesperado último trabajo del grupo, marcaba la nueva etapa lisérgica con una sensación de urgencia, </span><span style="text-align: center;">como si de una despedida se tratase... No sin antes hacer una parada por mi país en un concierto desde el <i>Estadio Simón Bolivar</i>, el cual lamentablemente me perdí por ser muy chiquito como para ser fan... ¡Pero abajo les dejo un vídeo de Liam arribando al <i>Aeropuerto Maiquetía</i> imperdible!</span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Una fatídica noche a finales de agosto en el 2009, Noel, tras un altercado con Liam Gallagher en pleno <i>backstage </i>parisino, anunciaba su salida de Oasis, una banda de <i>rock </i>que definió no sólo una época, generación o un estilo de vestimenta, sino que influyeron en toda mi adolescencia. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/Oop-TGiMGQ4" width="320" youtube-src-id="Oop-TGiMGQ4"></iframe></div><p></p><p></p><p></p> <span style="font-size: x-small;"></span>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-17710721881808439842024-01-29T06:59:00.000-04:002024-01-29T06:59:09.433-04:00SVENGALI<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Hay películas que, en algún momento determinado de nuestras vidas, nos marcan profundamente, haciéndonos sentir parte de la trama gracias a personajes con los que poder identificarnos. <i>Svengali </i>tal vez no sea la mejor película del mundo, pero aun así guarda un lugar muy importante en mi corazón.</span></p><p style="text-align: center;"></p><p style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmfr8gsO1O92xF5lYyl0YcIxdIW1U8LOrkbtwz2OoiUTcDO2cFFyTfM8ZjHizRVz3z9sfqiE8U2nUhyFwtrYkTWmrUPf_r4xqTLMWG-LP0Upj-pmcrZQSktTxL4Bhw-ESghUufX72Y1-h5j_7zKbDFcubx8-m1gBH7yeXOCdKNaQAauUo7sPrW2XDTKJ7P/w640-h360/maxresdefault%20(4).jpg" width="640" /></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>En el Rincón del Roquero no sólo somos melómanos, también somos unos cinéfilos empedernidos</span><span>, por lo que, al igual que la música sobre la que escribo, me gusta compartir con ustedes mis conocimientos en torno a filmes que representan mis particulares gustos artísticos. La película se llama <i>Svengali </i>y estamos por celebrar los diez años de una reliquia del cine británico actual.<span></span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><h2 style="text-align: center;"><u><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;">ANTECEDENTES</span></u></h2><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><span>Todo comenzó como un <i>sketch </i>en línea del actor y escritor galés Jonny Owen, cuyo talento atrajo patrocinadores que pudieron ver el potencial de convertir esta pequeña idea en una gran propuesta a través de la productora <i>Root Films</i>.</span> De tal manera, <i>Svengali </i>fue concebida como una carta de amor a la música <i>rock </i>británica y a su cultura con John Hardwick en la dirección, quien añade sustancia al <i>film </i>en cuanto a su temática de nicho con la ayuda de un guión, actores y una banda sonora que rebasa los clichés a los que películas como esta suelen ser víctimas. </span>El largometraje navega entre los vaivenes del mundo musical a manera de sátira con un reparto conformado por el ya mencionado Owen, la bellísima Vicky McClure, un divertido Roger Evans, el icónico Martin Freeman, un novato Michael Socha y el veterano Brian Hibbard en su último rol.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="293" data-original-width="500" height="235" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUSNGAd7aNtlAkrj-XBD8f5ZbcQJClUuOds6j3ORoTHxvlyWSMEG0Xu-89wizl5tju5DPql2hWE_dyp4Vix0u5ofMmvG-EtOK3mEgsaDlffa6ZrPtyN7H0gIkbT2r7i7Hs5_lpT9pTMjumbfwNgqWYjRfB_J7Sfv5mf1hafgK5xHfaesDtwVE8QUhNILba/w400-h235/001_m.jpg" width="400" /></div><h2 style="text-align: center;"><u><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;">SINOPSIS</span></u></h2><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">La trama gira en torno a Paul «Dixie» Dean, un tipo (tal vez muy) carismático del sur de Gales que parte a Londres junto a su novia Michelle tras descubrir en <i>YouTube </i>a una banda amateur (The Prems) que reavivó su sueño de ser representante de un grupo de <i>indie rock</i> al igual que lo hiciesen en su tiempo Brian Epstein (The Beatles), Malcom McLaren (Sex Pistols) y Alan McGee (Oasis), este último desempeñando uno de los muchos cameos dentro de la peli.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Una vez arribados en la capital <i>rock 'n' roll </i>del mundo, Dixie y Shell conocen a los integrantes, un cuarteto de músicos egocéntricos pero con un talento que los convertiría en la sensación musical del momento, en gran parte por la tenaz labor de un hombre que se embarca en un <i>voyage </i>absurdo con tal de ver a su banda triunfar, convenciéndolos de ser su mánager con una caja de cerveza y un apretón de manos.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="623" data-original-width="936" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_lzFcoYhhQ64iqSnahH4shmLvCuOaleAbTBZtU2hjIwJBBj9HpDW4wQSFfwwZWwazaalpMZ5QYi0qPBhemouhoU1VcXtXl1G-tJWy1V6KhUDlQ71ts_DiS0K7UPXwNOrGPDwbnUe1_ZWLvijbitwyqm5EX_zLKxc0RnP3g7T7il4QBFy8kMov3lyTWexk/w400-h266/158587545_7dcbbc.jpg" width="400" /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;">Debido a la falta de experiencia, sus métodos de trabajo se basan en recorrer el barrio <i>Soho </i>a pie con un <i>cassette </i>del grupo para intentar conseguirles un contrato con el mejor postor. Eventualmente</span></span><span style="font-size: large;"><span> Dixie logra reservar un concierto para Los Prems que si bien acabaría en algo parecido a una de esas infames peleas de los hermanos Gallagher que, inexplicablemente, los catapulta como la próxima gran novedad según la revista <i>NME </i>y consiguen, paradójicamente, un recital para las afamadas sesiones en los estudios <i>Maida Vale</i> de la <i>BBC</i>.</span></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Sin embargo, las cosas no fluirían económicamente en el noviazgo protagonista, por lo que, para poder pagar el alquiler de su <i>flat </i>londinense, Dixie sale en busca de trabajo en una tienda de discos llamada <i>Don's Records</i>, cuyo dueño (Don) se autoproclama un <i>Mod </i>en pleno siglo XXI cuando ya nadie recuerda a dicha tribu urbana, mirando con recelo al aspirante a vendedor por creerse uno de ellos al llevar puesta una parka que parece salida del armario de Liam Gallagher... </span><span>D</span>espedido, en bancarrota y abandonado por el amor de su vida, Dixie se ve en la peyorativa de tener que elegir entre la agrupación o Michelle, por lo que cede el cargo a su amigo (y ejecutivo discográfico) Horsey con tal de recuperar a su amada.</span></p><h2 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;"><u>SOUNDTRACK</u></span></h2><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Esta película tiene lo <i>indie </i>escrito en todo su ADN con una banda sonora de calidad compuesta por Jake Bugg, Miles Kane, Mott The Hoople, The Stone Roses, Small Faces, Dexys Midnight Runners, The High Numbers, Big Star, entre otros... </span>Con semejante lista, <i>Svengali </i>cumple su función de retratar lo que significa ser un fanático de la música <i>pop </i>británica al igual que el personaje principal, cuyas canciones entran a escena en algunos de los momentos más entrañables de todo el largometraje. Es difícil encontrar una peli tan entretenida, cuyas caracterizaciones estereotípicamente flemáticas son tan marcadas como el acento galés de los actores, pero es gracias a esta cautivadora trama que el <i>film </i>se sale con la suya, entusiasmando a su público desde que se estrenara a principios de 2014.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="492" data-original-width="536" height="294" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgm2cpokLwHC4K9v63Tq6WxJhitdgtO25MziDcjI2nEqMoMTj3Um2a0MnCPNSL4l2QdR5Lsr40d7hHMMP1LmxfHJGphPoPBIaDnE7WHWwFTI2t5QAUWptf_sKbv2bDYlKXd2ZoMw5DMQnjc1LVng4HX-pk_N8FNbpacQEN9zuYGr8Xvq7ZoQoiplGqWQ5n/s320/svengali-2013-us-poster.jpg" width="320" /></div><h2 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;"><u>LEGADO</u></span></h2><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Svengali </i>es una comedia-romántica que no se va a llevar ningún premio de la academia, no va a ser tu película de moda en <i>Netflix </i>ni mucho menos te vas a acordar de ella después de leer este artículo, pero es capaz de ganarse tu corazón al igual que se ganó el mío cuando era adolescente hace ya diez años. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/5nymBpE3Huk" width="320" youtube-src-id="5nymBpE3Huk"></iframe></div><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-36873139715378607722023-12-03T07:29:00.001-04:002023-12-03T07:29:13.226-04:00ELLIOTT SMITH<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>En la historia del <i>rock </i>siempre vamos a escuchar acerca de artistas torturados hasta el punto de convertirse en un cliché, pero a pesar de dicho estereotipo, muy pocos tienen la audacia de convertir su sufrimiento en un lenguaje tan universal como lo hiciera Elliott Smith.</span></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="799" data-original-width="1200" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7-6TwfdUnTSoQ4C38fn0bDFqv6AqUSmXYWafPVeTh-YuMVdYE1ofbMi4_Sy8SosTYZk9b1ccsobJ5G3zR169mKE-kXsPORxcf1OvFj9r7qSykqNQW4QU924f2oTVaMhyvRV6anygbjTqb0fyBOU3h-msL7z1uz_6H7Cof0QJH_NNZiwhjsHOqiztWmGH5/w640-h426/119738d764e752ac40dd4a5a9106c8e81.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Steven Paul Smith, en su breve estadía entre los mortales, fue lo más parecido a una estrella fugaz dentro del mundo de la música popular, un eterno adolescente retraído, melancólico y sensible que expresaba su dolor a través de canciones de carácter confesional que, para muchos de nosotros, se han convertido en un refugio donde poder transitar nuestro propio caos personal.<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Nacido el 6 de agosto de 1969 en Nebraska, criado en Texas y finalmente establecido en Portland, este músico estadounidense, a pesar de una difícil niñez a raíz del divorcio de sus padres, se convirtió en un prodigio de la guitarra, el piano, la batería, el bajo y la armónica. </span>Una vez establecido con su padre biológico tras desprenderse del nido materno en el que se encontraba un abusivo padrastro, Smith, formando parte de bandas como Heatmiser en el ínterin, comienza a experimentar en solitario con una grabadora de cuatro pistas para la elaboración de unos demos acústicos en baja fidelidad con títulos como <i>No Name #1, No Name #2, No Name #3, No Name #4 </i>y por supuesto, <i>Kiwi Maddog 20/20.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="980" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8GF2Q4sIie2MXTbdSQDOnk2cqoBUhmtISnqOXZ4CMPwbkZYWIkpztxGfU6T96AS2ngt2ug3qvIhzX8DC_80myxv21WnBs37uaUtRJS4NkYOdW2p68thFOYpXIlih7ttm8huPL5-bcNPM8To8cEThSIBtxZK_rA6aev_5uM_aHqW8npNIH9GCjAp_RnAH-/s320/cover.jpg" width="314" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">El tema homónimo, <i>Condor Ave</i> y <i>Last Call</i> son algunos de los sencillos.</span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Roman Candle </b></i>(<i>Cavity Search</i>) fue publicado en julio de 1994 como una rudimentaria cinta casera contando principalmente con la voz de Elliott con efecto <i>double-tracking</i> y su guitarra acústica con la técnica <i>finger-picking</i> entonando letras desoladoras en las que retrata un universo con diferentes personajes que reflejan la depresión en numerosas vertientes.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de emprender sus primeros conciertos en recintos como el <i>Umbra Penumbra</i>, gracias a su amiga Mary Lou Lord formaría parte de la parrilla del sello independiente <i>Kill Rock Stars Records</i> para llevar a cabo su siguiente trabajo con temas más oscuros e hipnóticos como <i>Christian Brothers, Coming Up Roses, Alphabet Town, St. Ides Heaven </i>y <i>The Biggest Lie.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0MDiiQqtGEOcn2kXojE36YkxkQZLwcaSN8rTAKxJwHqsVV0KbzA-2maog2RvxlHJMaJbevCbmRw1nEcp8NyoLwPB_wsvGasX71fCvMMA3m1yRwlLcieKpFdvAyiYnNazEpbHW3uArGZaK0KWJdNZo7bOUiLaTHC9QPW4V6tH9rT6hNizmQmSAkr-Ertos/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Needle In The Hay</i>, el único sencillo, se popularizó posteriormente en el filme <i>The Royal Tenenbaums</i> de Wes Anderson.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Este álbum homónimo (<i>Kill Rock Stars</i>), lanzado en julio de 1995, es una continuación lógica de su antecesor, sólo que esta vez se consigue un estilo musical mucho más característico que le otorga cierta homogeneidad al disco. Muy a pesar de su escueta auto-producción, siguen siendo el registro vocal susurrante de Elliott Smith, sus mínimos instrumentos bucólicos y contundente lírica las principales protagonistas.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tras una serie de toques en tiendas de discos locales, durante el siguiente año, junto a Tom Rothrock como productor, se daría un paso adelante en este viaje musical con su mejor colección de canciones hasta la fecha, las cuales incorporan mayor instrumentación en boga de un sonido más representativo de su talento multi-instrumentista como <i>Alameda, Pictures Of Me, No Name No. 5, Punch And Judy </i>y <i>Cupid's Trick.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="499" data-original-width="498" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKYIGcCFmyFL_M7EDqbUrDwh0MhRZRDMhn9TGJcgKqyeVefdJyaIoK-mKxyaJvDuYvJrBss-5-VpQ62wa51TrJT13JOy0reNvGF7LAgVK6dAWMPIzYu_3fNhQu77EHV7GV3hej7LCngFY2QuQF25OuR3dJL3paIYO0ukyE8_rbOlPr2uZZdENLr_NXAqk2/s320/cover.jpg" width="319" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Speed Trials, Ballad Of Big Nothing, Between The Bars, Angeles </i>y<i> Say Yes</i> fueron sencillos de mayor popularidad.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Editado en febrero de 1997, <i><b>Either/Or</b></i> (<i>Kill Rock Stars</i>) es un retrato tanto musical como lírico de una ciudad que vio a su autor reflexionar en torno a su naturaleza existencialista, lo cual fue el catalizador para Gus Van Sant a la hora de ficharlo para su película <i>Good Will Hunting</i>, cuya banda sonora contiene algunos temas de este álbum y un nuevo sencillo que sería nominado a los <i>Oscar </i>del siguiente año... Estamos hablando de <i><b>Miss Misery</b>.</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-s8OFbJesm5sQecDlCCTjqkQmzePNL2xWYi1d0jBYYlNhIP-OOtxrhp2qql7swflxC-FWT5UgZLzXmPTXXMrx6uzEB9qOWH57QdpIJozscaCqir7UWaxv3P4fgk3Aci_DebFE6MpcbCdVvohRVyEUYDaHHbAxFsA1ErIu0wp1WouYKpjHKtMlcrior8gw/w400-h266/elliott-oscrs1.jpg" width="400" /></span></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">«Soy el tipo de persona equivocada para ser realmente grande y famosa».</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">¿Alguna vez han tenido esa sensación de no encajar en este mundo? Bueno, así se sintió Elliott Smith con su ahora icónico traje blanco al interpretar dicha canción en la gala de los Premios de la Academia más vista en la historia... Poco después, <i>DreamWorks Records </i>le ofrecería una propuesta que no podría rechazar al poder emplear estudios de grabación profesionales como un instrumento más, contando con la producción de Rob Schnapf en composiciones como <i>Sweet Adeline, Pitseleh, Waltz #1, Bottle Up And Explode </i>y <i>Everybody Cares, Everybody Understands.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIOyCMsp5qbbDhB921fZ04x0btQ6CGRNpjIhRvK90EmBNNTQXJhLWbns2HbnPfWVOZFv08hamENH8Qtc6_pSvzuN6C-LSlrg0IfRt-xdeHxjymtDMzO4oW8TEHylYord5cvn6rSjTUVllPty4MLsjRoeghzB8Qjp68ytONmOGd96qUb5qB1wW6Gl_1B6GK/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Waltz #2 </i>y <i>Baby Britain</i> fueron los dos únicos sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>XO </b></i>(<i>DreamWorks</i>) vio a luz en agosto de 1998 como un punto de inflexión que marcaría para siempre la vida del cantautor. Ahora bajo las directrices de una multinacional, su visión artística no se vería comprometida, sino todo lo contrario, ya que los surcos adquieren un tratamiento con arreglos de cuerda y armonías vocales como si se tratase del <i>Quinto Beatle</i>. En cuanto al aspecto lírico, Elliott, con una ganada reputación de potencial suicida, expresa aquí sus inquietudes personales ante cualquiera que estuviera dispuesto a oírle... En este caso, unas 500.000 personas.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de emprender su primera gira eléctrica que lo llevaría a presentarse en programas de televisión nacionales, Smith, recién mudado de Nueva York a Los Ángeles, contaría con una cantidad de temas más coloridos que lo verían desarrollarse como un músico sorprendentemente versátil, abarcando desde el <i>folk </i>hasta el <i>power pop</i> en <i>Somebody That I Used To Know, Everything Means Nothing To Me, Stupidity Tries, Pretty Mary K </i>y <i>Can't Make A Sound.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5AQmV9HBbLWiQbCwPamaWZi6E7fmabJrx1klKFSnYGCU8xmbKPhgrlAj1ob2YHfm5AGR9IfRmX3L9xdv7sm29ez7JDgevhYWRhldhgkbADYfEZFxFC2VubyX1jlB4fLIR6Kbq-VaQDIwbsOGEEQpulZZpvLtFwyFZt7WiXCNpYsAUbbgVax9A3mJDCn5i/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Happiness, L.A </i>y <i>Son Of Sam</i> fueron sencillos más comerciales.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Figure 8</b></i> (<i>DreamWorks</i>), publicado en abril del año 2000, es la obra maestra de Elliott Smith, un discazo tan opulento como el <i>Álbum Blanco</i> de Los Beatles en el que nuestro protagonista pudo finalmente grabar en los estudios <i>Abbey Road </i>(Londres) junto a Jon Brion como colaborador, quien motivaría a su amigo a escribir letras con mayor optimismo y a componer en el piano principalmente.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Mientras su carrera parecía ir viento en popa, la felicidad parecía estar en otra órbita, puesto que la depresión con la que había luchado toda su vida empeoró a tal punto de convertirlo en un yonqui, reflejando un bloqueo creativo del cual no saldrían nuevas canciones por un tiempo... </span>A pesar del espiral auto-destructivo que motivó a Elliott a romper lazos con sus representantes en <i>DreamWorks Records</i>, un centro de rehabilitación pudo mantenerlo limpio de sus adicciones lo suficiente como para poder registrar experimentos como <i>Coast To Coast, Strung Out Again, King's Crossing, A Passing Feeling</i> y<i> Little One.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmTldhZYKrGt2YRUtZyI3tFAqfVQVhXH866XE5u9N3zq2BZaSjCK0IqBaYCWnFR-kKOrJpjP5SQPrdxcwaE3OreRwXPndYDfk80FEmLJR8fzYSKCjttRUnZE-LIFPqTm8xoyyUfkv39E5r9ZrkKIQwPPkGIdvekyEJWoNM08DqUwB53bpvN2ftovtys4OE/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Pretty (Ugly Before)</i> fue el sencillo de representación.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>From A Basement On The Hill </b></i>(<i>Anti-</i>) fue editado póstumamente en octubre de 2004, un año tras el suicidio (¿o asesinato?) de Smith, quien desafortunadamente no pudo completar lo que él planeaba fuese un álbum doble, reducido a quince composiciones que fueron producidas por David McConnell como un abrasivo testamento musical con líricas fulgurantes que aluden a lo morboso de la dependencia, la soledad y el desamor.</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Veinte años más tarde y aun con el estigma de un torturado artista, la influencia de Elliott Smith en las nuevas generaciones se ha convertido en su mayor legado, inspirando a muchos a expresar sus pesares con la misma audacia que lo hiciera él en vida. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/wPf-hRoZDp4" width="320" youtube-src-id="wPf-hRoZDp4"></iframe></div><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-14768679490546546482023-10-06T05:59:00.001-04:002023-10-06T05:59:10.759-04:00KULA SHAKER - 1ST CONGREGATIONAL CHURCH OF ETERNAL LOVE AND FREE HUGS<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Para muchos, una banda de culto, para otros, un grupo que tuvo sus quince minutos de fama, y para algunos pocos como yo, una de las mejores agrupaciones del <i>rock inglés</i>, con un estilo que toma elementos de la cultura hindú que los ha llevado más allá del <i>Britpop</i>.</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="900" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjP2hwvGwOCW3p7ktpHOYtStb6ICfZg_Z7HXEKq6haWsh5mZ8O7oFpHmN9nKYBR4YJHK4dKp0zcD3oWcs-giZiVVNVfTU5dkDqwBwHuf8eqkCwbwRRJqbbz7wKlt95LRJTPE9AhDate0IuL8OYr3c4CqBYEuxJLWM6KeklhKJZq4GMWjirn8cq5ZS2hT3hc/w640-h426/EKA7BICPKVFCNILOJBWL5PX5JA.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Kula Shaker, desde su debut en la escena británica hace ya casi treinta años, están conformados por el <i>frontman </i>Crispian Mills, el bajista Alonza Bevan, el organista Jay Darlington (reemplazado por </span><span style="text-align: left;"><span>Harry Broadbent hasta su actual reincorporación) y el baterista Paul Winterhart, quienes, aparte de cinco trabajos discográficos, han lanzado su sexto (y doble) álbum de estudio, el cual repasaremos en la presente reseña.<span></span></span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;">Si bien la historia de Kula ha tenido sus altibajos desde su debutante <i><b><a href="https://rincondelroquero.blogspot.com/2019/09/kula-shaker-k.html" target="_blank">K </a></b></i>(1996), un disco que irrumpió con una propuesta deudora de la <i>psicodelia </i>de finales de los sesenta al yuxtaponer la canción <i>pop </i>con instrumentación propia de la música <i>raga</i>, lo cual les valdría gran reconocimiento. Unos años más tarde avanzarían hacia un proyecto grandilocuente con </span></span><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;"><i><b>Peasants, Pigs & Astronauts</b></i> (1999), producción de carácter experimental que no obtuvo su esperado <i>momentum</i>, cuyo fracaso comercial derivó en la prematura separación de la banda.</span></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="text-align: left;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVJYzOV4GbxZk6r7bMsp7mgmcQpZ-6p1fKiTCsx1FS1CthZfENfgmrVpk4l7iKF97yZ6qh5T1m3yveJnywbXcoQHu-KtBBR0MvCWQBJ-JhSdyEydp-ytUKXrdTN5C_rf8W4q4jfn6QFxfALuVKVLxlxl7sOZaXJLn-_vskaKnV3k_T-Ilk9TUd_T3mGZSY/w400-h225/kula-shaker-2022-promo-web.jpg" width="400" /></span></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span style="text-align: left;"><span>Sin embargo, luego de una gira de reunión inesperadamente exitosa, Kula regresa con <i><b>Strangefolk </b></i>(2007), un retorno a lo básico con una idea que llevaba germinando desde la década anterior. Unido a esto, mantendrían la buena racha con <i><b>Pilgrim's Progress</b></i> (2010), más en sintonía con la música <i>folk </i>pero lo suficientemente cumplidor para sus fans. Y t</span></span><span style="text-align: left;">ras un silencio discográfico, se publica una continuación de su primer álbum con </span><i><b><a href="https://rincondelroquero.blogspot.com/2021/11/kula-shaker-k-20.html" target="_blank">K 2.0</a> </b></i><span style="text-align: left;">(2016), cuyas canciones exhiben a unos músicos finalmente en paz con su pasado.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Grabado y autoproducido por la propia banda, este de aquí es un álbum conceptual que cuenta con satíricos interludios bajo la voz de Crispian pronunciando un sermón sobre como San Miguel luchó contra Lucifer, ambientando al oyente en un sepelio ficticio en la villa Little Sodbury (Reino Unido) donde ocurren los eventos relatados a continuación:</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="386" data-original-width="686" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjE2IAA7LkGZJee3-RwJF93m1H0pR124s6ezNzSPmEd_9tMoX2dvp8n8uqqN0-PI43jt33fNIJNprWknEkn4xj45J2csQr1Jh2dFAFW6NwhPN6auDrnuNfdi62uBiYulUoZfu4MjiMYL1QTqDLx3-EQO0-_mcTEuKTL468Zs7B4ZDKVGvBRk1gWUjp51COj/w400-h225/hq720.jpg" width="400" /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large; text-align: left;"><i>Whatever It Is (I'm Against It)</i>: El tema que da inicio al álbum (y el primer sencillo en ver a luz) se conforma según una melodía tal vez demasiado familiar que remite a clásicos de la banda como el ahora icónico <i>Hey Dude</i> con sus punzantes guitarras eléctricas marca de la casa.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Hometown</i>: Esta composición pone el tono que va a tomar el resto del disco en mi opinión con un <i>jangle-pop</i> que recuerda a The Who, quienes sirven como principal fuente de inspiración en las armonías, el tratamiento crudo de las guitarras y la conceptualización de esta <i>cuasi-opera-rock</i>.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Burning Down</i>: Un medio-tiempo acústico a base de guitarra española con una cadencia sonora que se escucha en sus versos hasta alcanzar su vena roquera en los estribillos y el solo de guitarra eléctrica, recordándonos a composiciones más recientes como <i>Holy Flame</i> incluso a través del título.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Love In Separation</i>: La balada de amor por excelencia y quizá la más apasionada de todas, ello gracias a un tratamiento tanto melódico como lírico con muchísimo sentimiento e introspección, complementado con una ejecución de instrumentos acústicos capaz de destrozarnos el alma.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Gingerbread Man</i>: Dentro de los surcos más memorables del LP, estamos ante un trallazo de <i>power-pop</i> que contiene unos de los estribillos más pegadizos, ramalazos de guitarras, un alucinante órgano e instrumentos clásicos de la música hindú como el sitar sonando al fondo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Farewell Beautiful Dreamer</i>: Probablemente la grabación más lograda de las sesiones de grabación, una hímnica canción deudora del <i>Muro de Sonido</i> de Phil Spector con un ritmo marcado por flautas, silbatos, tambores de banda marchante y una sección de metales que acompañan al grupo en este<i> nursery-rhyme</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana;"><span><i>Where Have All The Brave Knights Gone</i>: Otro medio-tiempo en clave <i>folk </i>con evidentes reminiscencias de Bob Dylan debido a su melancólica melodía y lírica, acompañadas de unos órganos </span><span style="text-align: left;"><span><i>à la</i></span></span><span><i> Al Kooper </i>como si hubiera salido de una sesión del <i>Highway 61 Revisited</i>.</span></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>108 Ways To Leave Your Narcissist</i>: Hacia el ecuador del álbum nos encontramos ante una composición más recargada en <i>lisérgia</i>, marcada por un apabullante <i>riff </i>que mantiene el ritmo en todo momento, tanto en versos como en estribillos, hasta la llegada de un solo de guitarra con Crispian en su elemento y la banda haciendo lo que mejor saben hacer.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><i>Don't Forsake Me</i>: Avanzamos con un cadente <i>hard-rock</i> que nunca pensé escucharíamos de la mano de Kula Shaker, estructurado bajo unos versos muy contundentes que llevan a la composición hacia una especie de <i>leitmotiv </i>musical y lírico </span><span style="text-align: left;"><span>hasta intensificarse a niveles más siniestros.</span></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>303 Revisited</i>: Mi tema preferido sin lugar a dudas, una hermosa composición con una tonalidad electroacústica y un gancho <i>pop </i>irresistible, brindando un sentido más melodioso a esta revisión (como su nombre lo indica) de la original (y más roquera) <i>303</i>, con la cual se pretende cerrar una historia contada entre ambas.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>The Once And Future King</i>: El sencillo de difusión de este trabajo supone un contrapunto con todo lo escuchado de la banda hasta ahora, emulando descaradamente a Pink Floyd a través de un<i> rock espacial</i> con alta presencia de sintetizadores y un manto de <i>psicodelia </i>que los arropa en esta pista que se nos hace corta.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Shattered Bones</i>: Este bucólico <i>country-rock</i> pone al cantautor con su guitarra acústica en un primer plano a través de una melodía más agridulce pero optimista en todo momento, rindiendo homenaje al tema <i>33 Crows</i> de su anterior álbum y superándolo con creces.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;"><i>After The Fall (Pt. 1, 2 & 3)</i>: La pieza central de esta obra se nutre de aires muy cinemáticos, posicionando al oyente en el lejano oeste por medio de </span></span><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;">una <i>intro </i>en plan <i>spagetti western</i> mutada en un <i>rock progresivo </i>que cambia constantemente de ritmo durante las estrofas hasta retomar el verso principal con proporciones mucho más épicas en el <i>outro</i>.</span></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Bumblebee</i>: El tema que da cierre al álbum no podría otorgar una despedida de lo más adecuada si no fuese un <i>bluegrass </i>como este, con unos cálidos versos que van hacia una algarabía en la que el resto de la agrupación se une a un solitario Mills en la guitarra acústica ya para la mitad de la composición.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="text-align: left;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrghlZjSROeoetfJOZ8PbLTS0Kp9s1N94H3bbufeci9hWohOkg1KjDZrO8F5E06rLgbbcDUClLG0un5EcxLZ3H3RW3LBu4DjQCkCQggtPGaiOXJezQgntmcU8mSJTYhLrmQJBliLt8icPIeKpKWALctZlioUEoKGxiLLWIdvHNHcQI5HPaO7TgF56_vQK9/s320/cover.jpeg" width="320" /></span></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>First Congregational Church Of Eternal Love And Free Hugs</b></i> (<i>Strangefolk Records</i>), lanzado en junio de 2022, no sólo es el trabajo más diverso de la agrupación, sino que tiene el atrevimiento de ser lo mejor que han hecho. Con una duración de poco más de una hora sustentada en quince composiciones a las que tenemos que agregar un <i>intro</i>, una <i>coda </i>y demás, estamos ante un álbum doble en la era del <i>streaming</i>, un desafío que Kula Shaker asume para recordarnos la importancia de escuchar los discos de principio a fin, tal y como son concebidos.</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tal vez la música de Kula Shaker pase desapercibida para el público en general, pero así sean una banda de culto cuyos quince minutos de fama pasaron hace casi treinta años, para mí seguirán siendo una de mis favoritas del <i>rock británico</i>. ¡Hare hare y hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/l6dpihyFZrc" width="320" youtube-src-id="l6dpihyFZrc"></iframe></div><p></p><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-20139216782654598942023-08-26T11:59:00.000-04:002023-08-26T11:59:08.970-04:00SODA STEREO<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>En cuanto al <i>rock en español</i> se refiere, Soda Stereo comprende, a través de siete álbumes de estudio en quince años de trayectoria discográfica, un lenguaje musical tan influyente que marcó un antes y un después para la historia de la música en América Latina.</span></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="463" data-original-width="817" height="362" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAJaI5tFk_1H7AGytU5V5dPhoA3HOAu0YN7tWvTPO5XZxfIU7FDJHxjPzuISBnvGXNSWKFsc5ahEuu5g8ryycX1X2SAn-_rldkmYS-r0lAlBGia2S8yQcnRhaKmS5NfrCo9Nggk1JUBx0Ij_-KwY3b6gKkbJ8WPmifSMSdsxveSERTsjKAPut2oPKj4p3j/w640-h362/D3pW1MYW0AAD04S1.jpg" width="640" /></div><p></p><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="font-size: large;">Charly Alberti (batería), <a href="https://rincondelroquero.blogspot.com/2023/06/gustavo-cerati.html" target="_blank">Gustavo Cerati</a> (<i>frontman</i>) y Zeta Bosio (bajo)</span><span style="font-size: large;"> demostraron que el <i>rock argentino</i> sí tenía un gran alcance a nivel internacional, conseguido a través de un bagaje de influencias tanto nacionales como anglosajonas que dieron molde a un estilo inconfundible que ha marcado profundamente la vida de amantes de la música como yo... Hablamos de Soda Stereo.<span></span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Alrededor del año 1983, luego de formar parte de malogradas agrupaciones de la escena <i>underground </i>de Buenos Aires, estos tres estudiantes de publicidad se juntarían tras intentos fallidos de incluir a un cuarto integrante. Bajo la producción de Federico Moura (Virus) serían plasmados temas como<i> ¿Por Qué No Puedo Ser Del Jet-Set?, Ni Un Segundo, Un Misil En Mi Placard, El Tiempo Es Dinero</i> y <i>Mi Novia Tiene Bíceps.</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="768" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxknW_8vqD6N1VbLTm0oV7nx-YdkfQhPrCef0_ixxbYpfdzVPXgH3C9jwY8mBcFdAw6hbhNMiWxUpDn2_I2T5M8fCgB-PFCHDEmLkljz_LjUED18jwabDzQNGCj15Y29QEDtU76UoUO9XVmbchCYjeJnO5ZuiHw6MqAExJweyXNLbeNaet2-GX53BPJ4EV/s320/cover.jpg" width="320" /></span></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Dietético, Te Hacen Falta Vitaminas, Sobredosis de TV, Tele-Ka </i>y<i> Trátame Suavemente </i>fueron los sencillos de difusión.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">El debutante homónimo (<i>Sony Music</i>), editado en agosto de 1984, exhibe a unos joviales músicos influenciados por el <i>punk rock</i>, el <i>ska </i>y el<i> new wave </i>con un álbum musicalmente repetitivo y una lírica banal, pero que serviría como banda sonora para la juventud de la Avenida Corrientes cuando presentaron este refrescante elepé en un local de comida rápida.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Apenas un año más tarde, el trío se encaminó nuevamente hacia el estudio de grabación <i>Moebio </i>para, junto a Mariano López, elaborar un conjunto de canciones mucho más exploratorias en el terreno musical mientras que en el aspecto lírico se denota mayor profundidad. Entre ellas destacan <i>Si No Fuera Por, Danza Rota, Estoy Azulado, Imágenes Retro </i>y<i> Ecos.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTvXOJS_dY9SpsHTkXDBsPHiVvWQ15DFEyIbOvRcTnIDp3qWu5z0V0302NeCOt45T-tFJG-c3l20M0PuKrfIVHpFDQSbF_xHXf-mvWR03FHw1La6pJfs5LWe-stXIbHzZH0IBIq-qBd8Ozg4Bi9upEQG_8UCw49aCuIT8mgjllkoVs04O1exqMbhE8_l1j/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">El tema titular, <i>Juego De Seducción </i>y<i> Cuando Pase El Temblor </i>fueron sencillos populares.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Nada Personal </b></i>(<i>Sony Music</i>) fue lanzado en noviembre de 1985, esta placa representa una evolución natural de su debut pero a su vez un estilo muy en boga del <i>synth-pop</i>. El éxito inesperado de este elepé no sólo llevó a Soda Stereo a agotar el<i> Estadio Obras </i>durante cuatro noches seguidas, sino a su primera gira fuera de suelo argentino.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Debido a las altas presiones de la creciente fama, los integrantes de la agrupación, para sobrellevar su frenético ritmo de vida, empezaron la ingesta de cocaína, la cual tendría una repercusión de manera tanto negativa como positiva al servir como catalizador de composiciones como <i>Sin Sobresaltos, El Rito, No Existes, En Camino </i>y <i>Final Caja Negra.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8AKukYWosmXkNYR_mcFr3DUB_Q2oy8Z6Uk55p3AnY3BmOTZmCHtX_5e7e0XrumggwhKVQbqJ7R41c7_hFGULE3sGLSosJBTqLx8DwzIzcUKhRUe2Xph5i-tGmfCh0ciz-7XUmvoL9GGuWkkAJe7zt8aqLX0GzYldHgQjjgF49ROt1sU-3VVi5RFdpmNJ9/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Persiana Americana </i>y <i>Prófugos </i>fueron los únicos sencillos.</span></h3><span style="font-family: verdana;"><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><i><b>Signos </b></i>(<i>Sony Music</i>), publicado en noviembre de 1986, supone un salto decisivo al autoproducirse en un <i>tour-de-force</i> con mayor presencia de instrumentos de viento, sintetizadores, coros femeninos y letras cargadas de intensidad. En definitiva, la </span><span style="font-size: large;">«</span><span style="font-size: large;">Sodamanía</span><span style="font-size: large;">» </span><span style="font-size: large;">había llegado para quedarse.</span></p></span><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Con cada vez mayor convocatoria en sus giras continentales, para finales de 1987 Cerati, Bosio y Alberti llamaron al guitarrista Carlos Alomar para que produjera su siguiente trabajo, quien pondría su impronta en composiciones como <i>Pícnic En El 4º B, En El Borde, Los Languis, El Ritmo De Tus Ojos </i>y<i> Terapia De Amor Intensiva.</i></span></p><span><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5pi6ml-X3u5K_VabIN0fjQZRJkXy9fOTE2w-htjgdOkEtu17CC_cbisAmwxJ7vhyMNC7FcNDAdVdsh-y4yH_k7TjEoyMVMmqEapP-w6AdTRoYogxG0SKPMsO7iVDjTwgiXDpwEo1S-fuYx5kguwLBaDmi1u_fhJL88kJ-X5IyDnIne4PNcPmqNZg7jxYy/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>En La Ciudad De La Furia, Lo Que Sangra (La Cúpula) </i>y<i> Corazón Delator </i>fueron sencillos comerciales.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Doble Vida </b></i>(<i>Sony Music</i>) fue presentado en septiembre de 1988 como un álbum de transición entre la primera y la segunda etapa de Soda Stereo. Al ser grabado en Nueva York toman inspiraciones a partir del <i>funk</i>, el <i>R&B </i>y el <i>rap</i>, demostrando que un versátil esfuerzo creativo puede palidecer ante la sobre-producción de un disco.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En medio de una etapa de inflación económica en Argentina, un amargo divorcio, luchas contra el cáncer y una recesión en la industria del disco, Gustavo regresaría a vivir a casa de sus padres, fundamental a la hora de componer temas inspirados en el <i>rock </i>de los años setenta como <i>1990, Sueles Dejarme Solo, Hombre Al Agua, Entre Caníbales</i> y<i> Cae El Sol.</i></span></p></span><p><span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSiesMW1Uasj3GS69zDEwYMduawqjCY72pxPNuMJg4xo43UsW2SvEbiNdKkZ9hREF9h9GC8xRQ7298ef1n8F92btBzbXHOSy2ojYXrEgr9Judapks0hSrPiIZJR7TJ8x_oEPwAz4otEhFDICVPBsKVSwwyfdXMYqQupGe5eY4bSbngmdm5vf5bJJFCqcyK/s320/cover.jpg" width="320" /></span></div><h3 style="text-align: center;"><span><span style="font-family: verdana; font-size: small;">La canción titular, <i>De Música Ligera, (En) El Séptimo Día, Un Millón De Años Luz </i>y <i>Té Para Tres </i>fueron sencillos legendarios.</span></span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Canción Animal </b></i>(<i>Sony Music</i>), viendo a luz en agosto de 1990 y grabado en Miami, es una producción mucho más directa que corrió a cargo por la propia banda en la cual los <i>riffs </i>de guitarra son acompañados por una musicalidad contundente y una lírica que alude a la sexualidad.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">La consecuente gira recorrió toda iberoamérica, ciudades tanto estadounidenses como europeas y culminó en la<i> Avenida 9 de Julio</i> (Buenos Aires) ante más de 300.000 espectadores, donde el trío sintió que no tenían nada por conquistar. Sin embargo, pronto construyeron sus estudios <i>Supersónico </i>para desarmar el rompecabezas sonoro en <i>Toma La Ruta, Camaleón, Sweet Sahumerio, Nuestra Fe </i>y <i>Texturas.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="613" data-original-width="610" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgg17jaAPS15CfmbPHCRbwHwEpVS_xKaleaX5doauktYQTvkj6_uIvaAvLbBzT6Ik7uBKd37TXK6UodNUu9pfiAV-VSQcrc_YTUX3SAbrEM-Doj-TCdAb91eTUnfYH_iMzoFGRGYEjQ4TMQCQ5_4euNKQkeSjGqTcCLsQPQVY5eRIF3FIllbJJAQVklqB9P/s320/cover.jpg" width="318" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Primavera 0, Luna Roja, Ameba, En Remolinos </i>y <i>Fue </i>fueron sencillos desafiantes.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Dynamo </b></i>(<i>Sony Music</i>) fue editado en octubre de 1992 bajo la influencia del <i>shoegaze</i>, la <i>neopsicodélia </i>y el<i> noise pop</i>, géneros alternativos reinterpretados por Gustavo, Zeta, Charly y Daniel Melero en la producción. Se considera una obra adelantada a su época debido a su nivel de vanguardia.</span></p><div style="text-align: justify;"><span><p><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En un periodo de dos años en el que los integrantes del grupo se distanciaron al emprender proyectos alternos, para fines de 1994 se establecerían dentro de los <i>Estudios Matrix </i>(Londres) para darle forma a composiciones que mostraban un retorno a lo básico y un que hacer más experimental. Entre ellas destacamos <i>Pasos, Ángel Eléctrico, Crema De Estrellas, Planta</i> y<i> Moiré.</i></span></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjEBCDcEUhWGIcZ-imWUSIxHCo9ks5_BJLPmnlrV-DhWCmJNbvRCmi614brZJ9n4r-WBBzamnVCx4cCSSPZwZ00c07074tneFJWtcaWECSepaiQDvl2PSaULqFlaYEWrbbBvAW14lS8u4VptsHdd_KMZZpa6Pmey0MwNgO8qi4wRVyK4nZbA2vjJxUvPV3/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Ella Usó Mi Cabeza Como Un Revolver, Zoom, Disco Eterno, Paseando Por Roma </i>y<i> Ojo De La Tormenta </i>fueron sencillos que se convirtieron en clásicos.</span></h3><p><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><i><b>Sueño Stereo </b></i>(<i>Sony Music</i>), lanzado en junio de 1995, fue el canto de cisne de Soda Stereo al encontrarse en su momento más maduro gracias a temas elegantes, con mayor presencia de elementos electrónicos y arreglos de cuerda al más puro estilo de The Beatles. </span>A comienzos del siguiente año Cerati cedería ante las reiteradas invitaciones de <i>MTV </i>a su formato <i>Unplugged</i>, tocando las canciones que conformarían el álbum en vivo <i><b>Comfort y Música Para Volar</b></i> (<i>Sony Music</i>).</span></p></span><p style="text-align: center;"><span><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Lo cierto es que las fricciones dentro del seno de la banda llegaron hasta el punto de afectar sus actuaciones en directo, lo que derivó a la despedida con un <i><b>Último Concierto</b></i> en el <i>Estadio River Plate</i> para septiembre de 1997 hasta su <i><b>Gira Me Verás Volver</b></i> diez años después. ¡Gracias totales y hasta la próxima roqueros!</span></span></p><p style="text-align: center;"><span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/xjFc9Q7S3mk" width="320" youtube-src-id="xjFc9Q7S3mk"></iframe></span></div><p></p><span><p></p></span></div><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-4282976488283183972023-06-25T07:59:00.001-04:002023-06-25T07:59:22.765-04:00GUSTAVO CERATI<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>En el <i>rock latinoamericano</i> existe una historia llena de referentes que han dejado una huella imborrable dentro del género, pero Gustavo Cerati fue la rara avis que logró romper paradigmas y así, con sus dotes musicales, alcanzar un impacto a nivel mundial a la altura de los más grandes.</span></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="531" data-original-width="936" height="364" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyaALl6gz-GEgPJ0xsZOK2QVkyHHS1qDGB78k7hQ3zUQCnnVI2B3OT_ypEvt6HVQaXuaYvvJbhtbSh0OpPWW3m9KEN_3hJlmh2eVXUrZOtqXkNoh5Nr6TOZITxrh9CJplw6urO-QAQmKdusZaBO1SUUf9qQRBquLHIGbJL1mo00aU6THlQoxvRyl6l7g/w640-h364/ahi-vamos-1.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Gustavo Adrián Cerati (cantautor y multi-instrumentista) desde muy joven demostró un talento artístico solo al nivel de los genios, con un interés genuino por la música <i>rock </i>-tanto de su natal Argentina como internacional- que lo llevaría a formar una de las agrupaciones más importantes e influyentes con Soda Stereo (quienes marcaron profundamente mi infancia desde el equipo de sonido del carro de mi papá).<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Fue con su inconfundible voz, Zeta Bosio (bajo) y Charly Alberti (batería) que obtuvo el reconocimiento merecido como <i>frontman </i>de Soda desde principios de los años ochenta hasta finales de los noventa con álbumes como su <i><b>debut homónimo </b></i>(1984), <i><b>Nada Personal</b></i> (1985), <i><b>Signos </b></i>(1986), <i><b>Doble Vida</b></i> (1988), <i><b>Canción Animal </b></i>(1990), <i><b>Dynamo </b></i>(1992) y <i><b>Sueño Stereo</b></i> (1995). Aunque Soda sea uno de los grupos insigne en mi formación musical, siempre he sentido una mayor afinidad con el repertorio en solitario de Cerati, por lo cual dedicaré esta reseña expresamente a ello y en una futura entrada, repasaré a dicha banda.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tras una colaboración con el productor Daniel Melero en el disco <i><b>Colores Santos</b></i> (1992) y haber cancelado la gira de Soda Stereo en aquel momento debido a fricciones con los demás miembros, Gustavo y su futura esposa, Cecilia Amenábar, partieron a Santiago de Chile esperando el inminente nacimiento de Benito Cerati. Este cambio en su estilo de vida inspiró al músico a componer canciones más personales, luminosas y <i>psicodélicas </i>como <i>la titular</i>, <i>Cabeza De Meduza, Av. Alcorta, Rombos</i> y <i>A Merced.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="701" data-original-width="700" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtSqB2gqjeTCUyUzBluch7eK7JPQRVQU34j1_6ywAhlGnI4tFusytdWzb8LRIOH-08pFmdKV5JFCqpEGoRPngpiKP40zzVgKrm-JLP98ZqkstSCHIiwfADups4rDWIfZXhfbqIZDV7SLz_4QXd1nZi3P_jjEWLFp50fzaHuAizs78V7auyQNwuoSeGQQ/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Te Llevo Para Que Me Lleves, Pulsar </i>y <i>Lisa </i>fueron los sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Amor Amarillo </b></i>(<i>Sony Music</i>) fue lanzado en noviembre de 1993 en medio de una etapa difícil para Soda, de quienes Gustavo buscaba distanciarse cada vez más y refugiarse en su nueva familia, por lo que este elepé sólo fue promocionado en un set acústico para <i>FM 100</i> al lado de Zeta Bosio y el guitarrista Flavio Etcheto para el deleite de sus fans con este cancionero intimista que funciona como un todo cohesivo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En un lustro en el que tuvo lugar tanto la separación de Soda Stereo, como el nacimiento de Lisa Cerati, proyectos paralelos y demás, Gustavo, desde su <i>Casa Submarina</i>, entra de lleno en la <i>música electrónica</i>, las orquestaciones y el sampleo computarizado, dando lugar a unas eclécticas composiciones que comprenderían su segundo álbum como solista, destacando <i>la homónima</i>, <i>Beautiful, Perdonar Es Divino, Verbo Carne </i>y <i>Alma.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="894" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi3J0rjyLNS2Huquo7a9QLNLhyhrIGy9RQpmHrECvPQpHLk5zMIr3O94b4cx3lGXYVCxr9ijhQr58VuMU_NiSvrJuQ9V89pjtdWzwev8Ha1Zfazpar57P31T2jgfRRJVUHEOAGtmZIzv3gyaBOaIYFf651h-3yfhqDjQvbkuPxOwQrw93FGkI2rGXxUA/s320/cover.jpg" width="318" /></div><h3></h3><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Raíz, Puente, Paseo Inmoral, Tabú, Engaña </i>y<i> Río Babel </i>fueron los sencillos promocionales del disco.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="font-size: large;"><i><b>Bocanada </b></i>(<i>Sony Music</i>), publicado en junio de 1999, es una pieza hipnótica dentro del catálogo de Cerati debido a su </span><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;">intrínseca búsqueda de recursos tanto literarios como sonoros, resultando en una escucha demandante pero fundamental por su innovación. A pesar de recibir una acogida algo tibia por parte de la prensa musical, con los años ha sido reconocida con un merecido legado de culto.</span></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Iniciando una nueva década y abriendo paso al siglo XXI, Gustavo emprendería su primera gira, consagrada en unas presentaciones en el<i> Gran Rex</i> para octubre de ese año con las entradas agotadas. Paralelamente a esto, el músico debutaría como actor en el filme de bajo presupuesto <i><b>+ Bien</b></i> (2001), para el cual compondría la banda sonora, resultando ésta más exitosa que la película en sí.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="750" data-original-width="1236" height="243" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg19HyKNkQpMZptUtRMdpBoxtUuO9rqMNhz-5btzaHQTLHv197mJ6IHUEaWlr1Jil91NpmmMhhbY7CE25ll2oQqMYLEAHNTdpq9xcw_6CTR-b44S4NiiOfgF8Mf8xvz_4Rz65SzB1HeP3vgt2QOCndbA4NXBZ2AZmVTbAjZ1v-u0k3a2yyxo8eCB4Csgw/w400-h243/98345423_690433198446525_8841264357196169216_n.jpg" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">El álbum en vivo <i>14 Episodios Sinfónicos</i> (2022) fue rebautizado a partir de <i>11 Episodios Sinfónicos </i>(2001).</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Dado a que Cerati se había convertido en un <i>crooner </i>a consecuencia del estilo musical adoptado en su último álbum, llevaría esta visión artística mucho más allá con una serie de conciertos al lado de Alejandro Terán (y una orquesta sinfónica de 40 músicos) re-interpretando canciones de su carrera, presentándose en salas de la Argentina, México, Chile y mi natal Venezuela ya hacia el año 2002.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Poco después de estos eventos, Gustavo se encerraría en el estudio de grabación con su banda de apoyo para registrar un gran número de temas recientemente compuestos, los cuales, líricamente, eran informados por su separación con Cecilia Amenábar y una nueva relación amorosa. En cambio, musicalmente, las guitarras eléctricas cobrarían cierto protagonismo a pesar de mantener la experimentación con elementos electrónicos en <i>Nací Para Esto, Tu Cicatriz En Mí, Altar, Vivo </i>y <i>Sudestada.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoPmLkQZWK346-Xn5e5N8AYhvxpxOfRxvJN1bOh_0WlxUFJcxFu8RTX4pu9t3BY-HNq1EbLYofLb8vBvLS5iWwoaDvFVD1SodNhhr2QD9HKx7w9uGUATUkZh6tE76d1jnLGnCnIuJdaiVJ7NiW1w7Vvl_xqBncTzL5dgVbV3iGPYlU1IyzyKgev-J6XwRy/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Cosas Imposibles, Karaoke, Artefacto</i> y <i>No Te Creo</i> fueron los sencillos promocionados de este disco.</span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Siempre Es Hoy </b></i>(<i>Sony Music</i>) fue editado en noviembre de 2002 en plena crisis político-económica en Buenos Aires, y al ser un trabajo denso debido a sus 70 minutos de duración, supone lo más disperso bajo la autoría de Cerati, queriendo dar un salto de género a lo largo del vinilo acompañado de colaboradores como Sacha Truijeque, Toy Hernández, Domingo Cura y Charly Garcia. Reflexionando sobre su proceso creativo, Gustavo dijo lo siguiente:</span></p><div style="text-align: justify;"><span><blockquote><span style="font-family: verdana; font-size: large;">«En todos los discos me propongo, consciente o inconscientemente, cambiar un poco la metodología. Es algo que me refresca, pasa el tiempo y naturalmente uno se va interesando por otras cosas».</span></blockquote><p><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tomando palabra de esta frase acuñada por él mismo, para su siguiente proyecto en solitario haría exactamente eso al encarnar a la <i>estrella de rock</i> que llevaba dentro bajo un repertorio de canciones mucho más pegadizas, con gancho y una vena roquera potente. Entre ellas están <i>Al Fin Sucede, Uno Entre 1000, Otra Piel, Médium</i> y <i>Jugo De Luna.</i></span></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="822" data-original-width="800" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAtyS8-goY7EyYUp0PODnQsNCGKctGREb_CzDRs3sviDUnj6Z3Y9gBj-isH5gjaUxm4e5-z77yQ02PSvrmLigEB8y0W4zMq5yjWcNwVkBfXJUevfb7BYNIizDwa6xUmBDmd0nxhcGqTLzMM9UwQLLkkOOZE28q-VzhIwUjxVld5LMkMrMiWmSQ_JVGciBs/s320/cover.jpg" width="311" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Crimen, La Excepción, Adiós, Lago En El Cielo </i>y <i>Me Quedo Aquí </i>fueron sencillos de popularidad.</span></h3><p><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Ahí Vamos </b></i>(<i>Sony Music</i>) vio a luz en abril de 2006, con un anticipo mayúsculo que lo convirtió rápidamente en disco con certificación <i>platino</i>, una producción prolija de Tweety González de composiciones vibrantes, inmediatas y atemporales pero con un rigor clásico que consagraría a Cerati como un referente a nivel mundial. La recepción por parte de la prensa fue unánimemente favorable y la gira de presentación, documentada en DVD, exhibe a un Gustavo Cerati nuevamente entregado a su público.</span></p><p><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Cerrando con broche de oro la mencionada gira en el <i>Festival Viña Del Mar</i> en su edición 2007, regresando a los escenarios al lado de sus ex-compañeros en Soda Stereo, produciendo a Shakira y compartiendo tarima al lado de Fito Páez, Gustavo se encontraba en un momento de alta madurez en su carrera, y ello se vio reflejado en su ejercicio como cantautor en nuevos temas para su último proyecto como <i>el titular</i>, <i>Amor Sin Rodeos, Cactus, Naturaleza Muerta</i> y <i>He Visto A Lucy.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjwcUdbPhPDl8ELLELrkKBasfZzHE4P88gElvovKpTuT0bia9e1dM5YGYh1WDPm4lZM0LYB2-EyoAtSVcfeJvpwiW3mzPU0zCmpZG8pW91HPhF7AKxY2LC1-iMF5C448GzxGXCebUBO7atVWvCTFTPy7u7ynf271FHteuHdMWUrtZXZaLyyqx0oTlBRjqc/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Deja Vu, Rapto</i> y <i>Magia </i>fueron los únicos sencillos.</span></h3></span></div><div style="text-align: justify;"><p><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Fuerza Natural </b></i>(<i>Sony Music</i>) fue lanzado en septiembre de 2009 como el quinto álbum de estudio de Cerati, co-producido por el venezolano Héctor Castillo y concebido como una obra maestra que debe escucharse de principio a fin debido a su carácter «de viaje», apoyado por unas letras más místicas y melodías muy arraigadas al <i>folk rock</i>, la <i>música country </i>y el <i>indie rock </i>pero con el <i>pop </i>como una constante.</span></p><p style="text-align: center;"><span><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Embarcado en una ambiciosa gira en países de toda Latinoamérica, para el último tramo, aquí en Venezuela, Gustavo Cerati sufre un Accidente Cerebrovascular (ACV) poco después de dar por finalizado un majestuoso recital en Caracas, cayendo en coma días después y falleciendo en septiembre de 2014, día fatídico dentro del inconsciente colectivo de todos aquellos que crecimos con su música. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></span></p><p style="text-align: center;"><span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/Jwz5Gje9wXc" width="320" youtube-src-id="Jwz5Gje9wXc"></iframe></span></div><p></p></div><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-18730138541232376602023-04-30T07:59:00.003-04:002023-05-01T13:06:01.252-04:00MODERN LIFE IS RUBBISH<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>La música es el lenguaje del amor por excelencia, nos motiva a dedicarle canciones a la chica que nos gusta y nos sirve como una banda sonora para nuestros corazones cuando estamos enamorados, o mejor dicho, cuando la vida moderna deja de ser una basura.</span></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSluVK_OOCyl0udt_C9MFY5cehroCNJf5F60fpfHqlbeHzAZ77RlkNnkFS8leInKGsFg94NsPyqYmYQrI9dmSXD4z-Wde8ZhA67q_lljpbtlsylUROx6T10Uqg92_icUcEeYyPflrG084q6FfSYx5ZOpAlNl1A6uPEECDd5FO1VxfK5Imalpm_Wn35MQ/w640-h360/modern%20life%20is%20rubbish%20poster.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Reseñar filmes no es algo a lo que estamos tan acostumbrados en El Rincón del Roquero, ya que aparte de <a href="https://rincondelroquero.blogspot.com/2021/02/almost-famous-sexo-drogas-rock-roll-y.html" target="_blank"><i><b>Almost Famous</b></i></a> y <a href="https://rincondelroquero.blogspot.com/2019/11/quadrophenia-40-anos-de-la-pelicula-mod.html" target="_blank"><i><b>Quadrophenia</b></i></a>, son pocas las películas musicales que merecen la pena de ser escritas. Pero desde la primera vez que vi este largometraje a principios de 2020, se ha convertido en uno de mis favoritos, por ello les quiero presentar: <i><b>Modern Life Is Rubbish.<span></span></b></i></span></p><a name='more'></a><p></p><h2 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;"><u>ANTECEDENTES</u></span></h2><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Basada (y expandida) a partir de un cortometraje homónimo de Daniel Jerome Gill, la idea en torno a la realización de este filme toma inspiración de clásicos modernos como <i><b>High Fidelity</b></i> (2000) y sobretodo <i><b>500 Days Of Summer</b></i> (2009), en las cuales se representan los altibajos de la vida sentimental de un amante de la música y su objeto de deseo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">A pesar de ser tanto el debut directoral de Gill como del guionista Philip Gawthorne en este medio, ambos logran de una manera muy convincente replantear una propuesta cinematográfica que no ha sido explorada lo suficiente con este proyecto, tomando como punto de partida la vital importancia que la música ejerce en nuestras vidas al enamorarnos, y, a su vez, brindando una carta de amor al<i> Britpop.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1367" data-original-width="2048" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyaUYVaEQbpBDj72yHCEBLFbQ14dK4bDs4T0amnv76VB0wAYPmvUhuFKCGnXKpWhXwrJgT_FfD4rInhWI_VASY7QIiKyu42k3pWKgDgTY_2QobdCIkjaMZzNFbn3aXWSemA7ZueDdN-oecYP8CFeg8IE1-zBJ7gXCiIjgI2pu51mVCeNFA8EHNyxIU3g/w400-h268/27modernlife-superJumbo-v2.jpg" width="400" /></div><h2 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;"><u>SINOPSIS</u></span></h2><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">La trama de esta película no sigue una estructura lineal con sus cortes abruptos entre líneas de tiempo, alternando escenas del rompimiento junto con las del noviazgo hasta que ambas, inevitablemente, se entrelazan. Y tan pronto como nos damos cuenta somos espectadores de la ruptura entre Liam y Natalie, quienes se conocen en una tienda de discos en Londres cuando el joven se percata de que ella está en busca del <i>Best Of</i> de una de sus bandas favoritas, es decir, Blur. Luego de que Liam exponga un interesante monólogo en cuanto a porqué Natalie debería de apreciar la discografía del grupo escuchando los álbumes cronológicamente, la química entre los actores jugaría un papel determinante cuando ambos personajes se enamoran en una discoteca.</span></p><div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Una vez empiezan a convivir como pareja (incluida la escena de sexo más divertida que he visto en mi vida), Liam se obsesiona con perseguir su sueño de ser una estrella de <i>rock </i>ante la imposibilidad de mantener un trabajo estable, mientras que Natalie se ve en la obligación de pagar el alquiler con un sueldo que dista mucho de sus aspiraciones como diseñadora gráfica, derivando al inevitable rompimiento una vez Liam, en estado de ebriedad, monta una escena en la galería de arte en frente del jefe de su novia.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="717" data-original-width="1076" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy72WGeTKyMy6eXSow-cz-qc4-k1tKurK-IQh8PE3QtHQEdk1EgNVwaxs4wtNJXf4CyYERZ9hWNu_25ULGD-lyCi8eUC1E1-haANJKgJS2T8FznocNq0UkI8PXcEs7S7YumPHgQ4BpAYI2-S2wHpLmWBzglA01QiCwqm627iWBIgqrYBEDLwAlsN0IwQ/w400-h266/31880504_444538092668248_7403198324540440576_n.jpg" width="400" /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Conforme los tiempos cambian, la forma en la que consumimos la música también, y por desgracia, las relaciones de amor a su vez, cuyo punto de inflexión ocurre aquí cuando cierran la tienda donde se conocieron, momento en el que el <i>streaming </i>y (en menor medida) las descargas digitales llevaron a los formatos físicos como los vinilos y CD's a la ruina. Ambos se tendrían que repartir entonces la colección de discos que habían formado juntos, cuyo contenido había sido crucial en sus diez años de relación amorosa.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Sumido en una depresión post-ruptura y viviendo en casa de su madre, Liam se convierte en aquello que juró destruir: un vendedor de <i>café lattes</i> que ocupa un <i>iPhone </i>y, brevemente, una cuenta de <i>Tinder </i>para conocer chicas. Natalie, a su vez, empieza a salir con un compañero de trabajo que quería con ella desde un buen principio, pero no sería por mucho tiempo hasta que su corazón volvería a latir al mismo ritmo que el de Liam, gracias a un vídeo viral en el que éste, creyendo ver a su ex-novia entre los espectadores, rompe en llanto en pleno concierto. </span>Ya cuando finalmente las cosas se dan para la banda de Liam (Head Cleaner) bajo la tutela de <i>The Curve</i> (un hombre que se hizo pasar por mánager sólo porque su vida real era poco interesante), este individuo sería el catalizador de la transformación personal (casi milagrosa) del protagonista, mostrándose como un hombre cambiado para recuperar a su amada.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="648" data-original-width="1000" height="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhia51nbCVBmp882sFfvpRXOmNaXwKvGx0KYXbDNVSDRXuGIcZFQ7dI6--6fOQ_BXhboUcMOjklLuh22HDzWsUzz34b15vk246Oh6h6j2HojUIrwnrgUFy3HhQkLpMo2eBivBI7ZdoORpm_mcvSN3keAivZ7xUzjt2bvP9E1Wy-GeVqHMZt4tJmHkhwFA/w400-h259/DcHfQ38WAAA_CM5.jpg" width="400" /></div><h2 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;"><u>SOUNDTRACK</u></span></h2><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Paradójicamente, <i><b>Modern Life Is Rubbish</b></i> no cuenta con canciones de la banda que proporciona su nombre, ello debido a que los productores no lograron contactar con los miembros de Blur para que les fuese otorgado el permiso de utilizar su música con ese fin... Pero no por ello la propuesta palidece, más bien todo lo contrario, ya que sí pudieron contar con artistas de la talla de The Libertines, Stereophonics, Spiritualized, Cocteau Twins, The Vaccines y Radiohead, los cuales formaron parte de la banda sonora no sólo de la película, sino del noviazgo de los protagonistas. Así reflexionaba el cineasta Daniel Gill al respecto:</span></p><div><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;"></span></span><blockquote style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span style="text-align: left;"><span>«</span></span><span>Cuando escuchas una canción, a veces te pones nostálgico y piensas en un tiempo en el que pasaste por un buen momento en tu vida</span><span style="text-align: left;"><span>»</span></span><span>.</span></span></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Para otorgarle una mayor autenticidad a la cinta, el actor principal compondría junto a Ben Parker muchas de las canciones que servirían para el repertorio ficticio de su grupo musical en la película, como <i><b>Give It Till You've Lost It</b></i>, <i><b>Uncontrollable</b></i>, <i><b>Mystery</b></i>, <i><b>Broken Dreams</b></i> y <b style="font-style: italic;">Liqourice Allsort Girl</b>.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhl21pwzSjg0XYeujNNdaDf-WwOIr3EFgWXxI-HsrDvRpa2h5L4qbGO3lZZ-rfDor6AK_Yu_JX3DdAvvviokReMRyF258aLgrBd59LxeZjHgFE-A4gPTowmJi59VK3w8mNJE0aBogvCRVgNlXtnh5_xzdIdXg_645nDvDq-i6DtAT0N1SnD8GjoXQgonw/s320/1200x1200bf-60.jpg" width="320" /></div><h2 style="text-align: center;"><u><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;">LEGADO</span></u></h2><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Cinco años después de su estreno,<b> </b><i><b>Modern Life Is Rubbish</b> </i>se mantiene como una de las mejores comedias románticas de nuestro tiempo. Muy a pesar de encasillarse dentro del estigma de «película indie», posee un enorme atractivo para un público cuyo nicho es, precisamente, la <i>música indie británica</i>, aquella capaz de despertar sentimientos de profunda nostalgia. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/LLY9qmVGrZs" width="320" youtube-src-id="LLY9qmVGrZs"></iframe></div><p></p><p></p><p></p><span style="font-size: x-large;"></span></div><p></p><span style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"></span></span></div><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-47790509961883627322023-03-01T08:59:00.000-04:002023-03-01T08:59:29.067-04:00PINK FLOYD<p></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Pink Floyd cambió de sobremanera el discurso argumentativo de la música <i>rock </i>a lo largo de su basta carrera, convirtiéndose de promesas de la <i>psicodelia </i>de fines de los sesenta a leyendas de la <i>ópera rock </i>a partir de los ochenta.</span></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZHchU1ezkaQIuoZPcFcNsJFcIUZkUzviLJaP5GUTs2KNKh2WHCtb5Jezv2OlU09M-QeOsmakHtIwYhi11_Hdku3fABQQEqDTlE8oMimjmBIlzWCRFTRBduwhM-cA479ft3wTtWMuFzfne2AqCTUKXeZNWfMnogL6iGps0C3JvqxsarYl8opM1q4vuQw/w640-h400/pinkfloyd-5.jpg" /></div><p></p><div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Pink Floyd se formó en Londres (Inglaterra) por Syd Barrett (cantautor y guitarrista), Richard Wright (tecladista), Roger Waters (bajista) y Nick Mason (baterista), dando cabida a una efervescente escena musical, la cual terminaría costándole la salud mental al ya mencionado Barrett y a la agrupación su miembro más talentoso, enigmático y genuino.<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Syd Barrett fue el catalizador del éxito de Pink Floyd, y producto de ello lograron firmar un contrato con <i>EMI</i>, en cuyos estudios se grabó su primer elepé bajo la producción de Norman Smith, una vorágine de lisergia representada en temas como <i>Astronomy Domine, Lucifer Sam, Interstellar Overdrive, The Scarecrow</i> y<i> Bike.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyu_BoYst9LylXP4f8CioN5SUQEk67cjsHCHLk0dsbF-K384QGHZ17AjWyMaiJM0Xn3ZUxEQtzKGiqy1GwoupeZAst_wxM9cqKN6mmHP3wZ91uQcQsf5DDzdEytw_gNfRH_AhAvR7pa-4f5uq-DDA4JANvueykLsDJ8XfPTXi48xqw7dCu46RZ5R7d_A/s320/1967%20-%20The%20Piper%20at%20the%20Gates%20of%20Dawn%2001.JPG" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Arnold Layne, See Emily Play, Apples & Oranges</i> y <i>Flaming </i>fueron sencillos promocionales.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>The Piper At The Gates Of Dawn </b></i>(<i>EMI</i>), debutando en agosto de 1967, es el único álbum de Pink Floyd realizado completamente por Barrett, atestiguando melodías <i>pop </i>con letras inspiradas en cuentos infantiles extendidas a partir de <i>jams </i>instrumentales.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En enero de 1968 se produjo la salida de Syd luego de que su deteriorada salud mental agravase en cierta medida la reputación del grupo, la cual restablecerían con la inclusión de David Gilmour como guitarrista. En este escenario de incertidumbre se dispusieron a grabar composiciones como<i> Remember A Day, Set The Controls For The Heart Of The Sun, Corporal Clegg</i>, el tema titular y<i> See-Saw.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDrRqnCyq-YMrVr0CZsKLh1cIYRVII8leE4gLBoJFBgoJMWgO9oM6Imm6avGdm1Tlh245qtC8FMgQrxdG3D3EITDqjrXEfECglruxdWxUd4Ib-XF4MalTGjf26aEYJTg_sA6LMYma7AfPQrEg0UJsVFaxB_pSqIMgHOTXqlym0dmZA2MLc_QTGNYx5DQ/s320/1968%20-%20A%20Saucerful%20of%20Secrets%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Let There Be More Light</i> y<i> Jugband Blues</i> son los sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>A Saucerful Of Secrets </b></i>(<i>EMI</i>) fue publicado en junio de 1968 en medio de una etapa de transición, en la cual, sin alcanzar las cuotas de genialidad de su debut, salen airosos con un trabajo más denso pero continuista.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de presentarse en diversos programas televisivos en Europa, los miembros reciben una petición del cineasta francés Barbet Schroeder para realizar la banda sonora de su debut directoral, cuyos pasajes sonoros verían al grupo desempeñarse en géneros como el <i>folk </i>y el <i>lounge</i>, destacando<i> Cirrus Minor, Crying Song, Green Is The Colour, Cymbaline </i>y <i>Main Theme.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKx1t00ZIrOb58BBm3HMulj-CUdvVvDoIkxDjbfia-RaMV_7aQFrKKIsMcxqTkh3a9KK1qMZRQJGKOE-GInszfE6BgimK31KhAHiCsYBm1X-c3ZMtjTtVzrd9-aiECWksDJRezvsMSY3OLIeE29PFTql7YVJuWIuCmv-4TbDlzk2_z-6Jhi3KLHnOJbw/s320/1969%20-%20More%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>The Nile Song/Ibiza Bar </i>se lanzó como sencillo doble.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>More </b></i>(<i>EMI</i>), editado en junio de 1969, fue su primera incursión dentro del mundo del cine bajo un repertorio sorprendente e inevitablemente variopinto. A pesar del relativo éxito en ventas y de crítica, ha conservado un auténtico estatus de culto.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Para su próximo proyecto musical la agrupación parte de una idea de Rick Wright, en la cual se repartirían los cuatro lados del vinilo entre cada miembro para sustentarlos con un experimento suyo, por nombrar <i>Sysyphus, Grantchester Meadows, Several Species Of Small Furry Animals, The Narrow Way</i> y<i> The Grand Vizier's Garden Party.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhE_QWsoKbfwLajTl6Y2-VNyvDZxGUPFtL6tYAC0FOSem8fwZcJ8tVvbBGfURHSdydjeCroJyU9BMy6c_xo3RvmskWr5oAF-YwVqj0NmTeJ7YhW0gwIPTVXuCXq8gCBfIo0kkQnPjqA7i9pUar-oqKuPPP_6AexhyAFFVSBdhgQrQReiBwD6qUqOR4QNw/s320/1969%20-%20Ummagumma%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Point Me At The Sky</i>, el único sencillo de esa época, es muy recomendable.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Ummagumma </b></i>(<i>EMI</i>) vio a luz en noviembre de 1969 como un álbum doble, una primera cara contenía un registro en directo y una segunda cara las mencionadas piezas de <i>avant-garde</i>. Aunque en retrospectiva sea renegado hasta por los propios músicos, fue exitoso.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Para su sucesor se establecería un predominante uso de orquestaciones, la primera cara de la moneda conformada por una <i>suite </i>homónima de proporciones épicas y la segunda por baladas acústicas, destacando <i>If, Summer '68, Fat Old Sun </i>y <i>Alan's Psychedelic Breakfast.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqIuBlpGqikOXE6nqqBMkuUYbLK6N5d8lXh8_d8OLMUfl8iTRRcsXcGrPYgiu1M3OnQRsVV8oDrnJKf0KoELRO3o4XHS_tv68o0HEYPuT2Sq84lBPWOmORDx8QG4n3ppVE1EQE7lqMyUVtxmnCHb2UsPiqXVw7Masz0OUfcNJnbZH8WluNn6tXm7DsgA/s320/1970%20-%20Atom%20Heart%20Mother%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">No se desprendieron sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Atom Heart Mother</b></i> (<i>EMI</i>), publicado en octubre de 1970, supone el primer disco de<i> rock progresivo</i> (sinfónico si se quiere) de Pink Floyd, un deleite de sonoridades tan disparatadas como acertadas que alcanzaría poco después la primera posición en las listas.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Este ritmo creativo continuó con su siguiente vinilo, el cual fue grabado en medio de giras y sin una premisa en concreto, por lo que se presentarían canciones más melodiosas como<i> A Pillow Of Winds, Fearless, San Tropez, Seamus </i>y<i> Echoes.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL7nN3wdyA28indSLonLFOZhDTvTky-PU4DRhCn1-HBp-R6FDeBs9eD3OcaTVXfuv6mpbYWN-L2eeqKGWWI-d3apCfGZpTXdiVL6fzU4vtJdR5MCa-cyl9Z6LzP-9BSMhx2T8HB701jeFj1uBT2ZLOgNHR83yze4L4Bz34q5Axp8an6E-wcG8VlriltQ/s320/1971%20-%20Meddle%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>One Of These Days</i> fue promocionada como sencillo.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Meddle </b></i>(<i>EMI</i>) es lanzado en octubre de 1971 siendo participe de un estilo de <i>rock </i>totalmente inaudito para la época gracias al mayor protagonismo de David Gilmour con sus solos de guitarra, cuyo éxito los llevaría hacia el anfiteatro de Pompeya para documentar una presentación en vivo sin precedentes.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Aliados nuevamente con el cineasta Schroeder, la banda se encierra en los <i>Château d'Hérouville</i> (Francia) para grabar un compendio de temas <i>pop </i>para su inclusión en el <i>soundtrack</i>, como <i>When You're In, The Gold It's In The..., Wot's... Uh The Deal, Childhood's End </i>y<i> Stay.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvpEshtEVkKZKKXzmwCBdU30rizUa7DSICEXmGyGSlZzUe3z87jRkC67POMLewNyrj8US1xvKHtsR0w9Zfzmhib5b_9mCizSqC3cxT-xeqwFeRFcZ5QnNRBKm0-DX2V5DIyZjqFx7LY5CJDRLQfXLvbsB3KiKRsk1M11_D4zjMin-2bfJQNmK6Wlokmg/s320/cover.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Free-Four</i>, su sencillo de mayor éxito desde 1967.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Obscured By Clouds</b></i> (<i>EMI</i>), editado en junio de 1972, nos presenta algunas de las composiciones más infravaloradas de Pink Floyd, muchas de ellas centradas en la trama de la película y complementadas con las melodías más pegadizas en su discografía.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Para su próximo proyecto, Roger Waters sería el encargado de idear un álbum conceptual a partir de temáticas relacionadas con la cotidianidad, la filosofía y la psique humana. Grabando con el ingeniero de sonido Alan Parsons, la banda tuvo a disposición técnicas de estudio más avanzadas que facilitarían los efectos sonoros, coros femeninos y diálogos en canciones como <i>Breathe, Time, The Great Gig In The Sky, Brain Damage </i>y <i>Eclipse.</i></span></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn7ELoVQNBrZ0jzAKl2ED4pMzGgzo84Tbq20RyHfyZdJX-7oqg6FXWYIeEUO8JFA3otWhWLntp0e2AMu_TGPvYwhw-9jZl_E_b6-d3gYUyJRBJLsd3Fg1ANCcaaiU6l37Mqre0ALvQBUktLyV1JzHCi07w8X0ksy8EE3NZwoO3fACBRHhGhlwY6O49UQ/s1600/Front.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Money </i>y<i> Us & Them </i>son los sencillos publicados.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>The Dark Side Of The Moon </b></i>(<i>EMI</i>) fue un rotundo éxito que llevó a Pink Floyd al estrellato en marzo de 1973, ocupando el primer puesto de la cartelera <i>Billboard 200</i> y permaneciendo en dicha lista cincuenta años más tarde.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Después de su primera gira llenando estadios, comenzaron los complicados preparativos para su nuevo acetato, enfocándose en el colectivo pesar en torno a la ausencia de Syd Barrett, quien (con un considerable aumento de peso y completamente rapado) se apareció en los estudios de grabación sin razón aparente justo cuando trabajaban una obra dedicada a él:<i> Shine On You Crazy Diamond.</i></span></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSK7Ql6t6iBqEQW70ubLlvWTIvdYwdCi4R9DxZDvopYcSyi1cKIvny3e5lhTre1qKQWn10WmdFFfZXtWuyiDCMQApp2o97-eWmyC3CHz6vLS09n7pkX07nCoRBxjFvFMLtaFoHYDq7RiybT2_MO48KTEX-TH69OwWZT_F82cH9lnRKIVHP-TvsDNy5BA/s320/1975%20-%20Wish%20You%20Were%20Here%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Welcome To The Machine, Have A Cigar </i>y el tema titular son de las más populares.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Wish You Were Here</b></i> (<i>EMI</i>) salió en septiembre de 1975 como una producción de Brian Humphries, anticipada de tal manera que las 200.000 copias iniciales no fueron suficientes para un público insaciable que lo llevó directamente al no.1. Un elepé que reflexionaba mordazmente en torno a la industria musical.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">La banda construiría poco después su propio estudio en <i>Britannia Row</i> para dar forma a composiciones inspiradas en la novela<i> Animal Farm</i> de George Orwell, donde las castas representadas por tres animales sirven como una crítica social a la Inglaterra de aquel entonces en <i>Dogs, Pigs (Three Different Ones)</i> y <i>Sheep.</i></span></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_VUo08B7Na9sdW4j3zb8fO0tWPb0TAvNJU_lwQ0f52xvzzH6ji1gbzzcQ7EXtR6iAVr-iushDef6Y7C_IA-4u_kTCaIY9olQWch1eZE6aWIfreNb4yzKDnKkm6AExtgtkHsCf0TZqqGXJ5MCtlq5BzNZqmJT5n80D2ok6HPpnOn6Ld_nukdmHcMTmng/s320/1977%20-%20Animals%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Pigs On The Wing</i> era una canción de amor.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Animals </b></i>(<i>EMI</i>) fue lanzado en enero de 1977 como su décimo álbum de estudio, un <i>tour-de-force </i>de alta crudeza musical gracias al uso de las guitarras como principal recurso melódico, una producción más directa y una lírica distópica que no desentonaba con la explosión <i>punk </i>ocurrida recientemente en Londres.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tras un incidente en la gira <i>In The Flesh</i>, un megalomaníaco Roger Waters escupió en la cara de un fanático producto de la creciente frustración generada en sus conciertos, por lo que la temática de una <i>ópera rock</i> partió de estos eventos. Grabada con Bob Ezrin manteniendo al grupo unido como si de un muro de ladrillos quebradizos se tratase, surge el concepto en torno a Pink, una estrella de <i>rock </i>traumatizada por una fama que lo llevó a aislarse del mundo exterior, relatado en <i>Mother, Young Lust, Hey You, Nobody Home</i> y <i>The Trial.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiieI3KOVa7KmOiShJWOSj_blLSnXkqfImbcxynk_8oxWz4TX5-NihfXydYeMqkXWXaCZbr3lKzaZ-vlpLOVJvv50iURX5BVqDEo9AmfJsMVtsYiASeDEoaZoj_FjnV7l8hNl7LwI_L1Z4Hd5admMt0njWAZaD0ouq1LNEtfLqa0B2GkyXXDyUwka7cSA/s320/1979%20-%20The%20Wall%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Another Brick In The Wall (Part 2), Run Like Hell</i> y <i>Comfortably Numb </i>fueron los sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>The Wall </b></i>(<i>EMI</i>), publicado en noviembre de 1979, supone una obra mayúscula producto de un sonido más contemporáneo y una lírica de resonancia psicoanalítica. A pesar de que los conflictos internos dentro del seno de la agrupación motivaron al despido de Wright, se le contrató como músico asalariado para una puesta en escena teatral en directo desde el <i>Earl's Court</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Una vez pronunciada la Guerra de las Malvinas en 1982, Waters ideó la dirección que iba a tomar su nueva grabación, una pieza conceptual anti-bélica que simpatizaba con héroes caídos como lo fuese su propio padre en baladas a piano como <i>The Post-War Dream, The Hero's Return, The Gunner's Dream, Southampton Dock </i>y el tema titular.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhytM64R__oi1HCoMhhIxTjiPTVN5H96x5qLGiYfZQB02VKQRhbFThJB2TKfxITbDTCYWXtBsQzIoEZsTZt5BPWA86iLpf67a0IvOkV3Jf8utctC7WmdL1ExkOcX608Kgr-K_NBYTfkfZKR3lJTDYEDfe9-X9K3ghlZIASJUxxR6ZqgiHmE27AFT6i3Ww/s320/1983%20-%20The%20Final%20Cut%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>The Fletcher Memorial Home</i> y<i> Not Now John</i>, los únicos sencillos viables de este trabajo.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>The Final Cut </b></i>(<i>EMI</i>) vio la luz en marzo de 1983, considerado por muchos como el debut solista de Roger Waters que nunca fue y debió ser. Sin embargo, al ser su disco menos vendido, conllevó a la salida de Waters de la banda y desencadenó una disputa legal por la custodia de Pink Floyd...</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Ello no impidió que el resto de los integrantes grabasen nuevo material contando con músicos de sesión y aportaciones como la de Bob Ezrin en la producción, cuya presencia le daría un sonido muy propio de la época (comercial) a canciones como <i>Signs Of Life, The Dogs Of War, Yet Another Movie, Terminal Frost</i> y<i> Sorrow.</i></span></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDph0mWLDYUEaH3691gyplXMVn7wgTMHni69u5i2sy8PF8mOaWmF8KsbYMhuUeNcj7ObeATdSNbtdUf43V-6gIm1IM9W5rrVcEAjVR-872VZ01BexhJztGrQ5RpRwvOwtpFPyyrQe3KL6dHSKPDSxvSfFfQJO5c6YpkY5j51rlusaYY95tmfZimDihTg/s320/1987%20-%20A%20Momentary%20Lapse%20of%20Reason%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Learning To Fly, On The Turning Away </i>y <i>One Slip</i> se editaron como sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>A Momentary Lapse Of Reason </b></i>(<i>EMI</i>), desde que salió en septiembre de 1987, ha sido considerado como un esfuerzo en solitario de Gilmour con todos los elementos que caracterizan al sonido <i>Floydiano</i>, promocionado por una multitudinaria gira cuyo clímax ocurrió en el <i>Festival de Knebworth</i> en 1990.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de un hiato de más de cinco años, los integrantes entraron al estudio de grabación para maquetar una exhaustiva cantidad de composiciones. Contando con los mismos colaboradores, <i>Cluster One, Poles Apart, Marooned, Coming Back To Life </i>y <i>Lost For Words </i>conforman un cohesivo nexo entre la comunicación y la música <i>rock</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgg5Z4-jL9PJR7f7Y4DHFEyZ6XyOmDlsbjBNJL39y2JdDAS4uPXH1J-HJkO2XBTNGbciFxb369k4328SR_w-_lPkg2ZCF-7iCX0qmSq0E5CUUDYGnTM0qp9LYF9uLSTJAwu5jQGTOCLnov7J94xM-i_f8m7JtxtKKxeOjlwUw6trnk-OaysGzz9W9_RTQ/s320/1994%20-%20The%20Division%20Bell%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Take It Back, High Hopes </i>y <i>Keep Talking</i> fueron sencillos muy populares.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>The Division Bell</b></i> (<i>EMI</i>), publicado en marzo de 1994, encuentra a sus músicos en plenitud de facultades, tanto musicales como líricas, gracias a la decisiva inclusión de Richard Wright en esta atmosférica y contemplativa producción que recupera la esencia de Pink Floyd, eventualmente un no.1 en las listas de éxitos a nivel global.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Diez años más tarde ocurriría lo impensable cuando, en el marco del <i>Live 8</i> organizado por Bob Geldof, Roger Waters subió al escenario al lado de sus ex-compañeros de banda luego de un cuarto de siglo. Pero tras las muertes de Barrett y Wright ante el cáncer, un nuevo rumbo musical surgiría con grabaciones inéditas del anterior disco con <i>It's What We Do, Sum, Anisina, Talkin' Hawkin' </i>y <i>Nervana </i>entrelazándose</span><span style="text-align: left;"><span> como una única pieza instrumental de 55 minutos con secciones separadas</span></span><span>.</span></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-RbVxYD5c1nryB7Q0nZjalSX3d_zveltLW-1xsjS4V9Cik3KHrVrzeYD1dSuUlQwWCEyVzMs1sLvt3S-OVf0AB7bXwfMbSIwJZttHC_azKvy5-Eng95JxFoxnXk0t4aRh2t72RmG7AVKkVAFeGGf1jCKLkgSEG1KqSQfcPFS_tnGzhN5znZSrUUIaQw/s320/2014%20-%20The%20Endless%20River%2001.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Louder Than Words</i>, el sencillo del disco, es la única composición con letras.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>The Endless River </b></i>(<i>EMI</i>) fue editado en noviembre de 2014 como el epílogo de Pink Floyd a través de unas canciones cuyo carácter ambiental permite que el elepé fluya como un río interminable de buena música. Sin tener que probarle nada a nadie, se convirtió en uno de sus lanzamientos más anecdóticos.</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Pink Floyd trascendió como uno de los mejores grupos del <i>rock </i>por medio de una constante y sonante evolución en su trayectoria, desde que irrumpieron con la <i>psicodelia </i>hasta cimentar la música <i>progresiva </i>a través de las décadas. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/xgoNSNnfvZM" width="320" youtube-src-id="xgoNSNnfvZM"></iframe></div><p></p><p></p><p></p><p></p></div><div> <div style="text-align: justify;">
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</div>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-32227990274369629372023-01-21T19:59:00.002-04:002023-03-06T22:24:50.053-04:00JEFF BUCKLEY<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>La música tiene la cualidad de ser orgásmica, causando, a través de las canciones, una sensación tan parecida a la satisfacción sexual tan anhelada por el ser humano. Jeff Buckley era el artífice del orgasmo musical al despojar su alma desnuda con suma gracia.</span></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5h79lM3NYAqCTGTlR50t5EZwfmO9v_f66e5ixoTEep2YGBkI_CyawgJ7kt2h4QdOTvwbXdnmP9cDMfAfs3PefYUFke80ZETbnBhj304m1WgV0E2ZVlNRNpKgA5JWkGcrOsqm_RQZQSrI7UuhZUXrCbihCxTAGqf9fnIaJoMggnMrTTdpBpvEbjSUQrw/w640-h360/jeff_buckley_1080p_wallpaper_by_toemass202-d6xjo6a.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Jeff Buckley, nativo del signo Escorpio y de personalidad INFP al igual que su servidor, fue un artista de esos que no vemos a diario: Un individuo introvertido, sensible, romántico y con unas habilidades muy envidiables no sólo con la guitarra, sino con diversos instrumentos como lo fuese su propia voz, bajo la cual expresaba sus inquietudes más profundas en temáticas que exploraban el amor, la vida, el sexo y la muerte, llegando esta última ante él a la prematura edad de treinta años en 1997 (justamente el año en que yo nací).<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Nacido en Orange County, California (Estados Unidos) un 17 de noviembre de 1966 dentro del seno de una familia con inclinaciones musicales, su padre era nada más y nada menos que Tim Buckley, un cantautor de <i>folk </i>cuyo estatus de culto se consolidó producto de una temprana muerte a sus veintiocho años de edad en 1975 luego de una sobredosis de drogas, habiendo editado tan solo nueve discos y privando al pequeño Jeff de la oportunidad de realmente conocer a su ausente progenitor más allá de un fatídico único encuentro cuando tenía ocho años.</span></p><span style="font-size: large;"><div style="text-align: justify;"></div></span><blockquote><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><div style="text-align: justify;">«Me gustaba Led Zeppelin, The Who, Jimi Hendrix, Pink Floyd y todas esas cosas raras que los niños nunca conocerían, como Booker T. & the M.G.'s. Empecé a escuchar a Edith Piaf cuando tenía dieciséis años. Más tarde descubrí a Bad Brains y a Robert Johnson y los idolatraba… Existe un hilo común a través de todas esas cosas. Mi música tiene que ser la culminación de todo lo que he amado. Así es como aprendí mi alfabeto. Pero aprendí, probablemente en mi fase de Miles Davis, que para rendir tributo a las cosas que amas, debes convertirte en ti mismo» - Jeff Buckley reflexionando sobre sus influencias musicales.</div></span></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Afortunadamente, Buckley sí logró formar un vínculo sólido con su madre, y fue ella, junto con su padrastro, quien contribuyó en la formación musical de su hijo al presentarle a muchas de sus futuras influencias, como lo fueran los ya mencionados Led Zeppelin, Bob Dylan, Jimi Hendrix, The Smiths e, inevitablemente, Tim Buckley. Jeff resultaría, a raíz de esto, en un cantante de <i>soul </i>que incorporó su pasión por el <i>blues </i>en su estilo folclórico de hacer <i>rock </i>con un misticismo que iba más allá del mismísimo <i>rock 'n' roll</i>, solo comparable a Donovan, en mi opinión.</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1200" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6Qv8KdnOtOSr7ZpCqTdz2vy34TmIvYxgwlo9EQwhvicyegc5mD1FIjRytqnoP92pnPw_MFIAlGibxgc2ibwjme-ezAnoKiw6U6A1HSMqFFP5IPKZ3ziMPy3kRqlY2J6FC0RER2HqhLU9ryRGHOGmhRqaE18etqB9fW5UwsvtuSPs7beIKB95nZjpBYw/w400-h240/67UQP4W56ZCCNM5HJFESLRPH7E.jpg" width="400" /></div><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de un intento fallido (o una perdida de tiempo según él) aprendiendo teoría musical en el <i>Musicians Institute</i> de Hollywood y habiendo formado parte de malogrados grupos locales como guitarrista, Jeff se mudaría a la ciudad de Nueva York a finales de los años ochenta para abrir sus horizontes dentro del mundo de la música, tocando principalmente en bares y cafés como su habitual <i>Sin-é</i> (de donde se desprendería un EP en vivo más tarde). Fue en este periodo en el que Buckley grabaría sus primeros <i>demos </i>con la ayuda de quien fuese el mánager de su padre, buscando generar interés por parte de la industria musical, lo cual terminaría logrando tras rendirle tributo a Tim en un concierto en homenaje ya hacia el año de 1991.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Esta serie de eventos resultarían en la composición mayoritaria de lo que sería su único álbum lanzado en vida, contando con la producción de Andy Wallace, el colaborador Gary Lucas, orquestaciones y una banda de acompañamiento conformada por Michael Tighe, Mick Grøndahl y Matt Johnson. Bajo un repertorio de composiciones en sintonía con el <i>rock alternativo</i> popularizado en aquella época, temas como <i>Mojo Pin, Lilac Wine, Lover You Should've Come Over, Dream Brother </i>y <i>Forget Her</i> conforman un álbum irrepetible debido a su estilo tan etéreo, urgente y sobrecogedor.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifmly2CsweQSG8DvlgEiv1AJQoBl56P-vK6Dpl2rT5m-ZJh5x_Ie1-AKPjSR3DPrlgdEwkBoqQBQhAszm7e3BTGhAcobgdh0LipqXIyRP-67zfeOmHk2WOZ5-BiTUcPjLt2e37P-UMux-_oXp2bYHptE6jOk7Q-oQNikZ84IaewN13s87HpLin_inT6g/s320/front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">La canción homónima, <i>Last Goodbye, So Real, Eternal Life</i> y <i>Hallelujah </i>(original de Leonard Cohen) fueron los sencillos editados.</span></h3><p></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Grace </b></i>(<i>Columbia</i>) fue lanzado oficialmente en agosto de 1994, y a pesar de que en su momento no fuese un éxito de ventas inmediato, con el paso de los años ha sido justamente revalorizado como una de las grabaciones más importantes de la música <i>rock </i>y una obra maestra atemporal, siendo alabado por la crítica especializada y por gente de la talla de Robert Plant, Jimmy Page, Paul y Linda McCartney, entre otros.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Lo que sucedería posteriormente a la salida del elepé sería una serie de giras alrededor del mundo con fines promocionales extendida hasta un par de años, en las cuales Jeff y su banda se presentarían en recintos como el <i>CBGB's </i>(Nueva York), el <i>Bataclan </i>(París), el <i>Cabaret Metro</i> (Chicago) y el <i>Festival de Glastonbury</i> (Somerset). Pasados esos dos años, la presión producto del agotador ritmo de vida entre recitales empezaría a hacer mella en la agrupación, provocando la salida del baterista Matt Johnson y forzando a un descanso indefinido a partir de entonces.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">A lo largo de 1996, Jeff Buckley se mantendría alejado de los escenarios, un tiempo que sería aprovechado para componer un cúmulo de canciones que estaban destinadas a conformar un muy ansiado segundo álbum de estudio que contaría con la producción de Tom Verlaine (Television). Muy a pesar de que las grabaciones fuesen dignas de editarse en un LP, Buckley sintió una inconformidad continua con los resultados obtenidos y muchas dudas con respecto a su estilo, por lo que, ante el estrés, contactó a Andy Wallace para salvar el proyecto desde cero...</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="576" data-original-width="1024" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFrp0Qx-A9Gnvnbq9HyOr6l9Bf90ny8zvqEsm9xh0bPrpuXMN_hkn-guTcQndMRN_eQV_6RDsmbVnYG6DPCGPpj7m1xhHzYPc2eKdB3C6dLR6ulciqWa-TFDacB7Bcb_y4VOI5OqRSHoWLGiMS8Ry9cJayxQ2O_QNs4wWmAqzNy9WFlcg0dADvR4Ffwg/w400-h225/image-asset.jpeg" width="400" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Desgraciadamente, el 29 de mayo de 1997, justo una noche antes de comenzar las nuevas grabaciones, Jeff Buckley, recién mudado a una casa de escopeta en Memphis (Tennessee), había decidido ir a nadar junto a su <i>roadie </i>en el <i>Wolf River </i>en un arrebato de espontaneidad, entrando al agua totalmente vestido (botas incluidas) y con actitud juguetona mientras cantaba una de sus canciones favoritas de Led Zeppelin... Pocos minutos después, pasaría un bote lo suficientemente grande como para provocar una ola que hundiese el cuerpo de Buckley dentro del río, perdiéndose el rastro de él desde la orilla según su acompañante. Una semana más tarde -y tan impactante como si se tratase de un episodio de<i> La Ley y El Orden</i>- pasajeros del barco <i>American Queen</i> fueron testigos de como el cadáver en avanzado estado de descomposición de Jeff yacía inerte en la orilla tras haberse ahogado en el agua.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de su funeral, la madre de Jeff Buckley se haría cargo de preservar el legado de su muchacho intacto a partir de entonces, por lo que la publicación póstuma del que iba a ser su próximo álbum sería bajo su supervisión, cuyo material evidenciaba ya de por sí una evolución natural pero a la vez una búsqueda insaciable dentro de su sonido, intentando abarcar desde el <i>pop punk</i> hasta el s<i>oul music </i>en temas como <i>The Sky Is A Landfill, Nightmares By The Sea, Morning Theft, Vancouver </i>y <i>You & I.</i></span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLHqonPoJFPZOoa4BUUlPuS9a90Y32bx5-egCEVxd7tmUPQalXUxSWNUi97tkz766RjhwmMx9s1jT4z35bMHTCIy1nrm0buqH91T3h5XFuBN3iLdi1eApXX5qnaQWwaa0qI7HGu94EopWHaOkcyRKM4LIhO75k5KXHajy9vRhHfxfTzC24pMf5QJqkaA/s953/front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLHqonPoJFPZOoa4BUUlPuS9a90Y32bx5-egCEVxd7tmUPQalXUxSWNUi97tkz766RjhwmMx9s1jT4z35bMHTCIy1nrm0buqH91T3h5XFuBN3iLdi1eApXX5qnaQWwaa0qI7HGu94EopWHaOkcyRKM4LIhO75k5KXHajy9vRhHfxfTzC24pMf5QJqkaA/s320/front.jpg" width="320" /></a></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Everybody Here Wants You </i>fue el único sencillo desprendido.</span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Descrito como el manual para perdedores enamorados, <i><b>Sketches For My Sweetheart The Drunk</b></i> (<i>Columbia</i>) se publicó en mayo de 1998, un año tras la trágica muerte de Jeff, y, a pesar de las circunstancias que lo rodean, me parece un fiel testamento a lo que el artista hubiese aspirado a editar de no haber ocurrido esa desgracia que lo desamparó en el Mississippi y, sobretodo, un trabajo totalmente adelantado a su época. Tanto la prensa musical como sus más acérrimos fans recibieron este lanzamiento con los brazos abiertos, el cual sirvió como la muy necesaria clausura que necesitaba la familia de Buckley con respecto a su accidental fallecimiento.</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"></span></div><blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">«Hay un trasfondo en su música, hay algo que no puedes precisar. Como lo mejor de las películas, o lo mejor del arte, hay algo debajo y hay una verdad ahí. Y encuentro sus cosas absolutamente inquietantes. Simplemente... está debajo de mi piel» - Brad Pitt, declarado fanático de nuestro protagonista gracias a que su esposa en aquel entonces, mi admirada Jennifer Aniston, era portadora de un CD de <i>Grace</i>.</span></div></blockquote><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En su corta trayectoria, Jeff Buckley nos brindó, a través de su música, una gran satisfacción producto de la pasión desprendida en sus canciones, bajo las cuales se desnudó ante nosotros con el fin de producir algo parecido a un orgasmo musical en nuestros oídos. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/A3adFWKE9JE" width="320" youtube-src-id="A3adFWKE9JE"></iframe></div><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-54897021889540018602022-11-24T19:59:00.005-04:002022-12-23T18:37:58.575-04:00TAME IMPALA - LONERISM<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Los seres humanos nacimos para vivir en sociedad, ya que sin esta, la vida misma no tendría sentido... Pero la soledad, en cambio, es uno de los placeres más grandes que existen, y Kevin Parker se comunica, a través de su soledad, por medio de la música para conectar con sus fans.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="1280" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbrHpPYRxlRnG-TLoUxiQmz1_LmRyIErNojWHKkoif1Sy9m6nwOS32Cr7W55NrWFWHxvJWJSzWqXhqfv-YjjkVhktvHZ1PrRGz_YR6M_e1G0ctUz5fu7GGnrL9y2uFPb6TDbGxeYb1jG9kvIwcDpXFrPIgVpebgUOn-1FDwEu3f9e3C-_tDZbMxbAqtw/w640-h480/tumblr_mcbdylVBhY1rj8311o1_1280.jpg" width="640" /></div><div><div style="text-align: left;"><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tame Impala es un proyecto musical de Kevin Parker, individuo que reside en Perth (Australia), lugar donde parece apartarse de todo el mundo desde uno de los continentes más recónditos del planeta. Este hombre ya había dado de qué hablar con su primer álbum de estudio, <i><b>Innerspeaker </b></i>(<a href="https://rincondelroquero.blogspot.com/2020/05/tame-impala-innerspeaker.html" target="_blank">cuya reseña pueden leer haciendo click en este enlace</a>), lanzado en el año 2010 bajo el sello <i>Modular Recordings</i>, resultando un debut tan psicodélico como roquero que sirvió como preámbulo del álbum que nos ocupa en esta reseña.<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Como todo artista dado a respetarse, Parker no buscaba regirse ante el punto de partida establecido con su primer proyecto, su misión ahora consistía en elaborar melodías y letras que, como siempre, resultasen eufóricas y profundas, empleando instrumentos más dinámicos como sintetizadores, cajas de ritmo y <i>samplers </i>para encontrar el sentido más <i>pop </i>dentro de la psicodelia de Tame Impala.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="593" data-original-width="864" height="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf_NtIJ5BHL2JledJlvFyiIExwqtE2cGz1ll3aZRG9cocwr7LoqT86MLNDwN0WUKC4mJbB4K3tEg7K7V7w0KwD8S6rYQWZ6XoxgV8Ex9zGjp248Yd3JUXhdsMKXAJYxK7woeD1Hp2WMONK7xbpEIasvAhg6YHdX4KsydVoSsfvYdOOPJnrIDr4HMFS8Q/w400-h275/image-asset.png" width="400" /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">La temática del álbum te transporta a un viaje a través de la mente de un hombre introvertido como lo es Kevin Parker, quien nos comparte sus experiencias y batallas personales a través de las composiciones aquí presentes. Lo cierto es que tras las giras alrededor del mundo, Kevin no encontraba un sentido de pertenencia en ningún lado aparte de los escenarios, y ello lo motivó a grabar esta obra maestra en su propio estudio personal sin la ayuda de nadie más.</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><div><blockquote>«Los últimos años de gira y el intentar ser una persona sociable es algo que no está en mi sangre. Todas estas geniales fiestas me hacen darme cuenta de que soy un paria total. Realmente no puedo hablar con nadie sin sentirme estúpido. A veces solo quiero correr a casa y nunca salir de mi habitación» - Kevin Parker.</blockquote></div></span></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Al escuchar este álbum -y sobretodo esa frase- me es imposible no sentirme plenamente identificado, ya que uno debe afrontar su realidad personal a pesar de no encajar en ninguna parte e inevitablemente, al igual que Kevin, acabas por darte cuenta de que simplemente estar solo puede llegar a ser lo más parecido a una bendición. Parker reflexionaría al respecto de la siguiente manera:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></p><blockquote style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">«Este álbum es como alguien creciendo y dándose cuenta de que no está relacionado con el resto del mundo, tratando de descubrir cual es su lugar entre todos los demás, sintiéndose realmente confundido al respecto, para terminar aceptando que está en su sangre ser un vagabundo solitario».</span></div></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Y si hay algo que distingue a Tame Impala de cualquier otra banda, es que su líder es el encargado de producir, componer y tocar todo lo que nuestros oídos escuchan a lo largo de sus elepés... En pocas palabras, Parker es la mente maestra detrás de este viaje alucinógeno al que muy correctamente se le denomina música.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="418" data-original-width="624" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqh_nlfKGhsP3Q1mIi6hL5fX8wwdh1fg3CPX5RFROk6UEa8czrvO-BI4BWkMCVvIs6QOFIETJ9luWryDvICqEckFySDQs1XLZGYAFRTLIBmdtKtgn6hYr0ecuzRXXhFFXsAfFb2jcOIYqqfGq86s63Cmye9gY6i-9OyyS-uWLID924CCHqZYaygopnQg/w400-h268/cb54fa6b14d948a3bb0e373fef0b0e74.jpg" width="400" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Muy a pesar de las adversidades a las que tuvo que enfrentarse, Kevin Parker creó con este elepé algo parecido a lo que hicieron The Beatles en 1966 al aglutinar melodías pegadizas y lisérgicas con una ambición tanto musical como artística de manera sorprendentemente cohesiva. Gran parte de las canciones del disco contienen sonidos ambientales y demás experimentaciones grabadas con un dictáfono, ya sea desde personas entablando una conversación hasta los pasos de alguien caminando por la playa.</span></p><p style="text-align: left;"></p></div><div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">El arranque del álbum encuentra al narrador enfrentándose a sus ansiedades y miedos, para darse cuenta de que el mundo no tiene nada que ofrecerle al final del mismo... Y yo, cada vez más inmerso en mi propio aislamiento, a continuación, daré un repaso de este trabajo:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Be Avobe It</b></i>: En la apertura del álbum se oye paulatinamente una voz susurrando la frase que da título a la canción como una viva representación de la fragilidad emocional humana, hasta llegar Kevin Parker entonando dicho <i>mantra </i>en un falsete acompañado de sintetizadores y un trabajo de percusión que dota de urgencia a este tema.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Endors Toi</b></i>: Es el antítesis del tema anterior, como lo sugiere el título (el cual traduce a quedarse dormido en francés) este nos transporta, a través de un sonido más sideral, a un estado de relajación total, gracias a un trabajo melódico muy lisérgico y una lírica, por supuesto, ensoñadora.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Apocalypse Dreams</b></i>: En el que sea probablemente el tema más hipnótico del elepé, los sintetizadores se apoderan de nuestros oídos para deleitarnos con un ritmo más marcado pero manteniendo la ensoñación a todo nivel. A su vez, la lírica nos indica que esos momentos de cambios que tanto odiamos en nuestras vidas han llegado, por lo que nosotros, como seres humanos, no podemos hacer nada para evitarlo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Mind Mischief</b></i>: Por medio de un <i>riff </i>de guitarra con altos tonos roqueros y una pegadiza melodía <i>pop</i>, el tema central en esta composición es un amor que al final no le correspondió al narrador, aquel en el cual, nosotros los hombres, nos ilusionamos ante las señales de interés por parte de una enigmática mujer, por quien, desgraciadamente, terminamos desilusionados e inevitablemente arruinados tras haber malinterpretado sus muy dudosas señales.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Music To Walk Home By</b></i>: Otro tema con mayor densidad y recargado de efectos psicodélicos que lo convierten en una de las composiciones más frenéticas y épicas del elepé. La letra, por otra parte, sigue explorando la concepción errónea del amor abordada con anterioridad, pero bajo una introspección mucho más grande, como si de un letargo sentimental se tratase.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Why Won't They Talk To Me?</b></i>: Detrás de un título autoexplicativo, se esconde un tema muy lisérgico pero con una ejecución <i>pop </i>mucho más acertada, donde Parker realiza un canto de desesperación ante su inconformidad con el mundo que le rodea y en el cual se siente totalmente alienado como ser humano, preguntándose qué lo arrastró hasta ese calamitoso estado en primer lugar.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Feels Like We Only Go Backwards</b></i>: Con esta melodía tan llena de melancolía y a la vez de pegadiza, Kevin Parker intenta, a través de la letra, relatar el intento fallido de rescatar una relación destinada al fracaso, donde se evidencian muchos pasos en falso pero también mucha aceptación por parte del narrador en torno a su situación amorosa.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><i><b>Keep On Lying</b></i>: El corte más repetitivo del disco y quizá una de las canciones de mayor experimentación en cuanto a su compleja musicalización expandida a partir de la segunda mitad.</span> Aquí se relata como una relación amorosa puede verse desdibujada a través de una red de mentiras por parte de las personas involucradas, cuestionándose incluso si llegó a realmente haber amor verdadero en dicha relación.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Elephant</b></i>: A base de un potente <i>riff </i>lleno de <i>fuzz</i>, el tema más directo del álbum da comienzo, cuya base rítmica sirve como un <i>tour-de-force </i>de <i>rock psicodélico</i> con tintes de <i>blues </i>bajo el cual Parker narra su despreció hacia un personaje, al parecer, muy despreciable y egocéntrico, con características parecidas a las de un elefante.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>She Just Won't Believe Me</b></i>: Un tema de transición de apenas un minuto en el cual Kevin recita el título en cuestión repetidas veces junto a una base de órgano que lo acompaña hasta su abrupto final.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Nothing That Has Happened So Far Has Been Anything We Could Control</b></i>: Otro corte alucinante con un sonido plagado de psicodelia y sintetizadores con ondas progresivas. La letra resulta una mirada retrospectiva en cuanto a las decisiones que tomamos en torno al amor y como estas pueden llegar (o no) a afectarnos a largo plazo, cuando realmente no tenemos absoluto control sobre ellas.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Sun's Coming Up</b></i>: Y para finalizar, estamos ante un tema basado en un sombrío piano y la voz de Kevin Parker entonando una melodía muy deudora del<i> pop barroco</i>. Líricamente, el narrador nos relata una serie de infortunios que han ocurrido recientemente en su vida, como la muerte de su progenitor o el culmino de una relación amorosa, abrazando cada vez más su propia soledad... Ya para la mitad del mismo, se produce una <i>coda </i>instrumental en la cual se escuchan sonidos ambientales, donde el viento y un sutil efecto de guitarra capturan una atmósfera lo suficientemente hipnótica y acertada.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhKbL0Uir3YuJLBW2iHh-wLbpyttPyoxSEEFJE8_mJk7gieocAmH32j06qnCqooAq70kNXkCtyrXXrAq0MrUMu1ki5eEDvi3pxXV_RZt8SQB6eyiyNpUOVp1F-W-bXqiP78y8eiLQBc2DW-am2VxXi0BVoXyMPO-weYOSgPglp_PYAs-uJh5VGBy9D5g/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Apocalypse Dreams, Elephant, Feels Like We Only Go Backwards </i>y <i>Mind Mischief </i>fueron los sencillos lanzados.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Lonerism </b></i>(<i>Modular</i>) fue publicado en octubre de 2012, y desde aquel entonces, es considerado como un clásico de la música <i>pop </i>actual, un álbum que perdurará como uno de los mejores de la década pasada, recibiendo una acogida más que favorable por parte de la prensa musical y una nominación a los premios <i>Grammy </i>dentro de la categoría de mejor álbum alternativo.</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Muy a pesar de que nuestra vida se nutra de interacciones con la sociedad, discos como <i>Lonerism </i>demuestran lo beneficiosa que puede llegar a ser la soledad para dar rienda suelta a nuestra creatividad, y de dicha forma, crear música con la que podamos conectar. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/-o2GZ44Q3ZM" width="320" youtube-src-id="-o2GZ44Q3ZM"></iframe></div><p></p></div></div>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-80617403318159854522022-09-21T08:00:00.002-04:002022-12-21T18:58:46.725-04:00LIAM GALLAGHER<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Liam Gallagher, a lo largo y ancho de sus treinta años de carrera musical, se ha dado a conocer como uno de los <i>frontman </i>más carismáticos, icónicos y legendarios, representando al <i>rock británico</i> como una figura digna de ser recordado.</span></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1365" data-original-width="2362" height="370" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5hYZEmvmlxElzsPH1VvXqexDvAGgSTs_3dtG3yBScoGjo7T8am0BZ7UN-e1xOkIlRix1vY71qkVA4fhP0NdfhuF98RZlTOU08c1AyAI96jdJS_UzTdpOsmjCkZvSLICJmW8E4KcT-k7KRzBRd_Bec51Qu82O3OR_df51_scmDRCfI50LtSh_kj8IxrQ/w640-h370/liam-gallagher-press-shot.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Liam Gallagher siempre quedará dentro de nuestro imaginario como aquel cantante enigmático que lideró la banda de <i>rock </i>Oasis junto a su hermano mayor, es decir, Noel Gallagher... Sin embargo, luego de una trayectoria de casi veinte años en los que se lanzaron algunos de los discos más venerados dentro del panorama mundial, la agrupación se separa abruptamente y esto lleva al menor de los hermanos a formar la malograda agrupación Beady Eye y, luego de un hiato de cuatro años, a emprender una mucho más exitosa carrera en solitario.<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Dicho camino como solista dio comienzo para el año 2016, una vez Liam, finalmente confiado en sus habilidades como cantautor, se encerrase en el estudio de grabación con productores como Dan Grech-Marguerat, Andrew Wyatt y Greg Kurstin, quienes sirvieron a su vez de colaboradores para sacar a relucir composiciones tan autoreferenciales e inmediatas como lo son <i>Bold, When I'm In Need, You Better Run, I Get By </i>y <i>Universal Gleam.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="800" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7NoUj7CekcR6DGY0zlX-mbml694-29Mql6ZlHK4mQ--fFVnDqgR6v3dFdVbwVBVkt1Ro7eUnraD2OdPbjalU2u2deqImOllG0EPwcMh7tb_l5rjHomPyWd4AGN2uPoqNfWUsBpZPJVMKC0rYCojs7AexQBhTO63wD2DAhWJ5ptPMp3o8ybxJUDXFzQA/s320/Capa.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Wall Of Glass, Chinatown, For What It's Worth </i>y <i>Come Back To Me</i> se lanzaron como sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>As You Were </b></i>(<i>Warner Music</i>), publicado con gran expectativa en octubre de 2017, fue el regreso de Liam Gallagher por la puerta grande, de la mano de un repertorio de canciones con clara devoción hacia el <i>rock inglés</i> de corte clásico, pero siendo fiel a su innegable sensibilidad musical. El elepé eventualmente se ganaría el beneplácito de los fans y debutaría directo dentro del no.1 de las listas de éxitos en Reino Unido. Todos estos eventos serían registrados en el documental <i>As It Was</i> (2019), en el cual atestiguamos el renacer de uno de los cantantes más importantes del <i>rock británico</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Lo que vendría posteriormente sería una de las giras más aclamadas de todas, auspiciada por el muy ansiado regreso de Liam Gallagher a los escenarios, comenzando aquel verano desde el <i>Festival de Glastonbury</i> hasta el <i>Hull City Hall</i> donde se registraría una de las ediciones más aclamadas del <i>MTV Unplugged</i> dos años más tarde... Y en medio de todo esto, alcanzó el tiempo suficiente como para trabajar en el siguiente proyecto, el cual presentaría temas mucho más bombásticos para la ocasión, como <i>Halo, Why Me Why Not, Be Still, Alright Now </i>y <i>Meadow.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQ6YJPK1AlCS4pUIUF3IWMZ4F2yjQolynoY55J7LwwDUl3hAyXvQoyQXOCTCH4-vr0K532aIEg6OPeYl9BsfeCGB7taOJFgNOK5_dUlbiBWeF_ZGI203Ah4pwA0QDW9NRX2b-T4GvnwUgov0bN3bqt8hsMptG1fPQ31WEXleNnh0Mq-Zt8HlHZzhCgzg/s320/Front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Shockwave, The River, Once</i> y<i> One Of Us </i>fueron editados como sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Why Me? Why Not. </b></i>(<i>Warner Music</i>) fue lanzado con mayor entusiasmo en septiembre de 2019, llevando, gracias a la producción de Greg Kurstin, el éxito recientemente cosechado al siguiente nivel, tanto musical como líricamente, a través de canciones muy variadas que conforman un trabajo mucho más expansivo. Nuevamente, el elepé sería alabado por la crítica y volvería a debutar dentro del primer lugar de las listas.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tras la eventual gira mundial en representación del álbum, azotó la pandemia del <i>COVID-19</i> y al igual que muchos de nosotros, Liam tuvo que encerrarse en casa durante la cuarentena y cancelar muchos de los recitales que tenía programados para gran parte del año. Sin embargo, todo ese tiempo enclaustrado no fue en vano, el cual fue aprovechado para sacar sencillos como <i><b>All You're Dreaming Of</b></i> y dando lugar a un legendario concierto atravesando el Río Támesis en un bote... Por otra parte, un cúmulo de nuevas composiciones que conformarían su ansiado tercer álbum, como por nombrar <i>More Power, Too Good For Giving Up, It Was Not Meant To Be, World's In Need </i>y<i> Moscow Rules</i>, serían elaboradas en medio de estos eventos.</span></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCWSGeA3fWeUaTiv6JIKRjfYLuOue8BZmOaGIfYHKJJQjauA2-tJ4bJpkO8gyNgh0R5hyCKaEYmjjcCDNtK8XzGo-Y5G781TWVp1_1WoO0P3z9JwGdWijJzPeiXghWp5G2xBA0LFui4ILtcdLFptt2kvQHn53If6eg_UB7y3AsWv_ftg9YrQXBXHJhjg/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Everything's Electric</i>, el tema homónimo, <i>Better Days </i>y <i>Diamond In The Dark </i>fueron publicados como sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>C'mon You Know </b></i>(<i>Warner Music</i>), editado en mayo de 2022, nos presenta un compendio de canciones más reflexivas, con una renovada energía y sintonías en donde el menor de los Gallagher, con la ayuda del productor Andrew Wyatt, no teme por experimentar con su sonido y probar suerte con estilos más cercanos a la música <i>pop</i>, donde la introspección de las letras cobra un muy merecido y a la vez necesario protagonismo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Actualmente Liam se encuentra promocionando su nuevo álbum de estudio, cuyo éxito lo ha llevado a realizar un par de conciertos multitudinarios en el <i>Festival de Knebworth</i>, recinto donde, junto a su hermano Noel, tocó ante 250.000 espectadores durante dos noches consecutivas en aquel verano de 1996.</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de tres décadas, Liam Gallagher sigue valiéndose como uno de los <i>frontman </i>más venerados, aclamados y admirados del<i> rock británico</i>, cuyo legado será recordado gracias a su estatus ya de por sí legendario. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/QIARarfRpWo" width="320" youtube-src-id="QIARarfRpWo"></iframe></div><p></p><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-66344587566076747922022-07-14T09:00:00.001-04:002022-07-14T09:02:48.250-04:00THE VINES <p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">The Vines, liderados por Craig Nicholls, siempre serán recordados como una de las bandas que resucitaron al <i>rock 'n' roll</i> a principios de la década del 2000 con su propuesta garajera y un repertorio de canciones alucinantes que nos impactaron a todos.</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="384" data-original-width="623" height="394" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis024k8sh-mndLqxcTz9dJwbDlGXYh5U6lA3dI5cub1xYa36EGUpllSPTLX29EfwrlanIbkBs74Ahc5Av-qiHFAXWytd0HS_D6AB7tiQJV1Jr3mLVCmFZ-rXM3memqwGJTVjPTQwL7w01ni6oh1VaXOrt1TZmHO-2EZ9rOaqdk45VWttLX9KkPp2sY1Q/w640-h394/20220701_174800.jpg" width="640" /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Craig Robert Nicholls (cantautor y multi-instrumentista) desde muy jovencito fue un arduo fanático de la buena música, tomando nota de la psicodélia de The Beatles, la estridencia de Nirvana, la esencia de Oasis y la innegable influencia de Supergrass para formar, junto a Patrick Matthews (bajo) y David Olliffe (batería), la banda de <i>rock </i>australiana The Vines, catalogados por la aclamada revista <i>Rolling Stone </i>como «Salvadores del Rock».<span></span></span></p><a name='more'></a><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span></span></span><p></p><p style="text-align: left;"></p><a name="more"></a><p></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="font-size: large;">Después de firmar con una casa discográfica de tal renombre como lo fue <i>Capitol Records</i>, es que empezaron las grabaciones de su álbum debut para mediados del año 2001 junto al productor </span><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;">Rob Schnapf, quien construyó una producción muy deudora del sonido en directo de la agrupación que se puede escuchar en composiciones como <i>Autumn Shade, Country Yard, In The Jungle, Mary Jane</i> y <i>1969.</i></span></span></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="597" data-original-width="599" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlWLavn0IvaPRQo_IrOZkjA2Z_AoGl98EMNfJAPJ9t7Q8iLJpg9Q3eJj_L8Qf1i9SY89O7ZSv1w4lmY34En1yJWfnQXZkGOup-bpDWvXABw9_VZhpIOEG6vaFsUy0yCUIOnwch4tiyT78iaJeUgnejzAXdGmgT94aG_IZJqLGH9vf_6FUB-yMgeNFL8Q/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">La canción titular, <i>Get Free, Outtathaway, Homesick</i> y <i>Factory </i>fueron editadas como sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Highly Evolved </b></i>(<i>Capitol</i>), lanzado con gran entusiasmo en julio de 2002, es un trabajo que oscila entre la <i>balada rock</i> y el poderío del <i>grunge</i>, conjugando así melodías muy pegadizas pero, a la vez, otras más expansivas. De dicha forma, el elepé le valió a Nicholls y compañía una consagración definitiva dentro del panorama musical con un éxito, tanto comercial como de crítica, a escala global.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Después de la subsecuente gira de promoción, The Vines comenzó en 2003 la grabación del muy ansiado sucesor de <i>Highly Evolved</i>. Ahora, con mayor tiempo de grabación en el estudio junto al anterior productor y la adición tanto de Ryan Griffiths (guitarrista) como de Hamish Rosser (baterista), la exploración sonora continúa en canciones como <i>Animal Machine, TV Pro, Autumn Shade II, Evil Town</i> y <i>Amnesia.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="593" data-original-width="600" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQz1VEFkLdw8XOU7k3WI-rFDgoYd6-z0Kg7eTidGJKuzHk9kQdo5WgbnSQKeZ5587RwxNXV0UuQqb7h_jEoO1ETAOmyGoUHXpCxh1xGOvsWy045nVSJR3b8T3dZJ6UOeJX-4g9kQHsfvBOg45iKbKJ8aBmyLrjxQW_FWGQtaJeMK1oVECGo0nq7cYBtw/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Fuck The World, Ride</i> y el tema homónimo fueron lanzados como sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Winning Days </b></i>(<i>Capitol</i>), publicado en marzo del año 2004, es un trabajo que hace eco de una evolución natural en la impronta de The Vines, sin dormirse en sus laureles bajo un compendio de sonidos lisérgicos, pegadizos, intensos, pero mucho más reflexivos. Muy a pesar de las buenas intenciones, el elepé fue recibido tibiamente por una prensa musical que exigía muchísimo más de ellos.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de diversas polémicas, Craig Nicholls es tardíamente diagnosticado con Síndrome de Asperger a sus 27 años de edad, producto de un altercado con una fotógrafa que lo llevó a tribunales, y a partir de esto, Matthews abandona la agrupación para enfocarse en otros proyectos, siendo reemplazado por Brad Heald. A partir de estos hechos, con la asistencia de Wayne Connolly, el grupo más adelante gestaría un repertorio de composiciones mucho más oscuras e inmediatas, como por nombrar <i>Nothin's Comin', Candy Daze, Take Me Back, Going Gone</i> y <i>Spaceship.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="595" data-original-width="600" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi373lz0pLccys-bJ5WvxtBtiGHx0Cy77FB6m0SVMBlqRJyULIMsJqomtkp3x8yAi3cRD1ZrTJCfBzuPgbCuWrzySfB9vCzL-pH7dYaA4Gs9jhNrA8csz6kDkkt4ZU1bUfGKsLW0p3jubPjYdj43tJ3_uKKHJ485papIeE6LsfndcJoazLxURWDrZqhrw/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Gross Out, Don't Listen To The Radio, Anysound, Dope Train</i> y la titular composición fueron publicadas como sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Vision Valley</b></i> (<i>Capitol</i>), editado en abril de 2006 como el tercer álbum de estudio de The Vines, nuevamente es participe de un progreso orgánico en el sonido de la banda, solo que esta vez bajo una ejecución más madura y artesanal, tanto en el plano musical como en el lírico. Todo esto lo convierte en, bajo mi humilde opinión, su mejor disco y sin duda uno de mis favoritos.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="font-size: large;">En 2007 Nicholls y co. firmaron con <i>Ivy League Records</i> para un contrato discográfico independiente y así, poder elaborar su siguiente trabajo, el cual fue grabado en tiempo récord con el productor </span><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;">Rob Schnapf... Bajo un compendio de melodías más variadas y dinámicas, canciones como <i>Manger, A.S. III, Orange Amber, True As The Night</i> y<i> She Is Gone </i>ofrecen nuevas variantes sónicas para la banda.</span></span></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHc5sPKzngdl7IF7DVyK3QlWDQRcJVOAlFbx98Amfgu6E31IOgg8M-CohtVOgIJPA9wXb3UcB9bgKkPR9hZq4HrHU2qyydOCEmlUBjQD2IwZdwP_Nt6EBt3hPaTtrDSwC7BMT7AoxUl8_773A7Gltd_jIW7DG8yAyvuTXZGn8M3LTo3qyXGHRGk5GeOQ/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>He's A Rocker, MerryGoRound </i>y <i>Get Out</i> fueron los sencillos promocionales.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Melodia </b></i>(<i>Ivy League</i>), lanzado en julio de 2008, encuentra a The Vines conectando con las bases que fundamentaron el éxito de su primer álbum, ello gracias a unos temas de mayor sencillez para ser ejecutados en el directo. Producto de su recortado lanzamiento, el disco fue recibido de manera tibia por parte de la crítica especializada.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Tras una gira mundial abruptamente cancelada, The Vines regresaría a la escena musical con una propuesta bastante diferente en su esencia, combinando el <i>rock psicodélico </i>de los años sesenta con su estilo tan representativo de <i>rock alternativo. </i>Contando con el productor <span style="text-align: left;">Christopher Colonna</span></span><span>, se percibe en este disco una mayor experimentación con su sonido en canciones como <i>Candy Flippin' Girl, A.S.4, Weird Animals, Black Dragon</i> y<i> All That You Do.</i></span></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="573" data-original-width="578" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVBfBtNkF_B83UCGzURvVMYq2PC5xbJh9NVZXZPeSmZcwoDMhCt1kxkusnj2qVgwJLHwfNpThugDYqRid8Vy1dofqGy3FvGeYZwkr189LyntY1DeI3zOXX0W-xn0oA-oOyKbV8osDqs51z-9GTQyA1razMaUlDO31vJE2Zgz96S_GylMCrTu5Xhf6yIg/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Gimme Love </i>y la canción titular fueron los únicos sencillos desprendidos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Future Primitive</b></i> (<i>Sony</i>), finalmente editado en junio de 2011, es un disco mucho más sideral, tanto en lo musical como lírico, en el que encontramos a Nicholls convirtiendo sus penurias en música a través de ritmos tan melancólicos como estratosféricos.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="font-size: large;">Después de un descanso de los recitales y con cambios de formación en el seno de la banda, Craig, ahora con Tim John como bajista y Lachlan West como baterista, prepara veintidós novedosas canciones repartidas en un álbum doble, cuya primera mitad fue producida por </span><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;">Paul McKercher y la segunda por </span></span><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;">Lachlan Mitchell bajo su supervisión, dentro de las cuales destacamos <i>Ladybug, Killin' The Planet, Into The Fire, Slightly Alien, Everything Else </i>y <i>Funny Thing.</i></span></span></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="584" data-original-width="593" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNGnTysEemlNnRQNRP90yyncpXMS32EpvlXYwAobtQVLzyQG8PycK8R87g0S9yyvhFjko8IK5hIy4TjKkMthv1TNzFRp1ST9R69STAVLZSax5whZ7rfJ8eOGpjIiyTLWr3nddcptbrkRfoSsv0STsoAMHQzhwzi3QQN_GWllt_BYaW0GlXdIzEJgFMcg/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Metal Zone </i>y<i> Out The Loop </i>fueron los sencillos representativos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Wicked Nature </b></i>(<i>Wicked Nature Music</i>), publicado decisivamente en septiembre de 2014, es la obra más arriesgada de la banda comandada por Craig Nicholls, conjugando un regreso a sus raíces pero a la par, expandiendo sus horizontes tanto musicales como líricos por medio de un repertorio variopinto y por supuesto, excelso.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En 2016, luego de una exitosa gira por suelo australiano, The Vines volvieron al estudio de grabación para elaborar el sucesor del trabajo previamente comentado, que vendría siendo su séptimo (y hasta ahora más reciente) álbum de estudio. Manteniendo las bases asentadas en su antecesor, Nicholls toma las riendas como productor para darle mayor cohesión a composiciones como <i>Hate The Sound, Broken Heart, Sky Gazer, Annie Jane </i>y <i>Gone Wonder.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="1024" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrcxq_bjcpmQF6aPlATK76PwTVom4drG1yRtpWOmcqqzfZ6A4SL0PTeG3qeeR4kAoXrGZJ4njMs5Hav7xaEB6xFrQQEOpBB0PsQw0UGPCoZuoOkUnnV1_b4PHIQ5wA9BZs1P_ev-hOtvx-wr8GhucuGJJyRtZ0stQndOnVdj4eyEuaxxFneAXS4JdTYQ/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">La canción homónima fue el único sencillo extraído.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>In Miracle Land </b></i>(<i>Wicked Nature Music</i>), lanzado con retraso para junio del año 2018, es el más reciente testimonio artístico de Nicholls y compañía, quienes sacan a relucir algunas de sus canciones más equilibradas dentro de un elepé que se podría catalogar como una obra maestra dentro de su discografía.</span><br /></span></p><span style="text-align: justify;"><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">The Vines nunca serán olvidados dentro de la historia de la música <i>rock</i>, ya que, gracias a su líder Craig Nicholls, le otorgaron un aire renovado a la escena musical hace ya veinte años, causando, en consecuencia, un enorme impacto. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p></span><p></p><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/asOvnGHwtDU" width="320" youtube-src-id="asOvnGHwtDU"></iframe></span></div><p></p> Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-44173860817860206902022-05-28T12:00:00.003-04:002022-12-21T18:59:41.857-04:00MORRISSEY<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Steven Patrick Morrissey, para bien o para mal, ha sido una figura clave dentro del <i>rock británico</i> durante los últimos 40 años. Todos llevamos un Morrissey dentro de nosotros, un individuo tímido, sensible y abierto que hace voz de nuestra fealdad como seres humanos a través de la música.</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1079" data-original-width="1920" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_EYVVBWPmTn1FJhVbNbvyysmgqcoO-mZL5-9QuNWot98-9BvNFD9mnEOY1rxTsSjJxOy9sOUXRM0yAMGZxBj4F9Rm_cO8rxzBDMwixoTnQNDvby5d7nV-KFWjz-PGE4sTqnWxiwFcdro9172cyLGYbX9JYF9cppolsjU_qScyseBh4mNlrzW8o2YPKg/w640-h360/morrissey-SF-6.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Morrissey se ha ganado un lugar muy merecido dentro del espectro británico del <i>rock 'n' roll</i> gracias a haber formado parte de una de las agrupaciones más influyentes de su generación con The Smiths (<a href="http://rincondelroquero.blogspot.com/2022/02/el-sonido-de-smiths.html" target="_blank">cuya reseña pueden leer haciendo click aquí</a>). Poco después de su efímero pero decisivo ejercicio como cantautor de la banda durante sus cinco años de trayectoria, Steven emprende una carrera solista que da origen al <i>Britpop</i>, la cual ha calado en el corazón de muchos melómanos -como su servidor- a partir de entonces.</span></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: left;"></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Para el otoño de 1987, The Smiths estaban muertos y <i>Moz </i>no tardó en resucitar, contando con el productor Stephen Street para otorgar vida a un conjunto de canciones emocionales en la vena de su anterior formación, como <i>Bengali In Platforms, Late Night Maudlin Street, Break Up The Family, I Don't Mind If You Forget Me </i>y <i>Margaret On The Guillotine.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="497" data-original-width="500" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5u1Qxff6xTEPQiWL_-eHSldof-gC5XPrZQmWGc1RHn-LSVCwJwzQWLQFigVPobv8p4euj63YsuNh2Xg5ysmyC5akMyLFqMahWvMaeV3UYWORjPF2n-NdkY3ZJzY9yArf0z9IXp51s1gESG1jlr1fGneI_fSYMs6hEtBvHwK2ZkEyWcM-uSrHI_tObyQ/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Suedehead, Hairdresser On Fire</i> y <i>Everyday Is Like Sunday </i>fueron lanzados como sencillos.</span></h3><span><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Viva Hate </b></i>(<i>EMI</i>), fue editado en marzo de 1988, continuando lo que The Smiths no terminaron en su momento, con letras poéticas acompañadas por melodías ricas en matices que no defraudarían ni al fanático más dolido por la ruptura. Un trabajo muy arriesgado y revelador, como si de las páginas de un diario escrito por un adolescente se tratase.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de un recital triunfante en Wolverhampton (Reino Unido), Morrissey opta por separar caminos con Street para colaborar con Clive Langer y Alan Winstanley en temas que servían como una evolución natural en su sonido, como <i>Will Never Marry, Such A Little Thing Makes Such A Big Difference, He Knows I'd Love To See Him, Lucky Lisp</i> y <i>Disappointed.</i></span></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1400" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqiYQxkxQpi9nKalv3y4eTfMlgSGdc_tR0qOJWd9ALLzR6TJza6RZ8MPSqIUCfOX4kjwrgwXuigskYh8J0blHdQWtyRz14NLM8dXeebDEAdRnF0_rzuo7tKwqhWmxknn8ez7u_pNsJ4nyWsktpJqS4ASHMjmqkG3VHL0m8TksttLiZHlsE7Z6XsfTpQg/s320/front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Piccadilly Palare, Interesting Drug, The Last Of The Famous International Playboys, Ouija Board Ouija Board</i> y <i>November Spawned A Monster</i> fueron los sencillos promocionales.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Bona Drag </b></i>(<i>EMI</i>) fue lanzado en octubre de 1990 como un compilatorio que reunía rarezas a la par de sencillos, exhibiendo un estilo mucho más esplendoroso pero familiar, junto con una lírica de mayor comentario social. Otro éxito comercial y de crítica que contó con la base rítmica de The Smiths: Andy Rourke y Mike Joyce.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Dentro de lo que se conoce en el mundo de la música como una etapa de transición, es que <i>Moz </i>se alía con Mark E. Nevin para dar forma a su segundo álbum de estudio, el cual fue elaborado a partir de composiciones en sintonía con el <i>pop barroco</i>, como por destacar <i>Mute Witness, King Leer, Found Found Found, Driving Your Girlfriend Home </i>y <i>Tony The Pony.</i></span></p></span><p><span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span><img border="0" data-original-height="488" data-original-width="500" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMbz8FPnFU6lD0fF88cGkyjMzNjVM6q1-r-QVCJVPRFbnb5MQQY9-orp2OqUDh4b41CKRpRJZO7SvltlwzlMgGewoUBW8sBcFxSfnHlUvl-_VJ0c1FssKoCacVLFpcbJCabHuQAZBmFOn8v-EfUqwaty6h3ne_vVYEiOFr_V1Z9Vf7fx_Yzb54YfIIcw/s320/cover.jpg" width="320" /></span></div><h3 style="text-align: center;"><span><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Our Frank, My Love Life, Pregnant For The Last Time </i>y <i>Sing Your Life</i> fueron sencillos menos impactantes.</span></span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Kill Uncle</b></i> (<i>EMI</i>), publicado finalmente en marzo de 1991, supuso un experimento fallido de nuestro protagonista, quien se había visto envuelto en una tóxica relación con la prensa británica y plasmó en este LP gran parte de su descontento a partir de una lírica esotérica que se compaginaba con melodías enigmáticas.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Un encuentro fortuito con David Bowie en medio de la consecuente gira mundial marcó un punto de inflexión para la carrera de <i>Mozzer </i>cuando este le proporcionó el contacto de Mick Ronson, quien fuese guitarrista para <i>Ziggy Stardust</i>... Ahora, al lado de músicos experimentados en el <i>rockabilly</i>, el tándem Morrissey/Ronson une fuerzas para ensamblar piezas como <i>You're Gonna Need Someone On Your Side, We'll Let You Know, The National Front Disco, Seasick Yet Still Docked</i> y <i>I Know It's Gonna Happen Someday.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_U6PtFE2oxypvXeCZjB6pA319IopZv2_5He5vfdI3w2HhlRVIihs3SBa2BKf8js86pY92unnNYUJDNd_kjOJHyYSMn9biypAjIA-pXJqirV-Mg_5Peb_n0XDadpxuEMMTZsDxN-yOdX-Dz_CaXhqgmdCJK76k-D_mjRhP-oKIdhalhkbhzbCR9IgAMg/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>We Hate It When Our Friends Become Successful, You're The One For Me Fatty, Tomorrow, Certain People I Know</i> y <i>Glamorous Glue </i>fueron sencillos más populares.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><b><i>Your Arsenal</i></b> (<i>EMI</i>), editado en julio de 1992, fue la consolidación definitiva de Morrissey, ahora inyectado con mayor musculatura dentro de un repertorio con enfoque hacia el <i>glam rock</i>, cortesía de Ronson poco antes de sucumbir ante el cáncer. El álbum, toda una declaración de principios a nivel lírico, es catalogado como su trabajo más logrado, valiéndole una nominación a los premios <i>Grammy</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Poco después de otra exitosa gira, registrada en <i><b>Beethoven Was Deaf</b></i> (<i>EMI</i>, 1993), <i>Mozza </i>se encierra en el estudio de grabación con Steve Lilywhite para dar sentido a un disco con mayor sensibilidad melódica y unas letras cada vez más solemnes.<i> Spring-Heeled Jim, Why Don't You Find Out For Yourself, I Am Hated For Loving, Lifeguard Sleeping Girl Drowning </i>y <i>Speedway </i>conforman una colección impecable.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="495" data-original-width="500" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcPoNejVYsCmvHXuZNHe97ns2n4dVqgBglaOa3MTszut5VkykrAv-iikrrU2xMcjRoYvBxJuSQqQs0CrAlseQt6BULBLjdU3A9EkXdEOV_rxpLvkiOpQZvf_C7udAFH2HIqKc0jzXn8D-nmbYZQzRnEf1KLnLmlRie0Yxs9n_2jQGX2Vk8z59T_jMixw/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>The More You Ignore Me The Closer I Get, Hold On To Your Friends </i>y <i>Now My Heart Is Full </i>fueron sencillos muy comerciales.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><b><i>Vauxhall And I </i></b>(<i>EMI</i>), lanzado para marzo de 1994, es el trabajo más exquisito del canon de estudio al conformarse a partir de composiciones ambiciosas, maduras, pero introspectivas, cuyas melodías remiten a The Smiths. Este LP asentó la fama de Morrissey en los Estados Unidos y a su vez, le valió gran reconocimiento en su tierra natal.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Apenas hubo culminado sus labores en el escenario durante aquel año, <i>Moz </i>comenzaría a frecuentar en sus ratos libres el <i>York Hall</i> junto al fotógrafo y amigo Jake Walters, cuya relación serviría como inspiración para futuras composiciones... De tal forma, nuevamente supervisado por Lilywhite, se gestarían temas con tintes épicos como <i>The Teachers Are Afraid Of The Pupils, Reader Meet Author, The Operation, Best Friend On The Payroll</i> y <i>Southpaw.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="589" data-original-width="600" height="314" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsBOLM2jam78VBaS6UKp1tpwTSumFDd-ZSHpsvwU43eQeIjNDcaOwtAIc8BVCZjL4Vhv65CITwK6HFgxjbdAil0ypO29ATrd-MiY9if-7StRqOM5bJqPebRYT17o_XzSchVRLnQP24OtwVtVPxRrpjGoQme_WCIxd_Xpu_fpAaEGGo4g-POsO-Ge8fMg/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Boxers, The Boy Racer, Dagenham Dave</i> y <i>Sunny </i>fueron los sencillos editados.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Southpaw Grammar </b></i>(<i>RCA</i>), publicado en agosto de 1995, es considerado como el trabajo más desafiante del mancuniano, establecido por un <i>rock </i>de carácter experimental. Muy a pesar de la acogida tan tibia que recibió este álbum, nos encontramos ante un Morrissey mucho más determinado.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="text-align: left;"><span style="font-size: large;">Habiéndose</span></span><span style="font-size: large;"> visto envuelto en un drama legal tras la demanda por parte de Mike Joyce reclamando el impago de sus regalías como baterista de The Smiths, <i>Mozzer </i>se encontraba en una etapa muy oscura de su carrera. Sin embargo, gracias a Steve Lilywhite, plasmó sus penurias en un cancionero mucho más sentimental, como por nombrar <i>Ambitious Outsiders, Trouble Loves Me, Ammunition, Wide To Receive</i> y <i>He Cried.</i></span></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwTdiGo-XXU7vLX10cmocc8YlAuwkywgvqDPsCphWwmCHGKwPVdvkmClBm10IOiiNMCsm1tSCk7SBgig_7lvi96YmeuduMz2iXzCuJOiSXXdccAfRzPlSmn9ICgSkyGZorKxBwW2R2exJyTwRXOE7Cj1VQvC8658Ra8wmeYJC5VqneukzWxzZg8U6I_w/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Alma Matters, Roy's Keen</i> y<i> Satan Rejected My Soul </i>fueron los sencillos desprendidos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Maladjusted </b></i>(<i>Island</i>) vio a luz para agosto de 1997, en plena efervescencia de la <i>Cool Britannia</i>. A pesar de contener algunas de sus canciones más infravaloradas, fue injustamente vilipendiado y llevó a Morrissey no sólo a recluirse en su recién adquirido hogar en Los Ángeles, sino a permanecer en un silencio discográfico indefinido a partir de entonces...</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Para el nuevo milenio, <i>Moz</i>, después de una exitosa gira mundial que lo trajo a Latinoamérica, tenía bajo la manga un puñado de temas que demostraban que se mantenía en plenitud de facultades. Ahora, acompañado por la producción de Jerry Finn y sus músicos de confianza, se opta por rejuvenecer en composiciones como <i>America Is Not The World, I'm Not Sorry, The World Is Full Of Crashing Bores, How Can Anybody Possibly Know How I Feel </i>y <i>You Know I Couldn't Last.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="595" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjy3xyPlkZzRKwOtmZdpPuNtURUOMxbCr-NxAopBhOaaS9cFgqQjQIs_q-T6c9rtYaRHVobaB_cBBEUd2Cm2nF6ybSCWOCPKXnadb4RYM1qE67yFcAJVDD2YWD0smJ98q-Rrble6bRIHeFtcK6jfdMW6TnxzTaV3bM4zB8csBEZiud91Z5SJthQ-NGzhg/s320/cover.jpg" width="317" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Irish Blood English Heart, First Of The Gang To Die, Let Me Kiss You</i> y <i>I Have Forgiven Jesus</i> fueron sencillos exitosos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>You Are The Quarry </b></i>(<i>Attack</i>), lanzado en mayo de 2004 como su séptimo álbum de estudio, fue una consagración digna de su legado con melodías que exhiben un <i>indie rock</i> elegante a la par de una lírica con mayor sentimiento socio-político. Este elepé llevó a Morrissey hasta la cima de las listas de éxitos a punta de ametralladora, nunca mejor dicho.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Desde el Festival de <i>Glastonbury </i>hasta el<i> Manchester Arena</i>, <i>Mozza </i>emprende su regreso a los escenarios, y aun así, encuentra hueco para su siguiente proyecto... Producido por Tony Visconti y con arreglos de Ennio Morricone, las canciones compuestas suenan más orquestales pero roqueras en todo momento, como <i>I Will See You In Far-Off Places, Dear God Please Help Me, The Father Who Must Be Killed, Life's A Pigsty</i> y <i>I'll Never Be Anybody's Hero Now.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="493" data-original-width="500" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1EiAcA5PuIhgXWtRu90v3y1B1OmKQ7l--56-_a0rl52eJ6p-8WN6qoRvUXRmiLXG0N2BnQXX6YjDXqjOgddoLhsDdjke1RWWZghYxvo65bO17sE92rGmn0PggGQFm6Wt7116bu2Xzz01E3vDqOg2DZFPTM9_u5_1ssrZNfuFqvDo1D080rTjJbiU_mQ/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>You Have Killed Me, The Youngest Was The Most Loved, In The Future When All's Well </i>y <i>I Just Want To See The Boy Happy</i> fueron los sencillos de la época de las descargas <i>MP3</i>.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Ringleader Of The Tormentors </b></i>(<i>Attack</i>) fue editado en abril de 2006 como su obra más confesional, conjugando su reciente <i>sojourn </i>por Roma junto con unos textos muy poéticos donde Morrissey confronta sus traumas infantiles, la sexualidad y su propia mortalidad. Un psicoanálisis transformado en arte que continuó la buena racha recientemente establecida.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tras una consagración en vivo desde el <i>Hollywood Bowl</i>, <i>Moz </i>y su equipo reclutan nuevamente a Jerry Finn para producir lo que sería su última labor antes de fallecer tan prematuramente en medio de unas grabaciones ya de por sí desafortunadas... Ahora, un <i>pop punk</i> con garra otorga vitalidad a temas como <i>Black Cloud, It's Not Your Birthday Anymore, You Were Good In Your Time, Sorry Doesn't Help </i>y<i> I'm OK By Myself.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="450" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6FVe_u1JptT0KB6G38JSz1aqNfZOKjnem8NIzdw5qSp6acR9Ak_eveFasoDXEwdq0iJd--YVVcuPRr9uqL_feOr7ymJhCe_5kK-sCJAQyFm0-70fo-MFqStnZ18vQLFAAkkYgD38DAWdxmYTDp_3C5VStJOq00KWnM5SPejmYfAHk6FBI4M22tsJywQ/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>That's How People Grow Up, All You Need Is Me, I'm Throwing My Arms Around Paris</i> y <i>Something Is Squeezing My Skull </i>se lanzaron como sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Years Of Refusal</b></i> (<i>Decca</i>), publicado con retraso en febrero de 2009, podría considerarse como el trabajo más audaz del mancuniano hasta la fecha, conformado por una vehemencia sónica y algunas de las letras más provocadoras que Morrissey haya tenido la osadía de cantar. Tanto el público como la prensa musical recibieron este álbum como una reinvención para sus 50 años de edad en aquel entonces.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Habiendo pasado un lustro en el que se lanzó una mordaz autobiografía y a su vez tuvo lugar la legendaria presentación en el <i>Festival Viña del Mar</i>, <i>Mozzer </i>finalmente regresa al estudio de grabación para gestar unas piezas mucho más exploratorias y densas, como lo son <i>Neal Cassidy Drops Dead, I'm Not A Man, Staircase At The University, Montjoy </i>y <i>Oboe Concerto.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNY0WTyarj8QghD31Yvt8xzBikMxs0Otf_KAAQHw0ajHRqiSSkWpRpRqDoJM2hiMgKzqmcNmqK-On1QEWK3LORb_XEs2_vONzsYD3Y91IOp93TEi9_F6QWo-le63D2MGlFAmAWDTP2mJJmEd2ECWzvoDBCuFiaaKHe-voD0nlBtcXSLra_8wrnTuOfdA/s320/Morrissey%20-%20World%20Peace%20Is%20None%20Of%20Your%20Business.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">El tema homónimo,<i> Istanbul, Earth Is The Loneliest Planet, The Bullfighter Dies </i>y <i>Kiss Me A Lot</i> se desprendieron como sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>World Peace Is None Of Your Business </b></i>(<i>Harvest</i>), lanzado en julio de 2014 como su décimo álbum de estudio y producido por Joe Chiccarelli, es una obra donde Morrissey coquetea con ritmos exóticos para presentarse como un <i>crooner </i>moderno. Por desgracia, un desacuerdo con su casa de discos causó que su representado fuese expulsado del catálogo días después del lanzamiento.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de un sinfín de recitales alrededor del mundo, en los que sus achaques de salud motivaron muchas cancelaciones, <i>Mozza </i>se alía nuevamente con Chiccarelli para producir un sucesor del trabajo anteriormente comentado. <i>I Wish You Lonely, Home Is A Question Mark, I Bury The Living, When You Open Your Legs</i> y <i>Who Will Protect Us From The Police</i> continúan aquella exploración musical bajo un<i> indie pop</i> mucho más heterogéneo.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1400" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEim2jIX4BLovzC7ScO8d4mpXklxaphcrK1JxPw403g_CUiIxMGoZPOPNFv7h0U7nHU1J6EO-7iGleWSa7gM6cWRGsjGdUR-DXt8SO2Mqo6U1vTPpHS6QjupPgvZOa4KcJtlYQ6bDmjJgLpEiOEcE-k0TgKIcTp6M7nmzCLKjG-9gcB0qy2y-Auygg4jkw/s320/folder.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Spent The Day In Bed, Jacky's Only Happy When She's Up On The Stage, My Love I'd Do Anything For You </i>y <i>All The Young People Must Fall In Love</i> se editaron como sencillos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Low In High School</b></i> (<i>BMG</i>), viendo luz para noviembre de 2017, es uno de los discos más comprometidos del siempre políticamente incorrecto Morrissey, consolidado a partir de un cronismo contemporáneo y una paleta sonora en busca del gancho <i>pop </i>más fresco. El elepé en cuestión se desempeñó decentemente dentro de las listas de éxitos pero la crítica lo valoró desfavorablemente.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Envuelto en un escenario lleno de polémica, <i>Mozzer </i>versiona a otros artistas en <i><b>California Son</b></i> (<i>BMG</i>, 2019), pero paralelamente a ello, se estaba gestando otro álbum, solo que esta vez, con material original. Esta nueva producción de Joe Chiccarelli dota de una renovación musical a canciones como <i>Jim Jim Falls, What Kind Of People Live In These Houses, Darling I Hug A Pillow, The Secret Of Music </i>y <i>My Hurling Days Are Done.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="450" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIbkK3Nbq1fQNPJ1DyjzTMDs7Le4qjToP0oBYpDyS-_Ba4R5is9cLYwRJeEYrc75R_SMSMj2ETb-1x1QhMk_r6YYlIAZRgEaoWX8SPKgU_Uwe5wrb9v3qFKYjWVLU9_wSN4Z1JpF6T4Gfs6OKoqMhqzU5Vjxd08DtM6iCjKRZGIOX2nmpJvVgR2PaRRQ/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Bobby Don't You Think They Know, Love Is On It's Way Out </i>y <i>Knockabout World </i>fueron sencillos promocionales.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>I Am Not A Dog On A Chain</b></i> (<i>BMG</i>), publicado en marzo de 2020, es el más reciente testimonio musical de Morrissey y uno de sus mejores, saliendo de su zona de confort gracias a unas melodías expansivas, muy electrónicas, pero cohesivas, a la par de una lírica brillante.</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Bonfire Of Teenagers</b></i>, ya grabado y en busca de una discográfica que lo respalde, está pautado para editarse en cualquier momento del año para marcar el regreso de Steven Patrick Morrissey, una de las figuras claves del <i>rock británico</i> de los últimos 40 años. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/3Hx6IdVlz9Q" width="320" youtube-src-id="3Hx6IdVlz9Q"></iframe></div><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-614231209074183162022-04-08T06:01:00.009-04:002022-04-08T06:03:18.354-04:00THE CLASH<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>El <i>punk rock</i> fue un movimiento musical británico nacido de un pesar que la juventud de la década de los setenta sentía profundamente, y The Clash plasmó en sus canciones como se sentían dichos jóvenes, de ahí a ser catalogados como «</span><span>la única banda que importa</span><span>»</span><span>.</span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJ_rh8olxIHuVATvXwmpocMcFEUsTHQFGIOnB8K8ILxbXlOeVjNj9IB2nX-165cqrX-fuxRT55YlkpMo9ewNPNv7yg4BxfKdEB3d5taouSgUSGAHCo9nVMZc9mxffIa3DYlw-ib_vWOn-xrP-nZ-qm5_SgKIl4ssK8aKKSmTnZZpin9TcctSye2HMl-A/w640-h360/the_clash_1977.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Dicha banda estuvo conformada principalmente por Joe Strummer (<i>frontman</i>), Mick Jones (guitarrista y segundo al micrófono), Paul Simonon (bajista y tercero al micrófono) y Topper Headon (baterista), ampliamente conocidos como el grupo <i>punk </i>más transgresor en la historia de la música popular al incorporar una amplia gama de influencias y géneros musicales en su ahora icónica discografía.<span></span></span></p><a name='more'></a><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span></span></span><p></p><a name="more"></a><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span></span></span><p></p><p style="text-align: left;"></p><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><a name="more"></a></span><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Engendrados a partir de la suma de partes de un par de malogradas agrupaciones, los comienzos de esta banda vieron a varios músicos ir y venir, como por nombrar al guitarrista Keith Levene -quien poco después formaría parte de Public Image Ltd- y el baterista Terry Chimes -quien regresaría para la última etapa del grupo-. Sin embargo, London SS fue el verdadero germen de The Clash, contando ya de por sí con Jones y Simonon, pero no sería hasta la llegada del pub roquero Joe Strummer que Los Clash -como los conocemos- se consolidarían definitivamente.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de varios meses de intensos ensayos, The Clash se dieron a conocer en el año de 1976, sirviendo como teloneros de los Sex Pistols en un recital en Sheffield (Reino Unido), cuya presentación llamó la atención de los ejecutivos de distintas casas de discos, siendo <i>CBS </i>quien diera el fichaje decisivo con un contrato para dar paso a publicar las canciones que darían forma a su álbum debut, dentro del cual destacamos <i>Janie Jones, I'm So Bored With The U.S.A, London's Burning, Career Opportunities </i>y <i>Police & Thieves.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1425" data-original-width="1425" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-4X1cbt4mVSEKhyessE4rP5Uh9hk9CXZG0xbgbI7cUxsuf-scBkp4dUvo0yWlTG-d7KBpQA1X8y5bfcKyDt8ye48Bm95JXVVdTE-1kJjJhLQLVUHlOW38nK3XbeDGfG-9zxbViZzCLyy8PJJHGUJSuOHVMX3eaBNpFgg1vpXqvqjzpqfxeaRXvg7aKQ/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">De este LP se desprendieron sencillos como <i>Clash City Rockers, Complete Control, White Riot, (White Man) In Hammersmith Palais</i> y <i>Remote Control.</i></span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Un año más tarde, durante el mes de abril, sale a la luz su primer trabajo homónimo (<i>CBS</i>), el cual significó un triunfo dentro de la escena <i>punk </i>británica, exhibiendo a The Clash en todo su esplendor con un repertorio vibrante, contundente, dinámico y reivindicatorio, tanto en el plano musical como en lo lírico, donde el mensaje de política de izquierdas le otorgó una voz a la obstinada juventud de la época.</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><blockquote>En palabras del propio Strummer: «Estábamos en el lugar correcto haciendo lo correcto en el momento correcto».</blockquote></span></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Y vaya que fue así... Luego de presentarse en el evento <i>Rock Against Racism</i> en el Victoria Park londinense y tras una exitosa gira al lado de gente como los ya mencionados Pistols, Buzzcocks y The Jam, es cuando la banda regresa al estudio de grabación para dar forma a un lote de nuevas composiciones -esta vez, bajo la producción meticulosa de Sandy Pearlman-, las cuales veían al cuarteto tomar un rumbo hacia terrenos más melódicos pero sin obviar su atrevido pero ahora ampliado <i>punk rock</i> en temas como <i>Safe European Home, Julie's Been Working For The Drug Squad, Last Gang In Town, Stay Free</i> y<i> All The Young Punks.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1425" data-original-width="1425" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPUhIQSrl4yVvUbwrMbWyX3k_4i9NRP_eWrDY6MA22tYNx67iexiNVHvyTahPEgP4UEu7zd6tdoSz__RMrVHNM3M8wxbqqftgjqGszA0Ap9j13mGU8DEtzvHYW3CLTDw5OevDaAmsjY4RC0hrHLk5EJ3QpRyCNb-CChPwVambVqHyzgHOcwqXzqTYxog/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Tommy Gun </i>e<i> English Civil War</i> fueron los únicos sencillos desprendidos de este LP.</span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">De dicha forma, la banda publica un segundo álbum de estudio que no causaría el mismo impacto que su debut bajo el título de <i><b>Give 'Em Enough Rope</b></i> (<i>CBS</i>) en noviembre de 1978, sin embargo, se puede evidenciar aquí una clara evolución musical con una producción mucho más cuidada y una mayor carga de descontento socio-político, desde las letras hasta la cubierta... Podemos decir con certeza que The Clash inventaron el ahora reivindicado <i>pop punk</i>.<br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Después de emprender una exitosa gira estadounidense al lado de referentes como Bo Diddley, saldría al mercado el EP<i> <b>The Cost Of Living</b></i> (<i>CBS</i>) para mayo del siguiente año, una grabación que servía como antesala de lo que se avecinaría meses después y conteniendo temas en una vena más acústica como<i> Groovy Times</i> y <i>Gates Of The West</i>, a la par de sencillos como <i><b>I Fought The Law</b></i> y<i><b> Capital Radio</b></i>. De tal manera, Los Clash estaban ahora preparados para trabajar cuanto antes en nuevas canciones elaboradas bajo distintos géneros musicales como punto de partida -y ello gracias a una estricta rutina de trabajo compositivo cortesía del <i>DJ </i>Guy Stevens, resultando en una amplia gama de estilos más allá del <i>punk</i>-, como por nombrar <i>Rudie Can't Fail, Spanish Bombs, Lost In The Supermarket, The Guns Of Brixton </i>y <i>Death Or Glory.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1425" data-original-width="1425" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqrO4OdQXrJJ15P_FfFAjWnEzX4tNRGXbcSrBtuidLpzZiJdl1yivhG5fB0eqG8h4ursAEcvNRMrKKz2P0urwfACNfxkMr-zTHMKmAT2i4r3LqqGKNTfineCrf1RnTeEZ5KfUN4XHnuqGKYvBicyR5NwD8R9ZpoCSRCu8kx5QtzdXoG5SscO3j4z13Iw/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">El tema homónimo, <i>Clampdown </i>y <i>Train In Vain</i> fueron los sencillos extraídos en representación de este doble LP.</span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>London Calling</b></i> (<i>CBS</i>) fue lanzado en diciembre de 1979, el único álbum doble de la banda y bajo la osadía de ser vendido al precio de un disco sencillo. Aun así, desde entonces ha logrado vender más de dos millones de copias en todo el mundo y cambiando el curso de la música popular para siempre, como si de una revolución se tratase.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Motivados por su nuevo estatus como estrellas de <i>rock </i>y consagrados como una de las bandas más importantes de todos los tiempos, The Clash se encontraban en un punto tan álgido de creatividad que tenían pensado lanzar durante cada mes del año 1980 un nuevo sencillo, pero dicha idea fue vetada por su sello disquero. Optando por (literalmente) residir en el estudio de grabación, se gestaron alrededor de 40 temas de lo más variopintos junto a Bill Price y Mickey Dread para ser incluidos en su siguiente experimento, como por nombrar <i>Junco Partner, Somebody Got Murdered, Up In Heaven, Washington Bullets, Kingston Advice</i> y un largo etcétera...</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1425" data-original-width="1425" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBPoJrYtlpo-yCKCel0ftTElASubEUVhUkltkcDDkV_8cbKRSUOjxy7GWcIgbSDTPLcfslAarMY5asGQ_CAV43zTCnQfDeeKH2PPbA9ut2so0RYKhHDFDoGvu_oGfuuaZP_p7n2yRJxLJFGhTFSTACCzge_Gp7KWZqsNQdqVLlznQLB1RKjK0C-dz3MQ/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Bankrobber, The Call Up, Hitsville UK, The Magnificent Seven</i> y <i>This Is Radio Clash</i> fueron los sencillos de este inmaculado tríptico.</span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><i><b>Sandinista!</b></i> (<i>CBS</i>) fue lanzado en diciembre de 1980, suponiendo un trabajo atípico para su época -tan ambicioso como dispar- al buscar un salto de género y una apropiación cultural al mayor de los extremos. </span><span>Este inclasificable triple elepé se vendió al precio de un único álbum y muy a pesar de las opiniones divididas y debates que este disco pueda generar, significó un punto de inflexión importante para Strummer, Jones, Simonon y Headon como artífices.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Los Clash, tiempo después de haber conquistado lugares tan remotos como el Extremo Oriente en sus recitales, querrían volver a la simpleza de su primeros días tras haber tocado techo con el álbum anteriormente comentado, así que para ello, se instalaron nuevamente en los estudios <i>Electric Lady</i> a fines de 1981 para elaborar un trabajo mucho más accesible pero lleno de expansión sónica en sus composiciones, entre ellas <i>Car Jamming, Straight To Hell, Overpowered By Funk, Ghetto Defendant </i>y <i>Death Is A Star.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1425" data-original-width="1425" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdtXbZ8KkIymFzmDV_CxiOcefh1ww1Fd5KvIsYeNhpthHo7Hhqmfok12bmD6NCVTprVKioIlg_8AutNdyvXZf8fF_3FisEE3PWJdxtBIZVnlXBt9dXVW-fUgfXS_pwpJJZ-qwty8NJUjZqM1TY_XJEe7jVHZo41_S0cnM2LJ3ggWFOV7SIj3MZRHhFPA/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Know Your Rights, Rock The Casbah</i> y <i>Should I Stay Or Should I Go</i> fueron los sencillos más populares del grupo en toda su trayectoria.</span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><i><b>Combat Rock</b></i> (<i>CBS</i>) fue publicado en mayo de 1982, entrando al segundo puesto de las listas de éxitos y vendiendo más de un millón de copias en el proceso, erigido como</span><span> el trabajo mejor realizado del cuarteto y sin duda uno de sus más recordados por todo público, continuando la búsqueda de The Clash por nuevas sonoridades, sólo que esta vez, con un muy necesario enfoque y mayor cohesión.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>La banda se encontraba en un punto de no retorno en cuanto a popularidad, emprendiendo giras multitudinarias que los llevaron a presentarse en el mismísimo (y extinto) <i>Shea Stadium</i></span><span>, sin embargo, las relaciones dentro del seno del cuarteto iban en caída libre... Las tensiones acumuladas de años atrás continuaban creciendo cada vez más, desde </span><span>el abuso de drogas</span><span> que motivaría la expulsión de Topper Headon hasta la abrupta ida de Mick Jones del grupo tras diferencias creativas con un Joe Strummer cada vez más errático. Contando tan solo con un renegado Paul Simonon, Bernie Rhodes, mánager de The Clash, tomó las riendas para llevar a la agrupación al siguiente nivel con un conjunto de nuevas composiciones en una onda más sintética que supondría una vuelta a lo básico, como por destacar <i>Dictator, Dirty Punk, We Are The Clash, Cool Under Heat</i> y <i>Three Card Trick.</i></span></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1425" data-original-width="1425" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoBLTZ6aaZgqaOf06ROIfyQ2raZGT-gAF-saVMEVZGj_gxnQOmc3nMetpHWzb5gawggQkQO9mybzQ5qj7Edw2280X4Be5Syqh3dY6OL8apVKx4NtfG8FWmWSYTt-JbQkD13NQ3WxHkG0VqDiPGpOt5WHV7V-tYMDU6YDxjz-ShTm0lRN9Th1wF0OPPww/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">El sencillo This Is England fue la única canción viablemente comercial de esta «cagada» de LP.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Cut The Crap </b></i>(<i>CBS</i>), publicado en noviembre 1985, fue un experimento fallido de autoproclamación por parte de Los Clash cuando ya ni siquiera eran The Clash, con tres de sus miembros expulsados y con una camarada de músicos de sesión contratados para darle sentido a un proyecto tan caótico como absurdo. Viéndose Strummer cada vez más imposibilitado de entrar en concesión con Rhodes sobre el control de su propia banda, un año más tarde y luego de un exilio en España, «la única banda que importa» sería historia.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">No podemos hablar del <i>punk rock </i>sin mencionar a The Clash, el grupo más versátil de aquel fugaz pero impactante género musical, pues ellos desde un primer momento se dieron cuenta de que su mensaje podía trascender más allá de los parámetros del mismo. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/AL8chWFuM-s" width="320" youtube-src-id="AL8chWFuM-s"></iframe></div><p></p><p></p><p></p><p></p>
Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-68386312023250922602022-02-17T19:55:00.002-04:002022-12-21T19:00:00.566-04:00EL SONIDO DE THE SMITHS<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>En cuanto a <i>rock británico</i> se refiere, muy pocas bandas han logrado capturar un sonido como el de The Smiths, quienes, en tan solo un lustro, sentaron las bases de lo que hoy en día catalogamos como <i>indie </i>e influenciaron a toda una generación, incluyéndome.</span></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="933" data-original-width="1400" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiZALZGV0qr2WGH2fSEI60bcViyEcTBvAYK9z-jWbbgMg-qzxcrf9dYNjS9cCgsHmY-cJzlzNbkja01fwcj_22F1NZXagKo1SoN8cH1mptsziYmVTn6gTOi0ocDZBEICApIopdkxCYl8-hvAUlXEikSv-5dQyRpyK03J8R2EQxIuGFQ3B0kt9GQFRFusw=w640-h426" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">The Smiths es una de esas agrupaciones que me han recomendado incontables veces a lo largo de los años, y por obvias razones, pues las letras depresivas y literarias de Morrissey, junto con el trabajo rítmico y melodioso de Johnny Marr, Andy Rourke y Mike Joyce, define perfectamente mis gustos musicales. Luego de varios intentos, es justo decir que me he convertido en un fan de The Smiths, y por ello, aprovecho para dedicar esta reseña a los tímidos, a los extraños, los que son diferentes a la mayoría e iguales a mí de alguna forma, porque como diría el propio Morrissey, hay una luz que nunca se apaga y es la esperanza.<span></span></span></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: left;"></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Cuando Steven Morrissey (cantautor) y los ya mencionados Marr (guitarra), Rourke (bajo) y Joyce (batería) formaron The Smiths en el año 1982, el panorama musical británico se había vuelto un cliché en sí mismo, con un imperante <i>new wave</i> que se había convertido en un género que distaba mucho de sus raíces <i>punk</i>, ahora repleto de poses, sintetizadores, cajas de ritmos y muy poca originalidad. Es en medio de todo esto cuando el cuarteto oriundo de Manchester (Reino Unido) entra en escena para cambiar para siempre el curso del <i>rock 'n' roll</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">El día en que Moz y Marr se conocieran en un recital de Patti Smith, un vinculo entre ambos artistas se cimentó desde el primer momento en que cruzaron sus miradas, lo que llevaría a la formación de la mejor dupla de compositores desde Lennon/McCartney, ello gracias a la lírica autocompasiva de Morrissey, la cual se compaginaba a la perfección con la sensibilidad guitarrera de Johnny Marr, otorgando así un estilo con referencias que van desde el <i>pop</i> sesentero hasta el <i>punk </i>de la primera ola.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Poco después, tras sus primeros ensayos y maquetando sus novedosas composiciones, Andy Rourke se sumaría en el bajo, para ser acompañado por el percusionista Mike Joyce tiempo más tarde. De esta forma, la ya consolidada agrupación se encaminaría a elaborar su estética en directo, cuya ambigüedad simplista los convertiría en un fenómeno de culto.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="530" data-original-width="890" height="239" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhAzx4wi6vOiA2g16PBhx6mSuj0HO0Zs8gbCLfKYCBRCaVdnsIkhym8sTHnKqG88WIPa8t_e7BibomqhNq83dptDDMsTkjlYnR3v9neg9TZrYkrshQfOP91Q4983JmYDP1vT1-fZRNmuEybU9rY7FGQt-SnKrfEgveNXEFL7tgyDIPJzEw7TDKpxU-U-w=w400-h239" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">The Smiths en directo desde el festival de <i>Glastonbury </i>en el verano de 1984.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Una vez el cuarteto asentara una legión de fanáticos que terminaría por trascender la barrera del tiempo, distintas casas de discos comenzarían a interesarse por lo que tenían que ofrecer, sin embargo, muchas de ellas, como <i>EMI </i>y la local<i> Factory Records</i>, los rechazarían sin miramientos, hasta que la independiente <i>Rough Trade</i> diera el fichaje decisivo con el grupo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Comenzando las grabaciones de su primer larga duración y con la asistencia de John Porter en la producción luego de una poco fructífera colaboración con Troy Tate, Los Smiths encontraron su fórmula, la cual tomaba el <i>indie pop</i> como <i>leitmotiv </i>para darle un sentimiento lúgubre a canciones como <i>Reel Around The Fountain, You've Got Everything Now, Pretty Girls Make Graves, The Hand That Rocks The Cradle</i> y <i>Suffer Little Children.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="598" data-original-width="600" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgT3rb01Ww68NmvHKvQjo9WfUI8m9cKWGXWn9O0wf0pHi0-kMgAraGdqwt4mag0rIR0RH_KzvkSopXwKt3wvVYa5RZWZseHQGqiSRFx_IRrVZ0axGe1BkKyw4DsUZyTwwHXej7cm9i4XtGEqXmsnORMqu0MXSnkXYTZ1HsXUV2c8NEVY2DFegdHyl3BpA=s320" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Hand In Glove, Still Ill, This Charming Man</i> y <i>What Difference Does It Make</i> fueron los sencillos extraídos del álbum, cuya portada cuenta con el actor Joe Dallesandro en un fotograma de la película <i>Flesh </i>de Andy Warhol.</span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">El álbum debut homónimo de la banda (<i>Rough Trade</i>) se lanzó en febrero de 1984 y enseguida se erigió como uno de los trabajos más representativos del <i>rock británico</i> y de la escena musical del momento. Muy a pesar de que el LP sea producto de los altibajos de su recortada producción, en esencia logra capturar el sonido en directo del grupo y la etapa en la que se encontraban como músicos, sirviendo como un documento musical donde Morrissey arremete contra la incomodidad social e insatisfacción sexual de la juventud mórbida de 1984, aquella a la que George Orwell dedicó una novela.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Durante aquel año, se editaron baladas como <i><b>Heaven Knows I'm Miserable Now</b></i> y <i><b>William, It Was Really Nothing</b></i>, los cuales impulsaron las ventas del LP hasta alcanzar el segundo lugar del <i>UK Album Charts</i> y cimentarían el fenómeno de The Smiths a mayor escala entre la prensa musical.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Debido a la gran demanda del público, la discográfica del cuarteto compilaría material re-grabado durante unas sesiones para la <i>BBC Radio 1</i> y temas inéditos, como por nombrar <i>These Things Take Time, How Soon Is Now, Handsome Devil, This Night Has Opened My Eyes</i> y <i>Please Please Please Let Me Get What I Want</i>, para un inminente lanzamiento.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEipPqNBShFG0Xj1nT7Qmq5uXm2FSH2mYsaneUzifu6poGTc3iXGwT6PzeBQVUb76zNMY9xSJTdC_pdwm2sYseA4SBVuPFhZwyTr3V_alc5Kca9QrAsKpLbJZyD6-oxG1mktw1enBO-T8VtPLN-mO45c3_BNJpWEZqQ5Ag7pNNtVhJ4doUTO9s7RMmAFTw=s320" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">La icónica portada de este compilatorio presenta al desconocido Fabrice Colette retratado para la revista <i>Libértion</i>.</span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Hatful Of Hollow </b></i>(<i>Rough Trade</i>), publicado en noviembre de 1984, es uno de los trabajos esenciales del grupo mancuniano debido a que dichas re-grabaciones de temas contenidos en su anterior disco superan con creces a las originales, y ello sumado a otras composiciones que no habían visto la luz del día hasta ese entonces, lo convierten en otra muestra de la genialidad de este cuarteto inglés.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de todo este periodo, la banda se embarca enseguida en las grabaciones de su segundo álbum de estudio, para el cual, solamente contarían con la asistencia de Stephen Street, un novato ingeniero de sonido que terminaría por convertirse en uno de los productores más solicitados para la siguiente década...</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En busca de un sonido mucho más oscuro y un sentimiento aun más político a su lírica, el tándem Morrissey/Marr saca a relucir un <i>tour-de-force</i> de composiciones como <i>Rusholme Ruffians, I Want The One I Can't Have, What She Said, Well I Wonder </i>y <i>Meat Is Murder.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="588" data-original-width="592" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiYkh_J8bIirweAOW5L4exCY6K0PU11aAJYXJtvPTjhvBxaZWXm5zo8OjyAzZBlF3u39QvciU1Hhq9DoDMYuTgPYAS-WXeWUrBqcgtl7kgC1FZeoPNxF5T_edEw2tUZmhOHxaa7n7ECKM5Ew6VJXaBh4C-bVUKmRaEihdzQAdxHMPoYbrfadDBJstFAxA=s320" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>The Headmaster Ritual, Barbarism Begins At Home, Nowhere Fast </i>y<i> That Joke Isn't Funny Anymore </i>fueron los sencillos del álbum, el cual emplea una fotografía alterada de un joven marine en plena guerra de Vietnam como portada.</span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Meat Is Murder </b></i>(<i>Rough Trade</i>), editado en febrero de 1985, es de los trabajos más soberbios e incisivos de Morrissey, Marr, Rourke y Joyce, gracias a un mayor esfuerzo colaborativo en el que la banda logra equilibrar las canciones del LP para otorgarle una cohesión palpable en su escucha. Todos estos atributos llevaron a convertirlo en el único no.1 de The Smiths en el<i> UK Album Charts</i>... Una declaración de principios en toda regla.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Durante el siguiente año, el grupo vivió desde un crecimiento exponencial de su popularidad en Reino Unido hasta una disputa con su sello disquero que inevitablemente terminaría por hacer mella en las relaciones internas dentro del cuarteto. Sin embargo, nada de esto los detuvo de emprender otra exitosa gira por Europa -la cual los llevó hasta países como España- y regresar elaborando uno de los álbumes más influyentes de todos los tiempos en el proceso...</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Nuevamente producido de forma constructiva por Morrissey y Johnny Marr bajo la supervisión del ya mencionado Street, estas sesiones de grabación vieron a The Smiths alcanzar un punto álgido de creatividad en el que sus influencias dentro del <i>rock 'n' roll</i> fundamentaron las bases de un repertorio de canciones más refinadas pero con la misma intensidad sónica y carga emocional de siempre, como por destacar <i>The Queen Is Dead, Frankly Mr. Shankly, I Know It's Over, Cemetry Gates </i>y <i>Vicar In A Tutu.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi0DJ40LRpodwXAAtd7P12AEow-JX6lxbTjknPqvYCLFweOgcOvdyKLFUQzwRTHs_lUXCUQPF6ZvzXst2YBE7SGIxxhNbpOGAbK2uT5yOgK1nsz9wdxP37JdzBNvQ5SprV3F_xlQTMDBb0Z0eMXiDLr6vQ11LgMXYhvGOxR86I8oB3ro2JknTN7qYw0zA=s320" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Bigmouth Strikes Again, There Is A Light That Never Goes Out</i> y<i> The Boy With The Thorn In His Side</i> son los sencillos del álbum, cuya portada es representada por el actor francés Alain Delon en un fotograma del filme <i>L'Insoumis.</i></span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>The Queen Is Dead </b></i>(<i>Rough Trade</i>), lanzado finalmente en junio de 1986, es la obra cumbre de The Smiths, y sin lugar a dudas, uno de los elepés más importantes en cuanto a <i>rock británico</i> se refiere, gracias a que contiene muchas de las canciones más populares de la agrupación, las cuales llevaron a este disco al no.2 de las listas de éxitos del Reino Unido y a convertir al cuarteto de Manchester en referentes a partir de entonces.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Muy a pesar de encontrarse en su mejor momento como artífices, las ya mencionadas relaciones internas dentro del seno de The Smiths mostraban claros indicios de preocupación, desde la expulsión temporal de Andy Rourke debido a sus problemas con las drogas, hasta la consideración del resto de los integrantes de cambiar de discográfica debido a las disputas con <i>Rough Trade Records</i>. Como diría el propio Morrissey en su autobiografía, probablemente no era nada pero se sentía como el mundo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Aun así, el cuarteto siguió adelante gracias a la repercusión de sencillos como la dramática <i><b>Panic </b></i>-la cual arremetía contra los <i>disc-jokeys</i>- y la exuberante <i><b>Ask </b></i>-la cual profundizaba sobre la timidez-, ambas grabadas como un quinteto junto con Craig Gannon en la guitarra rítmica, quien desafortunadamente sería expulsado del grupo para fines de 1986.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="549" data-original-width="888" height="248" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi5zNfrYcJssXn4VIvBWf5bIfbWIlRkJtxSgUNWYfECZoWqAOfU5adbZAGRQ6Zp7uZMsNC28yIjW4ue9DHPdHzddLoFAxKEmPJ6ZZD2VgUudPLCMs6y3dx40ltRakBMgzS_rqpZEI51n9yuC-pynN0eCRGYhhTHW8RlEP9NBMvvoS0VLl22CPtoahhaXA=w400-h248" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Para la primera portada, se utilizó una captura tomada por Jürgen Vollmer de la escena <i>rock 'n' roll </i>alemana de los años cincuenta. Para la segunda, se empleó una fotografía de la dramaturga inglesa Shelagh Delaney capturada poco después de su debut literario.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Comenzando 1987, se editarían otros dos compilatorios de la banda, <i><b>The World Won't Listen</b></i> (<i>Rough Trade</i>) para el mercado europeo y el doble <i><b>Louder Than Bombs</b></i> (<i>Sire Records</i>) para el americano, los cuales servían como una continuación de la colección anterior con caras B como <i>London, Unloveable, Asleep</i> y <i>Sweet and Tender Hooligan</i>, a la par de sencillos como <i style="font-weight: bold;">Shakespeare's Sister</i><i>,</i><i> <b>Shoplifters Of The World Unite</b>,<b> Sheila Take a Bow</b></i> y <i><b>You Just Haven't Earned It Yet, Baby</b>.</i> Sin embargo, la demanda por el segundo compilado en Reino Unido era tan grande que <i>Rough Trade Records</i> tuvo que lanzar una edición domestica para llevarle la delantera a las que eran importadas de los Estados Unidos.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Paralelamente a esto, Morrissey, Johnny, Andy y Mike estuvieron trabajando en lo que se convertiría en el último álbum de estudio de The Smiths, producido bajo la asistencia de Stephen Street. Determinados a expandir sus horizontes musicalmente, la agrupación incorpora una instrumentación mucho más dinámica, así como una fuente de influencias muy variada bajo una producción rica en matices que da lugar a temas como <i>A Rush and a Push and The Land Is Ours, Death Of A Disco Dancer, Unhappy Birthday, Paint A Vulgar Picture </i>y <i>I Won't Share You.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgncj8xYUEknUZEpV1qXsv_Osy8vWbokQCQTMwieJXsysLEsQAuHeLH9oY9nwH8MiJFMQzQ7MeWHC2B8c9yZQf-Bdw9IFCKl7bDXy_68Xp3bMJtOkcxVZLqwnVHeSk_mOL32t3REo5MvGIaKeA9DLBVjh5TQ92zW4KVyjMeqAjxS4x7MHEgXOW2zgZGuw=s320" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Girlfriend In A Coma, I Started Something I Couldn't Finish, Stop Me If You Think You've Heard This One Before</i> y <i>Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me</i> fueron los sencillos extraídos del álbum, cuya portada inmortalizaba al actor Richard Davalos en un fotograma de la película <i>East Of Eden.</i></span></h3><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Strangeways, Here We Come </b></i>(<i>Rough Trade</i>) supuso el canto de cisne de una carrera musical que se encontraba en un punto de inflexión decisivo cuando el LP fue publicado en septiembre de 1987, momento en el que Johnny Marr -hastiado de la cada vez más deteriorada relación con Morrissey y en busca de nuevos rumbos musicales- abandonara la agrupación, poniéndole así un punto y final al sonido de Los Smiths.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">El disco, muy a pesar de haberse lanzado poco después de anunciarse la ruptura oficial de la banda, logró posicionarse muy bien comercialmente al alcanzar el segundo lugar en el <i>UK Album Charts</i> y siendo acogido por la prensa como la obra más realizada de los mancunianos.</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana;">Muy a pesar de su efímera trayectoria musical, The Smiths fueron una agrupación que en tan solo cinco años logró capturar un sonido inconfundible dentro del <i>rock británico</i>, el cual, 40 años después, ha servido como influencia directa para muchas bandas a partir de entonces. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/siO6dkqidc4" width="320" youtube-src-id="siO6dkqidc4"></iframe></div><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-53648351730534096892021-12-20T22:59:00.002-04:002022-12-21T19:00:36.712-04:00THE STRYPES: INSTANTÁNEA DE UNA BANDA DE ROCK 'N' ROLL EN EL SIGLO XXI<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>El <i>rock 'n' roll </i>lleva ya más de medio siglo declarándose muerto, tanto por sus detractores como por sus músicos. Sin embargo, el género se ha reivindicado conforme avanzan los años gracias a bandas como The Strypes, manteniéndolo más vivo que nunca en pleno siglo XXI.</span></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="386" data-original-width="620" height="398" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdXGTRpgK7z3mO2KuOPeheRcAPhyphenhyphen7I-XIDCUVpVooZFAbj8KgF8L-6N4kxUJ6E3H79E6qiAoqm1czx16t8i6IjaxKm4hipNhMq-pkQwAPrshiGbJvplrPlWwZ0AR-Qem3wZM1ZH3tiTKSW/w640-h398/20211204_112557.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Personalmente, siempre recordaré 2013 como aquel año de vasto descubrimiento musical, cuando por fin, después de tres años obsesionado con The Beatles, empecé a aventurarme hacia nuevas oportunidades y en consecuencia, a conocer a bandas como The Strypes, con quienes aluciné al darme cuenta que unos quinceañeros como yo en aquel entonces debutaban con tanto éxito en la escena británica del momento.</span></p><p style="text-align: left;"></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Los orígenes del cuarteto toman lugar desde el pueblo de Cavan (Irlanda), cuando cuatro amigos de la infancia, entre ellos Ross Farrelly (<i>frontman</i>), Josh McClorey (guitarra y segundo al micrófono), Pete O'Hanlon (bajo y harmónica) y Evan Walsh (batería), se unieron para formar una banda que de la noche a la mañana pasaría a convertirse en la favorita de gente como Roger Daltrey, Elton John, Alice Cooper, Jeff Beck, Dave Grohl, Noel Gallagher, Miles Kane y el mismísimo Paul Weller.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">A partir del año 2010 -y habiendo asentado su repertorio- Los Strypes empiezan humildemente como todos los grandes del <i>rock </i>tocando en pubs locales y moldeando su <i>blues </i>con toques de <i>garage </i>a partir de influencias como Chuck Berry, The Rolling Stones, The Beatles, The Yardbirds, Dr. Feelgood, hasta Arctic Monkeys. Toda esta amalgama de conocimiento musical da resultado a unos conciertos explosivos, los cuales le otorgaron un rápido ascenso y notoriedad al grupo en su natal Irlanda hasta terminar de conquistar todo lo ancho del Reino Unido.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="582" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhQ71p0-E6tkWW5U5KHBCEHKpl48BwEFuTunlMQo94F69dFsGCFPFbFtymbqid16hQUIpdbLI2dleIdIcitojuT8-H_cFCHeQbLNxxdYSr7C1pPbEu3mcMI79GL-kKpBRv-HhBIpBXdTIr7QsuNntCND5J7Ns3eIAPienCRmmlulFUeJLsUcV3Odq0UdQ=s320" width="311" /></div><div class="separator" style="clear: both;"><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Contando con una sólida base de fanáticos, The Strypes logran sacar el debutante EP <i><b>Young, Gifted And Blue</b></i> de forma independiente, un compendio de cuatro versiones del <i>blues </i>más propio del Delta y con herencia de Chicago como <i>I Wish You Would</i> (Billy Boy Arnold), <i>Leaving Here </i>(Eddie Holland), <i>Got Love If You Want It </i>(Slim Harpo) y <i>You Can't Judge A Book By The Cover </i>(Bo Diddley), esta última lanzada como sencillo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Gracias al inesperado éxito del <i>extended play </i>en cuestión, distintas casas de discos empezaron a batallar por la custodia del grupo, hasta que, a sugerencia de Elton John, firmaran con su <i>Rocket Management</i>, filial de la novedosa <i>Virgin/EMI Records</i>, en diciembre de 2012.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En medio de un meteórico despegue hacia la fama como teloneros de bandas importantes, apariciones televisivas, sencillos promocionales y demás, los cuatro de Cavan grabaron en tiempo récord su primer larga duración bajo una eufórica colección de canciones originales y versiones de sus <i>bluesmen </i>favoritos, entre las cuales destacamos<i> I Can Tell, Angel Eyes, Perfect Storm, Heart Of The City </i>y <i>Rollin' And Tumblin'.</i></span></p><div style="text-align: center;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="960" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTNZelVJ8PaZdSCLRuczvcGbXhF1QVSkISNfrr1DAQqRWvqxuXREaSqeIUTE2wUqzTSSCSYhu07CzlXz7ZC0vnZsBJqB4rT6W4rsw74NtOWymWft8VwhihsCLcr1Sb_hD8Ac2IuxxAk5xA/s320/COVER.jpg" width="320" /></div></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Blue Collar Jane, Hometown Girls, What A Shame</i> y <i>Mystery Man</i> fueron lanzadas como sencillos de este LP.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><i><b>Snapshot </b></i>(<i>Virgin/EMI</i>), editado en septiembre de 2013 y producido por el veterano Chris Thomas,</span> supuso todo un suceso tras su lanzamiento, debutando en el segundo lugar de las listas de éxitos en Irlanda y alabado por unanimidad tanto del público como de la crítica especializada, quienes veían con entusiasmo una reproducción muy fiel del sonido en vivo que The Strypes buscaban capturar en esta grabación.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Ya para el siguiente año, tras una gira por numerosos festivales de verano y habiendo debutado en la televisión estadounidense con una incendiaria presentación en el <i>Late Show con David Letterman</i> (hasta tal punto de que el icónico presentador no pudiera contener la emoción al presentarlos), en paralelo, The Strypes sacan su segundo EP.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3qzKojSidLJ-5p8EJmYsXa0vYAJ-v1Cl7SsugaWx3sW1QTJUwshMLHwJuCsNnhUtOuqqo-Nk9e3Allhvw-HPavRNHeOQmTWjoLEHbseh5hySM8sEZzKvHiSRC9NfIczySm1W3YjgSCmqt/s320/cover.jpg" width="320" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>4 Track Mind</b></i> (<i>Virgin/EMI</i>) sale en febrero de 2014, y aunque las cuatro composiciones aquí presentes muestran mayor inclinación hacia el <i>hard rock</i>, la premisa bluesera se mantiene intacta en temas como <i>So They Say, I Don't Want To Know, Still Gonna Drive You Home</i> y el sencillo <i>Hard To Say No.</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Y aun así, a The Strypes no los podía detener nadie, ni siquiera su ajetreado ritmo de vida como estrellas de <i>rock</i>, sobretodo a la hora de componer nuevas canciones para su segundo álbum de estudio, las cuales fueron concebidas en sus ratos libres. Sin embargo, para llevar el asunto al siguiente nivel, se pusieron en contacto con productores como Charlie Russell y Bradley Spence, cuya colaboración fue tan productiva que la banda se vio obligada a dedicarse expresamente al estudio de grabación, necesitando tan solo una semana para completar el material. </span>Dichos productores, en palabras de la propia agrupación, les enseñaron nuevos conocimientos en cuanto a técnicas de grabación en el estudio y los motivaron a dedicar mayor atención a los detalles en lugar de apresurarse en plasmar un LP en tan poco tiempo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Todo ello da resultado a una producción rica en matices que busca un salto de género, ambición y ganchos <i>pop </i>en temas como<i> I Need To Be Your Only, Queen Of The Half Crown, (I Want To Be Your) Everyday, Cruel Brunette</i> y <i>Status Update.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhveALLcoitULFL_uhmsdV8q-QT7Kpzj5Ga2FfhG3rN1h4G1pcn2wcp8qHxcy2scbjjqa9dIOA6l-zEqMrZivwI_hi8opp3-4Dt9n1wKa1SbHi5vq5rFh2Tnl3TFDLE-l-ly5CUBO15EiSO/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Scumbag City, Eighty-Four, Get Into It</i> y<i> A Good Night's Sleep And A Cab Fare Home</i> fueron editadas como sencillos de este álbum.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><b><i>Little Victories</i></b> (<i>Virgin/EMI</i>), lanzado en julio de 2015, muestra a Los Strypes rompiendo por completo con el <i>pub rock</i> añejo que tanto los distinguió en un principio para aventurarse a sonidos más contemporáneos como el <i>indie rock</i>. Y aunque el cambio sea un poco abrupto en una primera escucha, el cuarteto de Cavan logra presentar un disco mucho más variado y ¿por qué no?, arriesgado, llevándolos a alcanzar el primer lugar en las carteleras de éxitos muy a pesar de la tibia recepción de la prensa musical.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Posteriormente a la consecuente gira mundial en apoyo del disco y conquistando lugares tan remotos como Japón en el proceso, la agrupación se da a la tarea de componer nuevo material en sus respectivos hogares y presentarlo en una serie de recitales pequeños con el fin de ver la reacción de sus fans. </span>Pero un buen día mientras grababan las maquetas iniciales en un estudio londinense, otro legendario productor se cruzó en su camino... Ethan Johns, hijo del veterano Glyn Johns, se convertiría eventualmente en el artífice detrás de lo que sería su siguiente propuesta musical.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Durante el otoño de 2016, Ross, Josh, Pete y Evan se dieron a la aventura con Ethan y su equipo para acudir al mítico <i>Rockfield Studios</i> (Gáles) a dedicarse de lleno y por primera vez sin interrupciones a las nuevas composiciones, las cuales, vieron a los cuatro de Cavan tomar una inclinación musical más orientada hacia el <i>new wave</i>, lo cual podemos evidenciar en temas como <i>(I Need A Break From) Holidays, Grin And Bear It, Easy Riding, Get It Over Quickly</i> y <i>Black Shades Over Red Eyes.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIuQJ9gnU7gn9KcTXCon7NfVeMkRBqkdAAAVCGwWH5T-0LkfBwhVFJon7_E3im8hWRgytBO7ukRENe0esQ4XRGgSNKmsci0ROoypQOMv0QwkCbBEoNVkujKhGX7p2lH2bz5rj-WxBJM7dF/s320/cover.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Behind Close Doors, Great Expectations</i> y <i>Oh Cruel World</i> fueron publicadas como sencillos de este disco.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Spitting Image </b></i>(<i>Virgin/EMI</i>), editado en junio de 2017, supuso el tercer e inesperado último álbum de estudio de The Strypes, el cual, se complementa con una palpable sensibilidad por la melodía <i>pop </i>con aroma <i>vintage</i>, una producción mucho más cohesiva y un repertorio de canciones muy maduras y con mayor instrumentación que nacieron de un mayor esfuerzo colaborativo de todos los integrantes en lugar del habitual compositor Josh McClorey.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En soporte a este material, el grupo se embarcó en un lote de conciertos de gran envergadura, desde el <i>BST Festival</i> en el Hyde Park durante el verano hasta una gira mundial que fue documentada por el bajista Pete O'Hanlon en una serie de diarios fílmicos de 62 episodios.</span></p><div class="separator" style="clear: both;"><div style="text-align: center;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdjpKNjvj3f8V7ZHxWCQ_CuIYWAa9ZS1yfTod1oK75POKDn5439N40QMjRGL_IsQDAFw6u0Nl7WZNNWRZ6M-qzlzSW_nJjBPstFVubp4N6Qlq2XkCBARFKrgaBHg6L84qE9Bxt6yHV8p7B/s320/cover.jpg" style="font-size: x-large;" width="320" /></div></div><p></p><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Paralelamente mientras estaban en la carretera durante noviembre de 2017, se publica un tercer EP, <i><b>Almost True</b></i> (<i>Virgin/EMI</i>), el cual presenta descartes de las sesiones del LP anteriormente comentado, con un contraste notable en cuanto a sonido al mostrar el lado más <i>punk </i>del cuarteto en temas como <i>How Could I Forget, Heavenly Soul, Freckle And Burn</i> y la versión del clásico <i>Summertime Blues.</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Aun así, las favorables críticas en torno a los recientes lanzamientos se vieron eclipsadas por las desfavorables ventas de los mismos, lo cual, sumando las diferencias entre el cuarteto y su discográfica en cuanto a visión artística, motivaría a la prematura separación de la banda a finales del 2018 tras la cancelación de fechas por Estados Unidos meses antes. Poco después, McClorey se aventuraría en una carrera en solitario con un considerable éxito mientras que el resto de los integrantes se agrupan bajo el nombre de The Zen Arcade, un proyecto musical con podcast incluido.</span></p><span style="font-size: large;"><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana;">The Strypes, en mi más humilde opinión, lideraron una breve pero decisiva revolución juvenil haciendo lo que mejor supieron hacer, tocando <i>rock 'n' roll </i>a la vieja escuela y demostrando en el proceso que el género nunca va a morir mientras su música se mantenga con vida. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/XHl7v3GL9PA" width="320" youtube-src-id="XHl7v3GL9PA"></iframe></div></span><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-72183356230259401692021-11-27T20:00:00.002-04:002023-10-06T05:54:14.139-04:00KULA SHAKER - K 2.0<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Existen momentos significativos en la vida de todo ser humano, para mí, dos eventos me han marcado profundamente: el día que aprendí a meditar y la primera vez que escuché a Kula Shaker, ambos cuales me llevaron a alcanzar un estado de espiritualidad tan alto como el nirvana.</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="375" data-original-width="750" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiuyRC-I13HBhAMZNGS05agZ6jkRb7rS6IEp6b5C15g9zHek-Ygdtufy8b-4UpGSbtJYl5tIZd7zbmnqVmiaagNMp7grj45q5dSj5JdkQXr8mfJcEe7zQ324RDhyt4NH2qZtaXGNMShiWq/w640-h320/kulashaker.jpg_1464698027_crop2.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Kula Shaker es una banda británica liderada por Crispian Mills (cantautor), Alonza Bevan (bajo), Paul Winterhart (batería), y por último Harry Broadbent (teclados), quienes</span><span> se convirtieron en uno de los grupos más prometedores de mediados de los noventa cuando su debutante </span><i><b><a href="https://rincondelroquero.blogspot.com/2019/09/kula-shaker-k.html" target="_blank">K</a></b></i><span>, incorporando elementos de la cultura hindú en su impronta de </span><i>rock psicodélico</i><span>, fue el de más rápidas ventas de 1996. Sin embargo, su segundo álbum, </span><span><i style="font-weight: bold;">Peasants, Pigs and Astronauts </i>(1999)</span><span>, motivó a la ruptura.<span></span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Casi diez años después anuncian su regreso a los escenarios con un puñado de ideas renovadas que dan forma a <i><b>Strangefolk </b></i>(2007), un proyecto con una mayor aproximación a la música <i>folk</i>. Cada vez más motivados por las exitosas giras, la nostalgia de su leal legión de fans, libres de ataduras<i> </i>y con el control de su música, Mills sacó otro proyecto adelante con <i><b>Pilgrim's Progress</b></i> (2010), un empaque mucho más elaborado.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="422" data-original-width="750" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibSMGXPzCPno6ubb_dkHJ78QkvIalk3-_OcnYsvuvfCTPCIOjI8RnBK3sRuz-h6uoDwnKnVJOdXgFuJzDIvEOWLICPWI7_dXIlHGPK4aQOYX_IxkQx95mSF2JGahtVFY3UbnjCx60EXRrA/w400-h225/cyprian_slideshow.jpg" width="400" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Pero cuando todos daban a Kula por acabados, es cuando regresan en plenitud de facultades con un compendio de once composiciones dinámicas, maduras, trascendentales y exquisitas, con algunas de las letras más brillantes compuestas por Crispian, en las cuales lo vemos reflexionando acerca de su propio legado.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Las grabaciones tuvieron lugar en diferentes estudios, principalmente <i>State of the Ark</i> (Londres) y <i>The Tea Rooms </i>(Bélgica), supervisadas por la propia banda, en las cuales regresaron a sus raíces para otorgar una segunda parte, o mejor dicho, una versión 2.0 de aquel anecdótico debut:</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="736" height="217" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7TUN2KS4w72zZig60enA8erpe2JBdzZxO6FBlX1lRo7e6cefB39THr21FPOLW0E0w_O26dv1_bB-gIsQ5oi36m-nusUYiFJ34rzAaYKnHZ1HWhZxePc0-rcmNfpr0FIOhqralM5ZGfv5uvZU4JASR_H6DsAJqFHjqB6Zk6VsE2jY1i_RxHIVdlLJn70Ji/w400-h217/KS-23-copy.png" width="400" /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Infinite Sun</i>: Con una <i>intro </i>de sitar que nos remite al primer disco, le sigue un coro cantado como una especie de <i>mantra</i> que termina convirtiéndose más adelante en el verso principal del tema, y poco después las guitarras eléctricas irrumpen en un pegadizo <i>rock psicodélico</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Holy Flame</i>: Esta supone un contrapunto a la anterior, ahora, un medio-tiempo acústico domina los versos de la melodía hasta la llegada de un estribillo vigoroso con unos ramalazos de guitarras <i>à la Britpop </i>ya avanzando al final.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Death Of Democracy</i>: Un <i>rock and roll</i> con toques del medio oeste, junto a unos versos principales realmente dinámicos que se complementan a la perfección con un estribillo que remite a The Kinks.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Let Love B (With U)</i>: Otro de los sencillos extraídos del álbum y mi canción preferida del lote, un <i>soul </i><i>jazzístico </i>con unos versos sumamente pegadizos y un estribillo principal intenso.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Here Come My Demons</i>: Comenzando por una <i>intro </i>acústica y sombría, la misma se complementa con unos versos que mantienen esa senda hasta adoptar una postura <i>hard-rock </i>con un trabajo de guitarras sintético que continúa durante las siguientes estrofas hasta un <i>outro </i>que retoma el verso principal.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>33 Crows</i>: Una balada en tono <i>country</i> cuya letra puede interpretarse como una reflexión de un amante a otro amante en torno al trayecto de su relación de pareja, la cual ha pasado por un viaje turbulento en medio de un camino largo y sinuoso.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Oh Mary</i>: Otro medio-tiempo que no hubiera desentonado en el <i>Revolver </i>de The Beatles gracias a su melodía, que va acompañada de una interpretación muy pegadiza durante las estrofas y aún más durante el cambio de ritmo a mitad.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>High Noon</i>: Una tonada acústica muy romántica con elementos áridos, acompañada de unos versos sencillos pero armoniosos donde la canción encuentra un impulso durante el estribillo, el cual se torna mucho más dramático pero natural en todo momento.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Hari Bol (The Sweetest Thing)</i>: La pieza instrumental por defecto cantada en Sánscrito, cuyo título hace alusión al saludo propio de los Hare Krishna, por lo que vendría siendo un canto hacia los santos nombres del Krishna.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Get Right, Get Ready</i>: Un <i>funk-rock</i> con unos versos muy guitarreros que se van repitiendo hasta el arrollador estribillo, donde el sitar, los pedales <i>fuzz </i>y el órgano <i>Hammond </i>hacen de un agregado significativo a esta repetitiva pero cumplidora composición.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Mountain Lifter</i>: Una pieza acústica mucho más progresiva que se construye bajo unos versos continuos hasta intensificar la melodía durante el estribillo a niveles más eclécticos con toques <i>spagetti</i> <i>western</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwskymq0mFI_-YImZoT5JRdc1-JDOThgpAguAl9edE92LeEIv6W2nm8CMvrBNr34GmmJ2CZqmd2emow7-2WUTwhz46MeoZBITBViFW_JNvAv3claOk2x_flWGcUag3NuvvXXmCwFWAo7KU/s320/Front.jpg" width="320" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>K 2.0 </b></i>(<i>Strangefolk Records</i>) es el quinto álbum de Kula Shaker en sus ya 25 años de carrera discográfica, y a su vez, otro sobresaliente capítulo en la mística historia de Crispian Mills, Alonza Bevan, Paul Winterhart y Harry Broadbent. Para la ocasión, los londinenses optaron por continuar la senda marcada por su aclamado debut, pero bajo una mirada más contemplativa y orgánica.</span></p><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Para la presente fecha, Kula Shaker se encuentran mezclando el que será <a href="https://rincondelroquero.blogspot.com/2023/09/kula-shaker-1st-congregational-church.html" target="_blank">su próximo álbum de estudio</a>, el cual supondrá otra vuelta de tuerca al sonido tan característico de este grupo de <i>raga-rock</i>, pero por ahora, ¡Haribol y hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/o_2M2L42Hcg" width="320" youtube-src-id="o_2M2L42Hcg"></iframe></div><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-27408635259759592462021-08-15T20:17:00.003-04:002022-12-21T19:01:02.845-04:00EL NOMBRE DE ESTA BANDA ES TALKING HEADS<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Cuando entramos al mundo del <i>rock 'n' roll</i>, nos encontramos con personajes que se rigen ante la norma establecida en el manual de todo artista. Sin embargo, Chris Frantz, Tina Weymouth, David Byrne y Jerry Harrison tenían claro que su banda, Talking Heads, iba a romper las normas y a establecer las suyas propias.</span></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1270" data-original-width="2000" height="406" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfh1MkZ9ml9yjs3iMyT4cxdM2f96VQyXGfuotd7oTNZVy4vFR52gwkff8P7Sip6Tq5LHARUjGFitDPIepztDsP1o9TM2wm_w8bfF9s6dFv92qtmoHAeRtO42fA-MhcQ7P3rtOhjBxQfihC/w640-h406/GettyImages-142765984.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Todas las agrupaciones tienen sus raíces, y a pesar de que los cuatro provenían de distintas partes de los Estados Unidos, la Escuela de Diseño de Rhode Island los unió, una vez Byrne (<i>frontman </i>y guitarrista) y Frantz (baterista), ambos estudiantes, formaran The Artistics en 1973. Poco después, ante la imposibilidad de encontrar un bajista, la novia de Chris, Tina, tomó lecciones de bajo y el sonido que buscaban iba cobrando forma.<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>En 1975 los ahora Talking Heads se presentan en el recinto <i>CBGB's</i> en Manhattan (Nueva York) como teloneros de los Ramones en plena oleada <i>punk</i>, sorprendiendo a los ejecutivos de <i>Sire Records</i> tanto como para un contrato con la disquera, declinando ofertas tentadoras hasta del mismísimo Lou Reed. </span><span>Sin embargo, algo faltaba, y como muy bien dijo </span>el último miembro en integrarse a la banda, Jerry (guitarrista y tecladista), ellos lo necesitaban a él.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Para principios de 1977 no sólo se vería el despegue con su irónico sencillo <i><b>Love </b></i><span style="text-align: center;"><i><b>→ Building On Fire</b></i>, sino también el álbum debut <i><b>77</b></i> (<i>Sire</i>), lanzado en septiembre del mismo año y producido por Ed Stasium, dentro del cual destacamos canciones que transmiten </span><span style="text-align: left;">un mensaje moderno sobre la importancia de hacerte cargo de tu propia vida</span><span style="text-align: center;"> como lo son <i>New Feeling, Tentative Decisions, Happy Day, No Compassion</i> y <i>Don't Worry About The Goverment.</i></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: center;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmI2-oSIdLOhHLwAFt7pmbG88DRVjn4nI84Z3A6rZQTvlHNx-r92XcMep5sLOYs4tCdNn-p9sbWA1fto_Th-76mYYWWgCB5UMYUGrAa-jO0llgro0jScYNhk0HfTetf93v8hTKMix1Qntq/s953/1977+-+Talking+Heads+77+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmI2-oSIdLOhHLwAFt7pmbG88DRVjn4nI84Z3A6rZQTvlHNx-r92XcMep5sLOYs4tCdNn-p9sbWA1fto_Th-76mYYWWgCB5UMYUGrAa-jO0llgro0jScYNhk0HfTetf93v8hTKMix1Qntq/s320/1977+-+Talking+Heads+77+01.jpg" /></a></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Los sencillos extraídos aquí fueron<i> Uh Oh, Love Comes To Town, Pulled Up</i> y la trascendental <i>Psycho Killer.</i></span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">A pesar de que el LP no fue un éxito de ventas, recibió una buena acogida por parte de la prensa musical, la cual destacaba la intelectualidad dentro del <i>new wave</i> de los neoyorquinos, lo que motivaría a distintos productores a interesarse en ellos, sobretodo Brian Eno.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Eno, ex-Roxy Music e indiscutible pionero de la música ambiental, conectó enseguida con la banda, cuyas inquietudes artísticas junto con la técnica del productor marcarían una colaboración sin precedentes. El resultado fue el LP <i><b>More Songs About Buildings and Food</b></i> (<i>Sire</i>), dentro del cual se nota un perfeccionamiento de lo que escuchamos anteriormente en canciones, efectivamente, sobre edificios y comida como <i>The Good Thing, Warning Sign, Found A Job, I'm Not In Love</i> y <i>The Big Country.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjzdiwSmdMbV1tZcjIT4alQIADTjCm6gCqMUqLdblb6EnXclMh2shVGacggDrvyJEVrpSUY03Ufh5hGva3Kq0k5csC16Ar3cOkhCHfhinoO7zDNuwQsa1Rbg6cMQdE4sDSKj6ZV1OOBchx/s320/1978+-+More+Songs+About+Buildings+and+Food+01.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Take Me To The River </i>(original de Al Green) fue el inusual sencillo que dio a conocer a este inusual grupo.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">La producción de Brian dota de mayor énfasis al trabajo rítmico del matrimonio Frantz-Weymouth, por lo que el disco supone una propuesta mejorada del anterior y a su vez anticipa lo que estaba por venir...</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">A pesar de tener un sencillo muy popular en el mercado, ellos no querían ser encasillados como una maquina de hacer éxitos, por lo cual Talking Heads pasó la primavera de 1979 grabando en el loft de Tina y Chris (Long Island), y las canciones pasarían de posicionarse en situaciones mundanas a la distopía total bajo un mismo concepto sonoro.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">«Talking Heads tienen un nuevo álbum, se llama <i><b>Fear Of Music</b></i>»... Así sonaba el comercial radial que anunciaba éste LP (<i>Sire</i>), lanzado en agosto del mismo año, el cual muestra al cuarteto expandiendo su paleta sonora hasta límites insospechados, una mezcla poco convencional de <i>psicodélia, rock electrónico, post punk, avant garde</i> y <i>pop </i>con temas como <i>Mind, Paper, Memories Can't Wait, Air</i> y <i>Heaven.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZC0kep1CF7Mc-b7DGUvGqn_45SZ5ZbSbY2sKFOyZRQW4o1FmcrKVuom9sDJDFIgC3rtUOiFcigo5QqRnLUXdWuhKoSqMZ95niRRdlrtmeuvk__OvCfiIX-b7wuDi7jw-rp7UuBKWJ5uiS/s320/1979+-+Fear+of+Music+01.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Sencillos como<i> I Zimbra, Life During Wartime</i> y <i>Cities </i>cimentaron las bases de mi álbum favorito de Talking Heads.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><span>Tras esto, los integrantes se embarcaron en una gira por el continente asiático que los dejó exhaustos, cada vez más hartos de ellos mismos y con</span> Byrne sufriendo el bloqueo de autor. Pero a principios de 1980, la banda viajó hasta las Bahamas, donde Frantz y Weymouth adquirieron un inmueble encima de un estudio de grabación. </span>Para darle un enfoque distinto al asunto, emplearon la improvisación como punto de partida, y con la ayuda de Eno, la banda ya no tuvo más miedo a la música.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">«Talking Heads tienen un nuevo álbum, se llama <i><b>Remain In Light</b></i>»... En octubre de 1980, las radios americanas escuchaban este anuncio y el <i>pop </i>como lo conocemos cambió para siempre con este disco (<i>Sire</i>). Bajo una amalgama de <i>funk, afrobeat, avant pop, art rock</i> y <i>new wave</i>, temas como <i>Born Under Punches, The Great Curve, Seen And Not Seen, Listening Wind </i>y <i>The Overload</i> suenan tan revolucionarias 40 años después.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEmCOCJvYZJp1OWJkixfd5goRXHpByRg-wcdkbV7fCjIEB7yzYKgid_YoM_yTRLcHVLRSRJGsMbiKSKSO7AZbL05aBpu4-TfNEcwDx-DfzDDFf2wyT1YCB2IJaeO8UzzWxtx_9StVysmiS/s320/1980+-+Remain+In+Light+01.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Crosseyed And Painless, Houses In Motion</i> y la trascendental <i>Once In A Lifetime </i>fueron los sencillos aquí extraídos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">La agrupación incorporó elementos tan innovadores a su repertorio que el guitarrista Adrian Belew y ocho músicos afroamericanos fueron integrados en su consecuente gira mundial. Dicha gira (y las precedentes a ésta) fue registrada en el álbum en vivo<i><b> The Name Of This Band Is Talking Heads</b></i> (<i>Sire</i>) de 1982.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="608" data-original-width="1000" height="244" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmkYAeGPEcjt4s2ofzcR4S9noH8Xzh-6Afw90pHdyVjR2NuquYa3ChGbPAf_bCxVc7e33BeAzEyD5Q8DbiT9DzXm447Er68Pmc3L5n47sb6M36A3nmCEFYujZqOpPPjOThJDI9AySVD5ia/w400-h244/131f136d74f9afbadee65532f4a06079.jpg" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Mención aparte para el tema<i> A Clean Break (Let's Work)</i>, un sobresaliente en el directo.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tras un hiato dedicado a proyectos alternos, las Cabezas Parlanchinas editarían su ansiado quinto álbum de estudio en junio de 1983 <i><b>Speaking In Tongues</b></i> (<i>Sire</i>), el cual los ve hablar en lenguas y fluidamente sin Brian Eno. Bajo una producción menos compleja y más sintética, podemos destacar <i>Making Flippy Floppy, Slippery People, Swamp, Moon Rocks </i>y <i>Pull Up The Roots.</i></span></p><p></p><p></p><div class="separator" style="clear: both;"><div style="text-align: center;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwOkRjuMhMkepLSOzyGBTe_QdHtqqMXGVUVZAyXsPBmSNYJrhPJ9yGexAFw_udI0QCfFc0YfiH3j7__uTL6wpDziUAy42WLFtU4zz8xCsfEpMxHykbZNhv25AXuxN6hVs1yaGoMZeJzxID/w320-h320/1983+-+Speaking+in+Tongues+01.jpg" width="320" /></div></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Burning Down The House, This Must Be The Place</i> y <i>Girlfriend Is Better</i> fueron los sencillos más exitosos en la historia de la banda.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>El LP no solamente trepó hasta lo más alto de las listas de éxitos, sino que se consagra como el más popular de Talking Heads, gracias a un sonido muy bailable, fresco y <i>funky </i>sin obviar la expansión musical. </span>Dicho crecimiento se vería en el filme<i><b> Stop Making Sense</b></i> de 1984, el cual documenta a la banda en su última gira bajo la dirección de Jonathan Demme y con una puesta en escena apoteósica.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="550" data-original-width="900" height="245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4LKjvZXCan2ghq-bUxomBaLV52fJWTk910xd4QzR2nLoIF8sZTMrpan0tXkewPATR-1gl2aCx2HYkqavoUekt-hkxPzxc_m-2b-yTTZVzZ8d5QmZMkxA-O76HgOIJQr4dcdvjKBI5r1wD/w400-h245/StopMakingSense-Majestic-081019-Web.jpg" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Mención aparte a la canción <i>What A Day That Was</i>, una joya en vivo.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tan pronto como salieron, entraron al estudio para grabar un disco que supondría toda una vuelta de tuerca. Editado en junio de 1985, <i><b>Little Creatures </b></i>(<i>Sire</i>) fue un regreso a lo básico para Talking Heads, reducidos nuevamente a un cuarteto y presentando canciones más accesibles pero maduras como <i>Give Me Back My Name, Creatures Of Love, Perfect World, Walk It Down</i> y <i>Television Man.</i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnijThDrXND3lDanfKa8V9WcOWGj0TJuQlO1eV-W5gV7VgzQy2Y5HEN3CbFjwmasaoJPb1bovDloUiXjjR4Scx_JIf7GiptWAFyLLZkKoKKKz2lFbB3Mx_cPhj6dpGt8u-Ehoh4FRb082X/s320/1985+-+Little+Creatures+01.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>The Lady Don't Mind, Road To Nowhere, And She Was </i>y<i> Stay Up Late </i>fueron quizá los sencillos más <i>pop rock </i>del grupo.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">El LP, uno de los más consistentes de la banda, se convirtió en el de mayores ventas de su catálogo discográfico, llegando al no.10 del <i>UK Album Charts </i>y en el no.20 al <i>Billboard 200.</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Enseguida, David Byrne haría su debut como cineasta en el filme <i><b>True Stories </b></i>de 1986, una comedia que sirve de sátira musical del sueño americano, cuya banda sonora corrió a cargo de la banda en un álbum de estudio homónimo a la película (<i>Sire</i>). Aunque el LP deja mucho que desear, composiciones como <i>Papa Legba, Dream Operator, People Like Us </i>y<i> City Of Dreams</i> sobresalen.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3uGn_mllH2_slj3_5Udc8TrdU-PmprPnhglynagQCAB8E0i6g0lIWxTL-xpQnAeLTihj7ibbLpM9MFCm5urmfYkqJlo8C0GcnQBQVx5x1s4Kbkz6MfuOXUp-pFgzSRbAEUJAgyPqYFIuK/s320/1986+-+True+Stories+01.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><span><i>Love For Sale, Hey Now, Puzzlin' Evidence</i> y <i>Radio Head </i>se lanzaron como sencillos promocionales</span>.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Un año más tarde, la agrupación decide elaborar el que sería su octavo álbum de estudio, ésta vez en una localidad de París con el productor Steve Lilywhite y acompañados de una camarada de músicos internacionales, entre ellos Johnny Marr de The Smiths.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Naked </b></i>(<i>Sire</i>), lanzado en marzo de 1988, es un trabajo extravagante de <i>worldbeat </i>con una lírica más sagaz en temas como <i>Mr. Jones, Ruby Dear, The Democratic Circus, The Facts Of Life</i> y<i> Mommy Daddy You And I.</i></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbRmoo8ltDiXd0V7HUyoFfVKQZuFsRl04DM49yHuKNPBKCpnxIisDGTkIpFtNxX-VhmEPT_7Yk2dEslBCt-4ruoFQfm03eqzksxR113Mr9ZwEmpdnI_jeG1L_UqWw5n9JPgV90WnPlTGIv/s320/1988+-+Naked+01.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Blind </i>y <i>(Nothing But) Flowers</i> fueron los únicos sencillos del LP.</span></h3><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Han pasado ya treinta años desde la separación de Talking Heads, motivada por la aspiraciones solistas de David Byrne y una relación cada vez más tensa con sus compañeros de banda, pero aun así, somos muchos los que seguimos esperando esa ansiada reconciliación. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/KeDf-1Wr-Ks" width="320" youtube-src-id="KeDf-1Wr-Ks"></iframe></div><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-29875380928168470342021-06-15T19:48:00.004-04:002022-12-20T21:12:31.820-04:00TIM BURGESS - I LOVE THE NEW SKY<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tim Burgess es conocido como el cantante de la banda británica de <i>rock </i>The Charlatans, aunque en realidad, él ha llevado una carrera solista consolidada hace un año con su cuarto álbum de estudio, <i>I Love The New Sky</i>, sobre el cual tuve el honor de entrevistarlo para la presente reseña.</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="641" data-original-width="1080" height="380" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs5pzO4iFA_1uf4fNvXPtkq726vAYCoHLFDw_ylo2dN3o5hUqwppOIkKCg9WOVX8xIHrHb8llgnfGTcm9wOXxFOQF-lOpoO-c7dEX6gC_LvLiVulUjGlRq8sE9r-L_zezYcGNmBZ-ZARyI/w640-h380/97e47eb7-9a18-4891-8065-9fb0769af383.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Si bien, Timothy Allan Burgess, nacido un 30 de mayo de 1967 en la ciudad de Salford (Reino Unido), ha desempeñado una impecable y longeva carrera como el vocalista de The Charlatans (<a href="https://rincondelroquero.blogspot.com/2020/10/the-charlatans.html" target="_blank">reseña</a>) durante los últimos treinta años, pero sinceramente, éste hombre ha formado parte de cantidad de proyectos musicales y ha demostrado que es un artista multi-facético. Podemos mencionar el hecho de ser DJ, tener su propio cereal con <i>Kellogs </i>(un <i>one-off</i>), el comedero de café <i>Tim Peaks</i>, cuatro libros bajo su autoría y su sello discográfico independiente <i>O Genesis.</i> Y aún así, a Tim Burgess no hay quien lo detenga.<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>A raíz de la pandemia del <i>COVID-19</i>, en marzo de 2020 elaboró el fenómeno en Twitter conocido como <i>Tim's Listening Party</i> (<a href="https://timstwitterlisteningparty.com/" target="_blank">website</a>) en el que el cantautor convoca a sus seguidores en la red social para escuchar y tuitear en tiempo real álbumes con la participación de los propios creadores, rompiendo la barrera entre el fanático y el artista, otorgando la sensación de una fiesta de escucha.</span> </span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNkT6nR3-8jqnw3pi3Gz7nNMrbHD6QU8dPoI0XjnnbRcjJhTujXZ50DB-9OyE9Osgnjfd6h3Deu4jnQupS5qf93tLW9C_yFRQYQnv78b8BFM2cxPW_VqofCP3KtMZuDLvzsX5nPYSrvYfv/w400-h266/A6E2435E-923F-4D67-AEAD-C4115AFAD975.jpeg" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Las <i>Listening Parties</i> con Tim han sido una sensación para los amantes de la música durante el encierro.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Sin embargo, Tim ha conllevado una carrera en solitario, comenzando con su debut <i><b>I Believe</b></i> (2003), en el cual se desprendía de sus Charlatanes para explorar posibilidades sonoras más inspiradas en géneros como el <i>soul </i>y el <i>country</i>. Así nos lo cuenta Burgess:</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><blockquote>«En ese primer álbum en solitario, podía sentir el sol de Los Ángeles guiándome. Mirando hacia atrás, estoy realmente satisfecho con los resultados. A veces es difícil criticar tu propio trabajo sin ser demasiado duro».</blockquote></span></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Casi una década más tarde, se edita su segundo LP, <i><b>Oh No I Love You</b></i> (2012), originado a partir de una colaboración con Kurt Wagner (Lambchop) y el productor Mark Nevers en Nashville, ciudad la cual le otorgó el sonido que estaban buscando según nos asegura Burgess:</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><blockquote>«Definitivamente. Adoro absolutamente a Lambchop y fue un gran privilegio poder trabajar con él (Kurt Wagner), y luego poder llamarlo amigo realmente me dejó alucinado. Invité a Nashville a ser miembro de la banda y parte del disco. Mark Nevers es un genio absoluto y ayudó a dar forma al álbum en lo que se convirtió».</blockquote></span></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tiempo después, Tim saca a la luz unas grabaciones de 2008, parte de un proyecto con gente como My Bloody Valentine, The Horrors, Primal Scream y The Klaxons, bajo el título de <i><b>As I Was Now</b></i>, su tercer álbum de estudio (2018), con canciones más espontáneas. Cuando le pregunté a Burgess acerca del tardío lanzamiento, ésto fue lo que nos confesó:</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"></span></div><blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">«La verdad es que creo que me había convencido de que se había lanzado. Estaba en mi iPod y las pistas aparecían cuando las escuchaba en modo aleatorio. Un día me di cuenta de que otras personas no conocían las canciones y que en realidad nunca había llegado a las tiendas de discos; escuché y hablé con todos los involucrados y todos decidimos que sonaba fresco y que merecía ocupar su lugar en el mundo».</span></div></blockquote><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Pero poco antes de la llegada del virus, Tim había estado grabando material por su cuenta y conformando una banda de acompañamiento con músicos que lo ayudaron a grabar un álbum sorprendente, personal y redondo en el que el cantante de los Charlatans demuestra que es mucho más que el cantante de los Charlatans...</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">«Sí, siempre he podido separar a The Charlatans del trabajo en solitario y me tomó un tiempo tener todo listo para hacer un álbum solista; desde el primero, encontré mi paso y tengo un pequeño grupo fantástico de personas con el que estoy trabajando en material solitario. Luego, cuando volvemos a reunir a The Charlatans, se siente bien trabajar con la gente que conozco tan bien» - Tim Burgess.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div></blockquote><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1270" data-original-width="2000" height="254" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzgf58wQozyQYQ0UJiGi-iKGnNbfWvxNKhqzd4ydoLFZI36i5dunsMN2QMk2Z4gL5LySG_M3EPHqeEDhfQQleKqRrNll77FM39oxmtSdoOLyIQYwl8z-dk8HlPaZ39sAL39HyzFynMoBrC/w400-h254/charlatans-pixlr.jpg" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Tim Burgess es un músico que toma prestado elementos de sus ídolos musicales para moldear su propio estilo en sus canciones.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Y como puede notarse, este lanzamiento difiere mucho con respecto a sus antecesores, ya que no hay ninguna colaboración con otros artistas ni nada por el estilo.</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><blockquote>«Creo que todos tenemos algunas versiones de nosotros mismos a medida que crecemos y envejecemos, es solo que la mayoría de la gente no graba un álbum que luego se queda para todos los que lo escuchan. Tal vez sea como un álbum de fotos, las diferentes versiones de una persona capturada en las imágenes. El viejo Tim era, de hecho, el joven Tim y yo soy mayor ahora. Somos todas esas personas, pero cambiamos un poco. Dejé algunos malos hábitos atrás y encontré algunos mejores» - Tim Burgess.</blockquote></span></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Éste conjunto de temas suponen lo más íntimo y revelador que el cantante de los Charlatans haya escrito hasta los momentos, con tópicos referentes a anécdotas del pasado, reflexionando sobre su presente y en cierta medida, meditando su futuro. En propias palabras de Tim:</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><blockquote>«Siempre me ha inspirado mi entorno, he tenido la suerte de no sufrir demasiado con el bloqueo de autor. L.A. era un lugar en el que disfrutaba la vida, pero no era realmente un lugar saludable para vivir hacia el final, así que sabía que necesitaba un cambio. Ese es quizás un factor importante para mantenerse inspirado, sabiendo cuándo se acaba el tiempo en alguna parte».</blockquote></span></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Burgess recoge una amplia pero bien centrada gama de influencias que ayudan a entender hacia donde apuntan los dardos, con una producción bien acabada y arreglos exquisitos gracias a la colaboración de Daniel O'Sullivan, Jim Spencer y Nik Void, principalmente.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">El LP fue grabado de primera mano en los <i>Eve Studios</i> (Stockport, Manchester) para culminar en los legendarios <i>Rockfield Studios</i> (Monmouth, Gales) donde los Charlatans grababan a mediados de los noventa sus mejores discos.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Las etapas finales del álbum se llevaron a cabo en los <i>Aerial Studios</i> (Carmarthen) y en <i>Jet Studios</i> (Bruselas), con la sección de cuerdas Echo Collective dotando de magia a las canciones según Tim Burgess.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="900" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMGIv1YrGaJ1lnT0w9OAxnqk8IsUg0M4xAtuGSMCakkOqEpq3alWP0KYBQa8yJ9wj0cOA24n6HVRiX5iLpNSx0tk7H1vCCIKwnuJqRrMkSB82EIYdvj90lX8waEi1ts2WRTdr9a3-x4T2V/w400-h266/GUNWUMG25FC45KQ7BEDTZCNAJA.jpg" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Con <i>I Love The New Sky</i>, Tim intenta canalizar canciones maravillosamente conectadas de experiencias universales, todas bajo arreglos muy elaborados pero orgánicos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Empathy For The Devil</i>: Damos inicio al álbum con el primer surco, un medio tiempo coreable en clave <i>gospel </i>-e inspirado en <i>Boys Don't Cry</i> de The Cure- con una exquisitez sonora irresistible gracias a unos violines de Peter Broderick que lo ponen todo en su sitio, junto con el gran trabajo vocal de Tim y las guitarras de Mark Collins.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Sweetheart Mercury</i>: Este es sin duda uno de los temas más infecciosos y sofisticados del disco, el cual se inspira en el rol como padre que Burgess ha llevado desde el nacimiento de su hijo en 2013 junto con Nik Void. La melodía en este corte supone lo más bailable de todo el álbum, tomando inspiración de Prefab Sprout.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Comme D'Habitude</i>: Para el tercer número, nos encontramos con una pieza más reposada, dirigida por el piano, musicalmente ambiciosa en todo momento con sus cambios de ritmo (inspirados en Kate Bush) y líricamente críptica. El título de la canción traduce del francés la frase «como de costumbre».</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Sweet Old Sorry Me</i>: En mi opinión, ésta es una de las canciones más reveladoras de todo el LP, en la cual vemos a Tim reflexivo acerca de su pasado en Los Ángeles cuando sus adicciones con las substancias hacían mella en él. Por otra parte, la pieza está musicalmente influenciada en Harry Nilsson, gracias al protagonismo del piano y el saxofón tocado por Alex Ward.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>The Warhol Me</i>: Una de las más ambiciosas pero sumamente experimental composición del disco, contando con un estilo rítmico más expansivo y a ratos <i>psicodélico</i>. A pesar de que el título se pueda considerar como una auto-referencia por parte de Burgess, en realidad es un tema que toma a Nueva York como punto de referencia para describir numerosos hechos.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Lucky Creatures</i>: La canción más singular del LP también supone la más extravagante y porqué no decirlo, la más genuina. El tema en cuestión es un <i>tour-de-force</i> establecido gracias a una dramática introducción de instrumentos de cuerda y sonido <i>soul</i>. Líricamente hace mención a la vida <i>hollywoodense </i>de Burgess, compuesta en L.A. durante una gira con The Charlatans).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>The Mall</i>: En mi opinión, un tema con una enorme musicalidad gracias al marcado piano, armonías <i>a la Beach Boys</i> y apoyo orquestal. La letra de esta pista se inspiró en torno a distintos eventos que solían llamar la atención de Tim dentro del local <i>Boots </i>(Picadilly Circus, Londres).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Timothy</i>: La canción nombrada después del nombre propio de su autor no se queda corta de ser una de las mejores del repertorio, sobretodo si tomamos en consideración la intimidad pero a su vez la majestuosidad melódica del tema, apoyada por una personal lírica y además, un tono vocal más grave por parte de Burgess, acorde con la instrumentación pausada y dinámica.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Only Took A Year</i>: El presente es otro magnifico tema, poseedor de una melodía tan melancólica como hipnotizante, gracias a un trabajo rítmico muy deudor del pop barroco. En la letra de esta composición, Tim va relatando el arco narrativo de un año transcurrido dentro de la creación del álbum que su servidor va reseñando mientras ustedes leen.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>I Got This</i>: Otro excelente tema en mi opinión, debido a su grandioso sentido por la melodía, dirigida por un rítmico piano que se complementa con la lírica tan optimista a la que Burgess quiso orientarse, la cual según él, era un mensaje alentador para su pequeño hijo. Como dice Tim: «el futuro es amistoso».</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i>Undertow</i>: El corte más oscuro de todo el álbum, una balada expresamente dirigida por un sobrio piano y la voz de Burgess en un tono más sosegado. En el plano lírico, se describen los resentimientos derivados de una ruptura con una persona en algún punto de nuestras vidas, ese momento en el cual ya es muy tarde para cualquier forma de disculpa, tal como se nos relata a lo largo de la composición.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><i>Laurie</i>: Sin duda la canción más completa. La melodía en este tema es simple pero realmente inteligente, contando con muchos ganchos pop, una base musical deudora de The Beatles y un coro final con todos los presentes en el estudio al unisono. En cuanto a la letra, Tim la nombra como lo más emocional que haya escrito hasta los momentos y de donde toma el título perfecto para este álbum (el cual estuvo a punto de llamarse </span><span>«For Eternity»)</span><span>.</span></span></p><p style="text-align: left;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVslFiVOuuPSFILgd5Bij3gqssJzA5VA_jo8NzAtbjYyBOCyYK7O_4NCIu_yBQ7CFrXEJisrpQSnoS03hnnwcJcjkTDFRi0_sWDHWCvQrA33JWrzI8E9SitzuldGWWoIILkIPZyiwmY7pJ/s320/cover.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">El trabajo artístico del disco corrió a cargo por la pareja sentimental de Tim, la artista musical Nik Colk Void.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><b><i>I Love The New Sky</i></b> (<i>Bella Union Recordings</i>), lanzado el 22 de mayo de 2020, es el más reciente álbum de Tim Burgess, quien se aleja de su alma mater para mostrarnos sus influencias musicales más inmediatas dentro del <i>rock británico</i>, las cuales toma para construir sus propias composiciones.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Al preguntarle acerca de sus ambiciones a éstas alturas de su carrera, poco antes de acabar nuestra entrevista, Burgess nos regaló una exclusiva para todos sus fans:</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><blockquote>«Simplemente tomo las cosas como vienen y veo qué pasa. No hay mucho que no esté prohibido, actualmente estoy trabajando en un videojuego con dos personas increíbles en Japón: Satoshi y Takekiyo. Es un juego de plataformas en un estilo muy retro con música brillante de 8 bits y muchos invitados del mundo de la música. Debería estar listo para jugar antes de fin de año».</blockquote></span></div><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tim Burgess, como pueden comprobar, es el artista más polifacético de nuestros tiempos, quien ha aprovechado el encierro a causa del <i>Coronavirus </i>para lanzar un nuevo LP, un EP y otorgar a su público en Twitter las <i>Tim's Listening Party</i>, fenómeno que se ha visto retratado hasta en un libro cuyo lanzamiento es en septiembre. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/LEVBvpeEAPc" width="320" youtube-src-id="LEVBvpeEAPc"></iframe></div><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-6741932461743410172021-05-06T20:55:00.002-04:002022-12-20T21:15:34.590-04:00KATE BUSH: LA HISTORIA AL COMPLETO<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Una agradable noche en diciembre pasado me encontraba sólo en mi apartamento, pero acompañado del canal radial </span><span style="text-align: left;">«</span>Stingray Años 70<span style="text-align: left;">»</span> para armonizar la velada. De pronto empezó a sonar una enigmática melodía, seguida de una majestuosa voz femenina - se trataba de una balada con tintes épicos. A los pocos minutos, <i>Wuthering Heights</i> me enamoró y su autora, una tal Kate Bush, conquistó mi corazón.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="1548" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQGSINs7vzJPWbwh56SRw2FxaLsdZSl-QisGyRDzcm-fmoCJ5VbcndjYeDaQyMUwYmHpb1YZoOiLRZ5nsY3_z4XDkVs12aO-oJegYsot9LkHSaTDlqUioD0aJ7zXUyHi5wLVi8mo1RHCpk/w640-h424/kate-bush-portrait-1983-u-billboard-1548-compressed.jpg" width="640" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Catherine Bush, proveniente de Kent (Reino Unido) y nacida un 30 de julio de 1958, comenzó a trazar su camino como cantautora desde temprana edad gracias a composiciones apasionantes sin precisamente saber leer música. Apoyada por una familia musical (su hermano Paddy ha tocado en la mayoría de sus discos), Bush no tuvo dificultad para ensamblar una carrera como muy pocas se hayan visto.<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Kate consiguió un gran impulso con la ayuda de David Gilmour, este motivaría a Bush a elaborar maquetas profesionales para ser enviadas a <i>EMI</i>, quienes la ficharían al instante. </span>Si bien, estos mantuvieron su debut en espera hasta cumplir la mayoría de edad, pero fue un tiempo que ella aprovechó recibiendo clases de interpretación con Lindsay Kemp y volcándose en su carrera tras dejar la escuela.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="362" data-original-width="487" height="238" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi97r4ljguWFQ_XAwRXIMkzTdMFXHY5H1paG8jtPLu2iK2kq_o3Y_OA6Pl8ImBGQmbs-AeMbssBaevF3uyvLKisu1r84A3tWpu8kaeUaerVSq7zfgFOrq42A7i9komThSn7pt5fYf5kmj9X/w320-h238/A-4253308-1424003200-8672.jpeg.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Con su banda, The KT Bush Band, Kate se presentaba en pubs locales antes de su ascenso a la fama.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Su primer disco, <b><i>The Kick Inside</i></b> (<i>EMI</i>), fue editado en marzo de 1978 por una chica de 19 años con un conocimiento musical amplio. Temas como <i>Moving, The Saxophone Song, Strange Phenomena, James and The Cold Gun </i>y <i>Oh To Be In Love</i> son prueba de ello.</span></p><h3 style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnnfh2wgs7P7sZVTsc_LpbT2jlHeRhYIkSjt7GHLK1HrPNrKw57WRrzJBUs-yl-nDRzsild6UWTR_m2B5Aq2iaW2gCrGemv5GibQ-xj-ltLrugiykaDXCIowNEHZgcdXI3y2Ch1PAgX3xN/s320/front.jpg" width="320" /></div></h3><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Los <i>singles </i>fueron <i>Wuthering Heights</i> (inspirada en la novela de Emily Brontë), <i>Them Heavy People </i>y <i>The Man With The Child In His Eyes</i>. Una producción convencional de Andrew Powell y apoyada por músicos de sesión rigurosos.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Habiendo comenzado bajo sus propios términos con el primer no.1 en la historia del Reino Unido compuesto por una mujer, Bush sabía muy bien hasta donde quería llegar. </span><span>Y tras presentar su disco, se puso a trabajar cuanto antes en el siguiente, sin embargo, este no reflejaría sus ambiciones artísticas según ella.</span></span></p><div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>En este contexto, sale <i><b>Lionheart </b></i>(<i>EMI</i>) en noviembre de 1978, conformado por composiciones de años atrás, por lo cual mantiene la vena de su predecesor. </span>Éste trabajo supone un abanico de influencias literarias y comédicas con canciones como <i>In Search of Peter Pan, Don't Put Your Foot On The Heartbrake</i> y <i>Oh England My Lionheart, </i>por ejemplo<i>.</i></span></p><span style="font-size: large;"></span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi89eBp31ZSddwboGYx06sUj-Gp2ClWiuaZAY9XQENFDiv2li1ciqrNiQKT-jdDieSTfEanI7DPvMCh6XYlgKt-ozUYs1D4ASWlRg1ZRGhYNRuyuAfx-J4R08kztmMYBkdyXRvrtcz_6IPE/s320/front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Los sencillos aquí fueron <i>Hammer Horror, Wow</i> y <i>Symphony In Blue</i>. Contando nuevamente con Andrew Powell como productor y junto a Del Palmer como bajista, ingeniero y compañero sentimental.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En la primavera de 1979, Bush se embarcaría en su primera gira con <i style="font-weight: bold;">Tour of Life</i>. Sin embargo, fue una experiencia extenuante que no se repetiría hasta 35 años más tarde. En sus propias palabras:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">«Hacer giras es una situación increíblemente aislante. No sé cómo la gente hace giras durante años. Hay mucha que no puede dejar de hacerlas, y es porque no saben cómo volver a la vida. Es algo irreal».</span></p></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></p><div style="text-align: center;"><img border="0" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJF8tYB8aTgf-G0SRKiK1D72nTYx1Iw3lru45QGUo3JWtHUR_8ItKF3YKgbUZWSVY9NpUfRTSLjoITVxyeP1d8JVlF9p3oeNYpLf94zyms_2OFwsBYlMBuPwei7u-n6-A5xU1eyu_fWzjN/w400-h265/eee.jpg" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Un show que combinaba música, danza, poesía, mímica y teatro. Cabe destacar que Kate Bush popularizó el uso de los auriculares con micrófono inalámbrico.</span></h3></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de este periodo, Bush se vuelca en un tercer álbum de estudio, al cual decide darle su debido tiempo en busca de mayor creatividad y aprendiendo todo lo necesario para producir de ahora en adelante sus discos.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Never For Ever</b></i> (<i>EMI</i>), publicado en septiembre de 1980, supone un trabajo personal y de mayor surrealismo. Podemos destacar temas como <i>Delius, All We Ever Look For, The Wedding List</i> y <i>Violin </i>dentro de ese contexto.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhu0NNAE9b2IfDoC6TFUnvnMWWytNvQ2tHjHP1SvJWuwANHcBYx5hrE5TpnKRty5B47m0IAxTzQJVLObuH4_MQPJNSWXwc5-sHPBU-NbVyApvwUn1seuspLU3u1c7nUu5BP9CGrNxNWLXNK/s320/front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Los <i>singles </i>fueron <i>Babooshka, Breathing</i> y <i>Army Dreamers</i>. Kate produjo este LP con la asistencia de Jon Kelly.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Entrando al no.1 del <i>UK Album Charts</i>, fue el primer álbum solista de una artista femenina en lograrlo. Esto opinaba ella al respecto:</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></div><blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">«Los álbumes son como diarios. Pasas por fases, técnica y emocionalmente, y reflejan el estado en el que te encuentras en ese momento».</span></div></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Ya más adelante, Bush elaboraría -en distintos estudios y durante dos años- un LP innovador gracias al uso del sintetizador <i>Fairlight CMI</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Kate publica <i><b>The Dreaming</b></i> (<i>EMI</i>) en septiembre de 1982, un punto de inflexión en su carrera al incorporar intensidad en lo musical y oscuridad en lo lírico en temas como <i>Pull Out The Pin, Leave It Open, All The Love</i> y <i>Houdini </i>(de la cual se inspira la portada).</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinGRf4SX_jpaZdfXucOTZkT9YsI8bPpNUgVfSSBraOOEnulASrT3d3ol6ImHW0oRU-aQecIfhUlwbQFokUDokX38rXqBZ6cmvrdPLb4cYZMoSiEMj2aHrjtWXNpwAKbC0qvNl5jtsj4be_/s320/front.jpg" width="320" /></div><h3 style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Gracias a sencillos como <i>Sat In Your Lap</i>, el tema homónimo, <i>There Goes a Tenner, Suspended in Gaffa</i> y <i>Night Of The Swallow, The Dreaming</i> mantiene un estatus de culto.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Si bien, el disco no logró las expectativas en ventas y fue incomprendido debido a su inusual producción y canciones excéntricas. </span>Todo esto llevaría a Kate a construir un estudio de grabación en la comodidad de su hogar.</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></div><blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>«La gente se pregunta qué hice durante los tres años entre <i>The Dreaming</i> y <i>Hounds of Love</i>. Lo pasé con mi familia, viviendo una vida normal</span>». - Kate Bush</span></div></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><i><b>Hounds of Love </b></i>(<i>EMI</i>), editado en septiembre de 1985, supuso una creación compleja pero accesible gracias a una primera cara más instantánea, y </span><span style="text-align: left;">hacia la segunda mitad del LP</span> un ciclo de canciones <span style="text-align: left;">que narran los sueños de una mujer arrastrada por el mar bajo el titulo de <i><b>The Ninth Wave</b></i></span>.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4vALfqcwVdqx5cG1LjW_I6m4EQCGiS8f5BwuagZjhUQ4fueXYkpYYsBh7KCPr6C9VeIjF8-K4u0XO5qUo0mwS5az9j-Iu9m_qbWzD_fakN1azSz2QMarhplsMy7LGPxYCnHz6rdiNyqtE/s320/front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Con clásicos como <i>Running Up That Hill (A Deal With God), Cloudbusting</i> (inspirada en <i>A Book Of Dreams</i> de Peter Reich), el tema titular y <i>The Big Sky, Hounds of Love </i>es Kate Bush en estado puro.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Efectivamente, un disco de inesperados giros y arreglos intrépidos, no sin mencionar el evolucionado timbre vocal de Bush.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="font-size: large;">Al año siguiente se editaba <i><b>The Whole Story</b></i> (<i>EMI</i>), que comprende doce sencillos de su carrera junto con el inédito <i>Experiment IV </i>y</span><span style="font-size: large;"> una nueva versión de <i>Wuthering Heights</i>. A la par de esto, Kate realizó un dueto con Peter Gabriel en el tema <i>Don't Give Up</i>.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de dos años, Kate pone en marcha un trabajo más arraigado a la música tradicional irlandesa, con instrumentaciones étnicas y colaborando con el conjunto vocal Trio Bulgarka.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>The Sensual World </b></i>(<i>EMI</i>) fue lanzado en octubre de 1989 por una mujer de 31 años creando historias cortas como <i>Reaching Out, Heads We're Dancing, Deeper Understanding</i> y <i>Never Be Mine</i> dentro de un álbum muy intelectual.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUSroj7NFHMV8ULBB957cwMi2jch1-86dnVlNM-oc2m6T4Ism3N64yhyO0ge-c_Mcol_bC21tzHGdQeQVeBndY7OjAP0UjmREKqWrVjv9p8GBy7aqH7aw75TIZbjUpTH2DrJxzU_gDUKdx/s320/front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><span><i>The Sensual World</i>, <i>This Woman's Work</i> y <i>Love and Anger </i>(con Gilmour a la guitarra) fueron los <i>singles </i>de esta obra</span>.</span></h3><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></div><blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">«Cuando escribí <i>The Sensual World</i>, había usado texto del final de <i>Ulises</i>. Cuando pedí permiso para usar el texto, me rechazaron, lo cual fue decepcionante». - Kate Bush</span></div></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">A pesar de las aspiraciones para materializar una gira a comienzos de los noventa, la idea se vio trucada tras un periodo en el cual Bush perdió a su madre y terminada su relación amorosa -más no la profesional- con Del Palmer. Así reflexionaba Kate al respecto:</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><blockquote><span style="font-family: verdana;">«Han sido años increíblemente intensos para mí. Tal vez no a nivel laboral, pero me han pasado muchas cosas. Siento que he aprendido mucho y creo que mi próximo álbum va a ser bastante diferente».</span></blockquote><p><span style="font-family: verdana;"><span style="font-size: large;">Para su séptimo álbum, Kate conecta con el filme de Michael Powell acerca de una bailarina tan abstraída por su arte que no podía quitarse el calzado de ballet. </span><i><b>The Red Shoes </b></i>(<i>EMI</i>), publicado en noviembre de 1993, supone el LP más sofisticado de Kate Bush, con colaboraciones de Prince, Eric Clapton y Jeff Beck.</span></p></span></div><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk1WnOPDev6AD1mEmM06o5riMBzcRydY3auuY8Ol9jd2oqPK8-v7-QLrorO_001CJfvTteEfWK2Q716znJIIYxswOXsbK_Mm8cShmCrYQxyvHjU1TVae19aYyESYGRsE-M-d6FzRKJWtoV/s320/front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Seis canciones formaron parte del cortometraje <i>The Line, The Cross And The Curve</i>, realizado por Bush junto a Miranda Richardson y Lindsay Kemp.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Durante 12 años de inactividad, Bush formó una familia con el guitarrista Dan McIntosh, dando luz a su hijo Albert en 1998 y así fue como lo describió:</span></span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span></span></span></div><blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>«Me encanta ser madre. Creo que es lo mejor que he hecho en mi vida y personalmente siento que ha tenido un efecto muy positivo en mi trabajo. Creo que es una fuerza alentadora para la creatividad, la alimenta - ciertamente, lo hizo para mí».</span></span></div></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>En torno a ello, se va dando molde a un nuevo álbum sin que nadie se diese cuenta hasta que </span><i><b>Aerial </b></i>(<i>EMI</i>) se edita en noviembre de 2005. Un doble LP de distintos géneros musicales bajo una colección de canciones en la primera cara, <i><b>A Sea of Honey</b></i>, y una segunda cara conceptual, <b style="font-style: italic;">A Sky of Honey</b>, que narra el transcurso de un día de verano.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnkYOkUlBX82ym4UMBvqzmbEShgT4ogVaEof38qSHzVYL7pqb8f1Beu87NsW3LlCnwV0j5GIAnchdMSUDxRmQpEgYxpmK-dGGQ1nZNFXMLqkP5YHiGfWY013YGaszK8NdOLLlnNrTT5I14/s320/front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>King of the Mountain </i>fue el único sencillo de esta obra maestra.</span></h3><p style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Este disco fue catalogado como el regreso triunfal de Kate Bush. Posteriormente, ella se volcaría en la creación de su sello independiente <i>Fish People</i>, y a su vez, en nuevos proyectos...</span></p><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Director's Cut </b></i>(<i>Fish People</i>), lanzado en mayo de 2011, comprende cuatro temas de <i>The Sensual World</i> y siete de <i>The Red Shoes</i> re-grabados. <i>Song of Solomon, Top of The City</i> y <i>Flower Of The Mountain</i> (originalmente <i>The Sensual World</i>) suponen lo más relevante.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="466" data-original-width="700" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8mr6yojYScj0YYwnrbFHxA_PEu6NDMZk4HotKxDE2tdvLiUS85csAxiiK_FpcUHaBoBap1YllMmxjV7Ax2vLqkIlueF434WhMZR-J8B2j5kQc4QFuvfxIAQrn9EKWa0tDbm5LjyooLXfQ/w400-h266/kate-bush-17-01-12.jpg" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><span><i>Deeper Understanding</i>, lanzada como <i>single </i>de este proyecto, cuenta con la voz (computarizada) de su hijo </span>«Bertie».</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">La creatividad de Bush se mantuvo intacta a pesar de re-interpretar sus propias canciones, y durante ese año, grabó otra opera prima en su carrera.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>50 Words For Snow </b></i>(<i>Fish People</i>), publicado en noviembre de 2011, es un álbum ecléctico y abstracto cuyas canciones son una oda a la nieve. Podemos destacar <i>Snowflake </i>(cantada por su hijo), <i>Misty, Snowed In At Wheeler Street</i> (a dueto con Elton John) y <i>Among Angels</i>. </span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="430" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXtiKnXtIRzhvt6FBSoo9YkSqtdLy_vYId_FQa1Qv1dofXCxCYt3MIreYhs0IbleR5kRbJH7mOAP7agxLeDBkRBWaSNcmIGta8qMM3nuYjk9dT2f9VE2UDqFHDkuMNwCCXymEYwsBoMZmz/s320/front.jpg" width="320" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><i>Wild Man </i>fue el único sencillo presentado, y en el tema titular, el actor británico Stephen Fry recita las 50 palabras para la nieve.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En 2013, Kate Bush recibió la <i>Orden del Imperio Británico</i> en manos de la Reina Isabel II por sus contribuciones a la música y un año más tarde, finalmente regresaba a los escenarios. Esto comentaba ella al respecto:</span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"></span></div><blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">«Una de las principales razones para querer volver a actuar en vivo fue tener contacto con el público».</span></div></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En una serie de 22 conciertos en el teatro londinense <i>Hammersmith Apollo</i>, Kate recuperó su poderío escénico y lo plasmó en el triple álbum en vivo <i><b>Before The Dawn </b></i>(<i>Fish People</i>), publicado en noviembre de 2016.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="900" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdI4Lu5pQygbfHGK0M1bd1F5pFibAhVfdYKHvJjWRBeyU-RgPapbCSqgw0ha4xBSUMmwF1sSxpTRQ2ifE__b1uMxvjANnq-rV6v3oQcFIs9rBPQMXB12J7ZCM55t7P-X9i945H-mw36G8q/w400-h266/2014KateBush_Press3_260814-1.jpg" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></h3><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Otro show que combinaba música, danza, poesía, mímica y teatro en tres actos. Cabe destacar que el hijo de Bush, Albert, motivó a su madre a regresar a los escenarios.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span style="text-align: center;">En 2018 se lanzó una caja recopilatoria con material de estudio remasterizado junto a <i><b>The Other Sides</b></i> (<i>Fish People</i>), un disco de rarezas.</span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Desde entonces, Kate Bush, la dama genio nominada al <i>Salón de la Fama del Rock and Roll</i>, se ha mantenido en silencio, pero su legado musical hace más eco que nunca antes. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/c4sLwt8mhZs" width="320" youtube-src-id="c4sLwt8mhZs"></iframe></div><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><p></p><div style="text-align: center;"></div><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-49205460844526872882021-02-19T19:24:00.004-04:002023-04-01T22:08:51.241-04:00ALMOST FAMOUS: SEXO, DROGAS, ROCK & ROLL Y PERIODISMO<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Podemos mencionar incontables clásicos del séptimo arte que se han dedicado a representar al primero de las nueve Bellas Artes, pero solamente una película ha conseguido retratar a la música en toda su efervescencia. <i>Almost Famous</i>, escrita y dirigida por Cameron Crowe, no sólo es una carta de amor al <i>rock</i>, sino a algo más que le da sentido a este artículo: el periodismo musical.</span></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="2000" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD3TbqlWk-KjqozEndxIL9S__3SlQNGIFtdePiC-Ik0Qn4vxSq5BP7KtffaGTFsw4879JhPZ1qrgyMJB7mpduntpyZLQJecCB9BJdOTBxH5due_0UdcAEiUwsruF8k9eH_CfKHkv5D4yhA/w640-h480/https___netflixlife.com_files_2015_11_almost-famous.jpg" width="640" /></div><div><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">No es la primera vez que en El Rincón del Roquero se hace un análisis a un largometraje (<i><a href="http://rincondelroquero.blogspot.com/2019/11/quadrophenia-40-anos-de-la-pelicula-mod.html" target="_blank">Quadrophenia </a></i>ocupa ese lugar en esta sección), pero sin dudas, no será la última. En esta ocasión pienso otorgar un artículo sobre todo lo que envuelve a este clásico de nuestros tiempos, un filme que afianzó aún más mi vocación como periodista (musical por supuesto).<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p></p><h2 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;"><u>ANTECEDENTES</u></span></h2><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Toda esta historia de sexo, drogas, <i>rock & roll</i> y periodismo dio comienzo cuando un joven Cameron Crowe ansiaba poder entrevistar a sus bandas favoritas en los años setenta. A pesar de no contar con la aprobación de su testaruda madre, el muchacho logró embarcarse en múltiples giras llenas de la parafernalia del <i>rock </i>con tal de tener un reportaje para la revista <i>Rolling Stone </i>(de la cual era colaborador). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Básicamente de ello se trata el filme, suponiendo una obra semi-autobiográfica en la cual Crowe rememora aquellos años conociendo a sus ídolos mientras los entrevistaba en representación de <i>Creem</i>, <i>Rolling Stone</i>, entre otros. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Con el pasar de los años, Cameron se fue volcando en otros medios artísticos como el cine, realizando películas de culto como <i>Jerry Maguire </i>(1996) y <i>Vanilla Sky </i>(2001), por nombrar algunas. Dicha pasión por el séptimo arte lo llevó eventualmente a retratar -bajo ese medio- al <i>rock</i>, otra de sus grandes pasiones.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_fMjHgsdkKXBP_biUHv2gMkyu34uebTAP90IuXWzjCPJZfHQJYMH6e0rQy9_ZBHQV6SJDwERWgd0EdDfk3cF9ryERqJzUZSEd-GfMBgxB6yMVgskumWDngvTd7fAxge_CWMWqs_6ZP11h/s1486/descarga.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="992" data-original-width="1486" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_fMjHgsdkKXBP_biUHv2gMkyu34uebTAP90IuXWzjCPJZfHQJYMH6e0rQy9_ZBHQV6SJDwERWgd0EdDfk3cF9ryERqJzUZSEd-GfMBgxB6yMVgskumWDngvTd7fAxge_CWMWqs_6ZP11h/w400-h268/descarga.jpg" width="400" /></a></div><h3 style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">El actor Billy Crudop y el director Cameron Crowe en el set de filmación, circa 1999.</span></h3><h2 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;"><u>SINOPSIS</u></span></h2><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">La trama gira en torno a un joven que pasa de una niñez sin pena ni gloria a una adolescencia inolvidable. William Miller es un muchacho inocente quien tras vivir una arrebatada infancia (sin padre, con una madre sobreprotectora y una rebelde hermana mayor), descubre su pasión por el <i>rock </i>gracias a la colección de vinilos que su hermana le dejó bajo su cama antes de marcharse de casa con la siguiente nota:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><span style="text-align: left;"></span></span></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><span style="text-align: left;">«</span>Escucha <i>Tommy </i>con una vela encendida y verás todo tu futuro</span><span style="text-align: left;">»</span>.</span></blockquote><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Eventualmente el chico se convierte en un ferviente amante de la música y aspirante a periodista que ve en sus manos la oportunidad de su vida. <span>Gracias a su amistad con el crítico de <i>rock </i>Lester Bangs, William consigue su primer trabajo profesional al asistir a un recital de Black Sabbath, pero en medio del mismo conoce al grupo telonero de esa noche, Stillwater, quienes junto con la <i>groupie </i></span><span style="text-align: left;">«</span><span>Penny Lane</span><span style="text-align: left;">»</span><span>, conquistaron su corazón. Poco después de familiarizarse con ellos, el muchacho emprende una gira por todo Estados Unidos mientras prepara una ansiada entrevista que pondría a Stillwater en la portada de <i>Rolling Stone</i>. Como profesaba </span><span>Penny</span><span>, </span><span style="text-align: left;">«</span><span>todo está ocurriendo</span><span style="text-align: left;">»</span>.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxW57LnBzx1N_RerW3zYs7-k2NPMnCg0GM6P2zwV8LYlHbjMX7koUAknLdpkNYyddl-DYRIQFESpepjq2JPwXBWL12G33slVqPm8DO-GySQMRVIjARXb5tPVv2gLSdOyeR2e5e-cEl60pN/s2000/Almost-Famous-The-Musical.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1125" data-original-width="2000" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxW57LnBzx1N_RerW3zYs7-k2NPMnCg0GM6P2zwV8LYlHbjMX7koUAknLdpkNYyddl-DYRIQFESpepjq2JPwXBWL12G33slVqPm8DO-GySQMRVIjARXb5tPVv2gLSdOyeR2e5e-cEl60pN/w400-h225/Almost-Famous-The-Musical.jpg" width="400" /></a></div><h4 style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Patrick Fugit y Kate Hudson en escena.</span></h4><h2 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;"><u>PRODUCCIÓN</u></span></h2><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">La producción de este largometraje se basó en representar fielmente una época clave del <i>rock & roll</i>, por lo que las anécdotas de Cameron Crowe juegan un rol fundamental para darle sentido a ello. Por ejemplo, la banda protagonista, Stillwater, se apoya en grupos que Crowe entrevistó y buscó plasmar para ésta ocasión -como The Allman Brothers Band-. Y aunque si existieron unos Stillwater en la vida real, aquí suponen una prometedora agrupación que lucha contra sus propias limitaciones.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Sin embargo, a veces cuesta distinguir entre lo real y lo fantástico, como ocurre con </span><span style="text-align: left;">«</span>Penny Lane<span style="text-align: left;">»</span>, una <i>groupie </i>amante de la música quien realmente se basa a partir de gente como Pamela De Barnes y Bebe Buell. Otro personaje inspirado en hechos (muy) reales era la figura materna del protagonista, quien no representaba nada distinto a la verdadera madre del director.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana;">Pero quizá la figura más representativa del filme sea el propio William Miller, quien en efecto retrataba a Cameron Crowe durante su adolescencia. En las propias palabras del cineasta: </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: inherit; font-size: large;"><span style="text-align: left;"></span></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span style="text-align: left;">«</span>Tuve que confiar mucho en mi memoria, la leve vergüenza de haber elegido a un tipo que estaba haciendo una versión de mí y la representación de personas de la vida real: Lester Bangs, Ben Fong-Torres, Jan Wenner. Pero también siento que las cosas a las que el público ha respondido de manera más positiva es el hecho que me basé en mis propias experiencias personales<span style="text-align: left;">».</span></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div></blockquote><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyrcJycdg9EkxsgXFews_2SebfaXrkJm4R9sZzGxl_kKCMHmqh18dTCX6H5g6sxa3jtUUkUgdI4YQV0DvtRD7gauS2gzf3T3TSVVKCyLf4MIatFifdkhOjO6Ap_QFUIxTeJMV7H7Yx4bWO/s1635/almost-famous.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="919" data-original-width="1635" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyrcJycdg9EkxsgXFews_2SebfaXrkJm4R9sZzGxl_kKCMHmqh18dTCX6H5g6sxa3jtUUkUgdI4YQV0DvtRD7gauS2gzf3T3TSVVKCyLf4MIatFifdkhOjO6Ap_QFUIxTeJMV7H7Yx4bWO/w400-h225/almost-famous.jpg" width="400" /></a></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia, ¿no Cameron Crowe?</span></h3><h2 style="text-align: center;"><u><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;">SOUNDTRACK</span></u></h2><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Las composiciones acreditadas a Stillwater en la banda sonora de la película fueron compuestas con una pequeña ayuda de amigos (y consejeros musicales) como Nancy Wilson y Peter Frampton, principalmente. Dichas canciones buscaban canalizar ese estilo <i>hard-rock</i> de la época, por lo que temas como <i>Fever Dog, Love Comes and Goes, Chance Upon You</i> y <i>Hour of Need </i>resultan creíbles en ese contexto.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Y aparte, para darle mayor peso musical a la historia, Wilson y Crowe seleccionaron temas clave para cada escena. Podemos destacar <i>Search and Destroy</i> de Iggy and The Stooges, <i>Feel Flows</i> de The Beach Boys, <i>My Cherie Amour</i> de Stevie Wonder, <i>Sparks </i>de The Who, <i>America </i>de Simon and Garfunkel y <i>Tiny Dancer</i> de Elton John, inmortalizada en una de las secuencias más entrañables de la película.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgL4_msQKKu6zrRmXjRHbAee_grg931c6DPTpGWqu9AMQk5F1IOlEBx0o7B-05E4dQUJq86gOJybmDMtQFjD0Ib2lndrzDExz-IcleJ53v8Bx9CXgbFwVAdG0mA18SxcmjK1YPct0hFn7SE/s320/Almost+Famous+Soundtrack.jpg" /></div><h3 style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><span><span>El <i>soundtrack </i>del filme fue ganador del premio <i>Grammy </i>a </span></span>«<span>la mejor recopilación de banda sonora para película, televisión u otro medio visual</span>».</span></h3><h2 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-large;"><u>LEGADO</u></span></h2><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Una película sobre <i>rock & roll</i> jamás había tenido un legado tan perdurable como<i> Almost Famous </i>(<i>Vinyl Films</i>), quizá por el hecho de que todos alguna vez nos hemos sentido <i>casi famosos</i>. Si bien, a pesar de que gente como Brad Pitt, Natalie Portman e incluso Meryl Streep fueron potenciales candidatos, la química entre actores como Billy Crudop, Patrick Fugit, Kate Hudson, Frances McDormand y Phillip Seymour-Hoffman supuso el elenco perfecto para un filme como éste.</span></p><div class="separator" style="clear: both;"><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7ZrmDVFZZ803Ma7oaOYD-1CAQcarMo_V52COSWID7HbCgjZvSlNeWAwpsgBnOed2ajikMh1K1krJUGIZ6_cxdbM5aOxJLE-P5WGWVPfFxTCi7kPO8ke6XHmWHf2-SqP2gF6HrnpNWzkeu/s720/03_top10cameroncrowemoments.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="720" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7ZrmDVFZZ803Ma7oaOYD-1CAQcarMo_V52COSWID7HbCgjZvSlNeWAwpsgBnOed2ajikMh1K1krJUGIZ6_cxdbM5aOxJLE-P5WGWVPfFxTCi7kPO8ke6XHmWHf2-SqP2gF6HrnpNWzkeu/w400-h266/03_top10cameroncrowemoments.jpg" width="400" /></a></div></div><p></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En esencia <i>Almost Famous</i> es un clásico de culto que representa a la perfección lo que fueron los años setenta para el <i>rock & roll</i>, con <i>Rolling Stone</i> encabezando titulares, <i>Dioses Dorados</i>, el <i>glam </i>en total esplendor y con cantidad de artistas que ampliaron aún más los horizontes del <i>rock</i>. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/4U07rtBNa2g" width="320" youtube-src-id="4U07rtBNa2g"></iframe></div><p></p><p></p><p></p></div>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-62290500970635692402021-01-28T19:56:00.004-04:002022-12-20T21:23:16.366-04:00 PAUL MCCARTNEY - MCCARTNEY III<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Si bien, se ha comentado mucho sobre <i>McCartney </i>a lo largo de los últimos cincuenta años, desde que comenzara en 1970 una carrera solista con la inesperada ruptura de The Beatles. Diez años más tarde, tras la separación de Wings, Paul retomaría su recorrido en solitario con <i>McCartney II.</i> Ahora, cuatro décadas después, consolida dicho trayecto con una tercera placa de una trilogía legendaria. Les presento <i>McCartney III:</i></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjedwgZ8KWnMv1IPhvmN7WVJiw8tJ0lMsPo3gRpCrEhAc3WoZBAJIas9yQwkL1ROuQQ8H04TlM0tAYeDy9TdavVMnrbOJWhO1AmfDZhCHlwhfgYLDbIhmlfkcPuaHmYeG8ndl15C4QxO-h7/s1200/paul-mccartney-nuevo-album-2020.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjedwgZ8KWnMv1IPhvmN7WVJiw8tJ0lMsPo3gRpCrEhAc3WoZBAJIas9yQwkL1ROuQQ8H04TlM0tAYeDy9TdavVMnrbOJWhO1AmfDZhCHlwhfgYLDbIhmlfkcPuaHmYeG8ndl15C4QxO-h7/w640-h426/paul-mccartney-nuevo-album-2020.jpg" width="640" /></a></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Hablar de Paul McCartney no es novedad en este blog, para los que me conocen, soy uno de sus más acérrimos fans y un ferviente admirador no solo del personaje, sino de su música, la cual ha acarreado cincuenta impecables años de trayectoria, primero comenzando con el primer LP <i>McCartney</i>, poco después junto a su mujer Linda McCartney crea <i>Ram</i>, y eventualmente conllevaría a una carrera solista como muy pocas hay.<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Para darle un pequeño sentido de cronología al presente artículo y a su vez orientarnos en el álbum que nos corresponde, me gustaría resumir la trayectoria de Macca a partir del lanzamiento de <i><b>McCartney </b></i>en 1970, cuando estaba a flor de piel la ruptura del cuarteto de Liverpool, seguido de un <i>one-off</i> junto a Linda con la obra maestra <i><b>Ram </b></i>al año siguiente, y a continuación, vendría su etapa con el grupo Wings, el cual le valió a McCartney mucho éxito en los años setenta.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Ya para 1980, tras un bache creativo con su grupo, Paul elabora <i><b>McCartney II</b></i>, otro disco liberador en el cual se atestiguaba un retorno a su carrera solista (ésta vez de forma decisiva), lo que conllevaría a otras joyas como lo fueron <i><b>Tug of War </b></i>(1982) y <i><b>Flowers in the Dirt </b></i>(1989) principalmente, a la par de otras obras de menor impacto en el transcurso.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Los años noventa dieron lugar al retorno a las giras junto con algunos experimentos como The Fireman, los cuales Macca dejó a un lado para volcarse en su trabajo más redondo, <i><b>Flaming Pie</b></i> (1997), disco que le devolvió una consagración total al ahora </span><span style="text-align: center;">«</span>Caballero del Imperio Británico<span style="text-align: center;">»</span>, la cual se vio dilatada tras la muerte de Linda McCartney un año más tarde debido al cáncer. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tras este himpase, Macca retomó su carrera en el siglo XXI con una serie de distintos proyectos, entre los que se destacan discos como el experimental <i><b>Chaos and Creation in the Backyard</b></i> (2005) y el retrospectivo <i><b>Memory Almost Full</b></i> (2007), los cuales dieron paso a una comodidad dentro del formato de las giras hasta dar lugar a otro reto musical con <i><b>New </b></i>(2013), placa que vio a McCartney aliarse con cuatro productores distintos y modernizando un poco su impronta. Más recientemente en 2016, Paul dio un vasto recorrido a su catálogo con el grandes éxitos <b style="font-style: italic;">Pure McCartney </b>(muy recomendable), pero a su pesar, nuevas canciones salieron del tintero con <i><b>Egypt Station</b></i> (2018), uno de sus mejores discos de la actualidad, el cual consagra a Paul McCartney como un maestro de la melodía <i>pop </i>con una trayectoria indiscutible.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgySU7-3c3kCEYBd_KZmS1urlvIrmKD4mnAZHVf2AoigZYRpZs_HKI9Yq1h22ks14uAz273x6MKKgkUJsudFrM8ipWhaUA4denZoj2LmZrwl7nekj4LfT1pFlzJZUZZt7zoOUUJ-GauKLZ8/s2048/75d2abcd252b16d0741c78e40b0b499b.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1361" data-original-width="2048" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgySU7-3c3kCEYBd_KZmS1urlvIrmKD4mnAZHVf2AoigZYRpZs_HKI9Yq1h22ks14uAz273x6MKKgkUJsudFrM8ipWhaUA4denZoj2LmZrwl7nekj4LfT1pFlzJZUZZt7zoOUUJ-GauKLZ8/w640-h426/75d2abcd252b16d0741c78e40b0b499b.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Ahora, retomando un poco más lo que se va a comentar en esta reseña, podemos decir que una vez comenzado 2020, Paul McCartney no tenía en sus planes grabar material nuevo, y creo que mucho menos yo tenía en mente escribir un artículo sobre un nuevo disco de McCartney, ya que, si bien, en el cronograma del ex-Beatle, estaba reservada una demandante gira por Europa, la cual se vio trucada una vez anunciada la pandemia hace ya casi un año atrás. Así se refería el propio Paul con respecto a la gestación de este trabajo en pleno encierro: </span><span style="text-align: center;"></span></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span style="text-align: center;">«</span><span>Tenía algunas cosas en las que trabajé a lo largo de los años, pero el tiempo pasó y las dejé a medias, de manera que he retomado todo aquello que tenía pendiente. Se trata de hacer música para uno mismo, en lugar de hacer música como un trabajo. Nunca pensé que todo esto fuera a acabar en un álbum</span><span style="text-align: center;">».</span></span></blockquote><span style="font-family: verdana; font-size: large; text-align: center;"></span><p></p><span style="font-size: large;"><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Y es que como pueden notar, Macca no estaba al pendiente de que estaba, en efecto, grabando un álbum <i>McCartney</i>, ya que el momento en el que se anunció el encierro por la pandemia, afortunadamente el músico se encontraba en su casa de campo en <i>Hog Hill Mill </i>(Sussex) junto a la familia de su primogénita, la fotógrafa Mary McCartney, y como su estudio de grabación casero se encontraba relativamente cerca, Paul vio la oportunidad de finalizar maquetas que llevaba acumuladas durante tanto tiempo y a las cuales no había podido dedicar atención debido a sus demandantes conciertos en gran parte del mundo.</span></p></span><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana;">Ahora, para hablar ya propiamente del álbum poco antes de sumergirnos en el debido comentario de sus respectivas canciones, se debe puntualizar el hecho de que Paul McCartney, debido a las circunstancias que envuelven a este trabajo, se vio en la obligación de tocar todos los instrumentos, grabar y producir el LP por su cuenta, sin la necesidad de su banda de apoyo, por lo cual <i>McCartney III</i> es toda una obra artesanal elaborada por un propio artesano de la música como lo es Sir Paul, permitiéndose incluso experimentar con su sonido como ya antes lo habría hecho en los anteriores dos volúmenes de la ahora trilogía <i>McCartney</i>.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLE0Ozd6fKb8q1F3kwLddc6OwJk116_1Hks8JfySsYGXWxXJPzsItcFVxXuzzRB0c6kIjghfvJDRWWTUAlcxFgjskJHSiqRS2iEaRgPi5YDNK8VVrDGfD4XYLKQ8qSCfqHAoh-DJ4OAvIA/s1548/paul-mccartney-cr-mary-mccartney-2020-billboard-1548-1603302320-compressed.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="1548" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLE0Ozd6fKb8q1F3kwLddc6OwJk116_1Hks8JfySsYGXWxXJPzsItcFVxXuzzRB0c6kIjghfvJDRWWTUAlcxFgjskJHSiqRS2iEaRgPi5YDNK8VVrDGfD4XYLKQ8qSCfqHAoh-DJ4OAvIA/w640-h424/paul-mccartney-cr-mary-mccartney-2020-billboard-1548-1603302320-compressed.jpg" width="640" /></a></div><span style="font-size: large;"><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">A continuación, haré como suelo hacer en las críticas de LP's una breve reseña acerca de las once composiciones que conforman este sorprendente nuevo trabajo de Paul McCartney:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>Long Tailed Winter Bird</b></i>: Una composición cuasi-instrumental y jugetona (a ratos psicodélica) musicalmente, en la misma vemos a Macca hacer una improvisación a base de un <i>riff </i>marcado de guitarra acústica que se extiende hasta pasados los cinco minutos sin que nos demos cuenta. Sin duda una de las grandes sorpresas que esconde este álbum y un inusual comienzo para el disco.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>Find My Way</b></i>: El más claro éxito instantáneo del LP no deja de ser también otro experimento de Paul muy logrado, sólo que ésta vez se dirige hacia un estilo más digerible. Un medio tiempo <i>pop </i>de factura <span style="text-align: center;">«</span>McCartniana<span style="text-align: center;">»</span> en la que McCartney se apoya en unas estrofas y estribillos contagiosos gracias a una melodía totalmente memorable y una letra con mensaje de optimismo. De lo mejor del disco y gran muestra de su versatilidad como músico.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>Pretty Boys</b></i>: Otra magnifica composición y todo un deleite musical, esta vez contemplativa y nostálgica en el que Paul, a base de una tonada más acústica, reflexiona acerca del abuso que sufren muchos famosos a la hora de ser expuestos por fotógrafos y paparazzis. Es de admirar el gran sentido por la melodía <i>pop </i>que este señor mantiene a sus 78 años de edad, incluyendo un registro vocal más que envidiable.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>Women and Wives</b></i>: La canción favorita de Paul según ha revelado y sin duda una de las más profundas. Este melancólico tema resulta posiblemente el más oscuro de todo el álbum musicalmente, basándose solamente en un sobrio piano y la voz más grave de McCartney, empleadas para reflexionar sobre tópicos sociales y maritales. La lírica es toda una belleza y la música es un gran ejercicio <i>soul </i>por parte de Macca.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>Lavatory Lil</b></i>: Posiblemente una de las canciones más entretenidas y energéticas hasta ahora de todo el LP, sin duda estamos ante todo un temazo en mi opinión. Resulta este un tema muy <i>rock and roll </i>de manual, se ve que Paul McCartney está pasándola en grande tocando la guitarra como en su juventud y tras una ráfaga de <i>riffs</i>, canta una letra muy ácida.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>Deep Deep Feeling</b></i>: Una composición inclasificable... ¡dura ocho minutos! Seguramente el gran acierto del disco (irónicamente el más arriesgado). Una canción decadente en la cual, bajo una instrumentación muy exhaustiva que nos remite a la psicodelia, Macca se desnuda en sus ocho minutos de duración para expresar sus sentimientos más profundos bajo una estrofa, estribillo y puente que se van repitiendo entre los distintos pasajes del tema. Una de las canciones más experimentales de toda su carrera si me lo permiten.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>Slidin'</b></i>: Un temazo en toda regla, tan a la par de <i>Helter Skelter </i>y si no, se le acerca bastante. Ésta vertiginosa composición se basa en un sonido muy grueso y contundente al que Macca no nos tiene acostumbrado. A pesar de que fue grabada junto a dos integrantes de su banda de acompañamiento, McCartney no deja de relucir a lo largo del tema, dejando claro que a pesar de los años, aún sabe roquear como en antaño. Sólo puedo decir que una canción así en vivo debería de sonar épica.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>The Kiss of Venus</b></i>: Yo personalmente me rindo ante una composición de tal belleza como ésta... No recuerdo la última vez que me pareció que Paul había escrito algo tan a la par de clásicos como <i>Blackbird </i>o <i>Yesterday</i>, pero sin duda cuando escuché este tema me pareció así de bueno. A base de un tono más orientado al <i>folk </i>con un <i>Mellotron </i>incluido, Macca se sumerge en temas filosóficos en el aspecto lírico mientras entona una melodía tan delicada como cálida que suena totalmente fresca.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>Seize The Day</b></i>: Mi canción preferida de todo el LP, y ello tiene su razón... Éste tema de sonoridades deudoras de The Beatles<i> </i>es una auténtica joya de nuestros tiempos que no tiene nada que envidiarle a otras glorias del pasado. Comenzando con unos acordes del piano <i>Rhodes</i>, sucede una composición <i>pop </i>con mucho gancho y audacia. Mientras Paul nos canta acerca de la importancia de aprovechar el día, nos quedamos con la lección de que hemos escuchado una de sus mejores composiciones en muchos años.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>Deep Down</b></i>: De las canciones más longevas (dura cinco minutos pero se hace algo larga) y tal vez la menos brillante en mi opinión, pero no por ello deja de ser un tema realmente armonioso (un guiño al gran uso del armonio en la pista)... Basada en una melodía <i>jazzistica </i>un poco más elegante y lineal, McCartney plasma la que posiblemente sea su canción de amor más sensual. No sólo la lírica se puede considerar como algo <span style="text-align: center;">«</span>sexy<span style="text-align: center;">»</span>, sino que hasta el estilo musical del tema nos incita a dejarnos llevar, profundamente abajo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>Winter Bird - When Winter Comes</b></i>: Comenzando la primera composición bajo el rasgueo de guitarra acústica que daba inicio al álbum, la misma termina más pronto de los esperado para dar lugar al segundo tema. Ésta nostálgica composición <i>folk </i>que culmina el LP data originalmente de los años noventa, producida en medio de unas sesiones con Sir George Martin (si prestan atención pueden notar el cambio en la voz de Paul, sonando más joven). Macca encontró esta canción almacenada en unos archivos de los cuales salió en julio pasado el reeditado <i>Flaming Pie</i>, pero en vista de que le gustó tanto, se reservó para la ocasión. Excelente forma de terminar un disco.</span></p><span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpCFNyBcRAsNURD6A5cS7xyT2ZIKjORAEaSTs1H7ab-9no2EXqtS2I7C6KWu5OWkjE3YhCXLzRMqWrKiJggYO6hPaXFghRpKYD8QqqnAmZx3P9bfF6Urp_v3-OO9izrm2iTCZkbBttxLXU/s500/Cover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpCFNyBcRAsNURD6A5cS7xyT2ZIKjORAEaSTs1H7ab-9no2EXqtS2I7C6KWu5OWkjE3YhCXLzRMqWrKiJggYO6hPaXFghRpKYD8QqqnAmZx3P9bfF6Urp_v3-OO9izrm2iTCZkbBttxLXU/s320/Cover.jpg" /></a></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><b>McCartney III</b></i> (<i>Capitol Records</i>), lanzado el pasado 18 de diciembre de 2020, supone no sólo uno de los mejores álbumes actuales de Sir Paul, sino que lo considero su más redondo lanzamiento desde aquella obra maestra que supuso <i>Chaos and Creation In The Backyard</i> hace 16 años. Evidencia de lo dicho anteriormente pueden ser tanto el hecho de ser alabado por la crítica especializada (cosa que no pasó en su momento con los <i>McCartney I</i> y <i>II</i>) y su gran éxito comercial al devolverle a Macca su primer no.1 en el <i>UK Album Charts</i> desde <i>Flowers in the Dirt</i> (1989).</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana;">Mientras el álbum debut <i>McCartney </i>fue concebido por un bajista desempleado como una producción austera y de apoyo musical rudimentario que inauguraba el<i> indie rock</i>, su secuela <i>McCartney II </i>mostraba a un aventurero músico apoyándose en los sintetizadores y ritmos deudores al <i>krautrock </i>para adelantarse a lo que sería el <i>synth-pop</i>, y ahora, <i>McCartney III</i> exhibe a una leyenda que no teme por enlazar ambas cualidades de aquellos álbumes para ensamblar otra obra maestra del <i>rock</i>. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/2oSmP3GtOBk" width="320" youtube-src-id="2oSmP3GtOBk"></iframe></div></span></span><p style="text-align: left;"></p><p style="text-align: left;"></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-50403618476717534752020-12-28T20:17:00.005-04:002022-12-20T21:25:28.505-04:00JOY DIVISION - CLOSER<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Joy Division, incluso después de cuarenta años tras su fatídico final, en una carrera que conllevo tan sólo unos pocos años, perdurarán en el corazón de muchos y dentro del legado incalculable de la música <i>rock </i>británica como uno de los grupos más influyentes de todos los tiempos por excelencia</span>.</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i></i></span></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisGJ1stfv4KMiMvR4cS89fD-mmpbkVtKNUKs6-b1GfQ8UgGeqJ2iyGu1kA38g3ek9o_6PJR8C3mC5tNao8B6kD1nyB7JW2JbLOGdlHBmG6yA8u9mXMQdzf-_fPBZQoOQV5ooJ2fx2mW8ty/s1280/joy_division-4.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisGJ1stfv4KMiMvR4cS89fD-mmpbkVtKNUKs6-b1GfQ8UgGeqJ2iyGu1kA38g3ek9o_6PJR8C3mC5tNao8B6kD1nyB7JW2JbLOGdlHBmG6yA8u9mXMQdzf-_fPBZQoOQV5ooJ2fx2mW8ty/w640-h360/joy_division-4.jpg" width="640" /></a></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Ésta afamada agrupación se consolidó a finales de la década de los setenta de la mano de gente como Ian Curtis (cantautor y líder mitológico de la banda), Peter Hook (bajista y piedra angular en cuanto a sonido), Bernard Sumner (guitarrista y genio detrás de las ideas musicales), y Stephen Morris (baterista y alma que selló el estilo del grupo).<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana;"><span>Oriundos de Manchester (Reino Unido), este cuarteto se formó en plena oleada del<i> punk rock</i> británico alrededor de mediados de los setenta, a la par de gente como los Sex Pistols, The Damned y The Clash, todos los mencionados sirviendo como inspiración temprana para el jovial grupo </span></span><span style="font-family: verdana;">(cabe destacar que se formaron tras un concierto de los Pistols), </span><span style="font-family: verdana;">que venía de pasar por otros nombres tales como </span><span style="font-family: verdana; text-align: left;">«</span><span style="font-family: verdana;">Warsaw</span><span style="font-family: verdana; text-align: left;">»</span><span style="font-family: verdana;"> (inspirado en una canción de David Bowie y Brian Eno) antes de establecerse como </span><span style="font-family: verdana;">«</span><span style="font-family: verdana;">Joy Division</span><span style="font-family: verdana;">»</span><span style="font-family: verdana;"> (referenciado a partir de los grupos de mujeres judías esclavizadas sexualmente en la Alemania Nazi).</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Incluso desde el primer acorde tocado por la banda, siempre estuvieron un paso adelante en comparación a sus pares, partiendo de una forma de tocar el <i>punk </i>mucho más oscura, siniestra, quebrada y atmosférica, dando paso prontamente a un nuevo género musical que los encasillaría para siempre dentro del ahora muy bien conocido <i>post-punk</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Gracias a su tremenda calidad como músicos y su intrigante propuesta musical, tan inaudita como particular, la agrupación se alió enseguida con el DJ Rob Gretton -quien se convertiría en su representante prontamente- para así dar un paso en alto dentro de la escena <i>underground </i>con su primer lanzamiento oficial -en formato EP- con <i><b>An Ideal For Living</b></i> (1978), trabajo el cual ponía en testimonio las influencias del grupo con un estilo <i>punk rock</i> mucho más acelerado y magnético el cual se vería envuelto en una metamorfosis que revitalizaría en otras proporciones al fugaz género musical.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="371" data-original-width="660" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk8yD_YlHkV-Ap30jX4w__w7qUEfEfzSZ83qTdUCJlpD4x8OV_Jh4LZ0fQa_AZMQEUQ2qz3UrFrrH1XWd4dXvJ7O_foknYne92GUTtQzc1DAfWiqVleO0iZrSmYQaRHHt9jL9-TozPslk7/w400-h225/198123.jpg" width="400" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Stephen Morris, Ian Curtis, Bernard Sumner y Peter Hook respectivamente.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span><span>Tan rápido como surgieron, en cuestión de meses ya tendrían lanzados sus primeros sencillos de la mano de temas como la inquietante <i><b>Shadowplay</b></i>, y la punzante </span><i><b>She's Lost Control</b></i>, ambas presentadas en la primera presentación televisiva del cuarteto en el programa musical <i>So It Goes </i>(<i>Granada TV</i>), propiedad del visionario periodista Tony Wilson -quien eventualmente crearía el sello <i>Factory Records</i> con tal de contratar al cuarteto- lo cual supondría el pistoletazo de salida para cuatro muchachos de Manchester destinados a la grandeza pero bajo circunstancias inciertas. Así se referiría el propio Ian Curtis con respecto a la impronta del grupo en aquellos años:</span></span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span face="Calibri, sans-serif" style="text-align: left;"></span><blockquote><span face="Calibri, sans-serif" style="text-align: left;">«</span><span style="text-align: left;">Básicamente, queremos tocar y disfrutar lo que nos gusta tocar. Creo que cuando dejemos de hacer eso, será el momento de empacarlo todo. Ese será el final</span><span face="Calibri, sans-serif" style="text-align: left;">»</span><span style="text-align: left;">.</span></blockquote><span style="text-align: left;"></span></span></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Pero mucho antes del susodicho final, ellos darían forma al lado de Martin Hannett -ejerciendo como productor- a <i><b><a href="http://rincondelroquero.blogspot.com/2019/06/joy-division-unknown-pleasures.html" target="_blank">Unknown Pleasures</a> </b></i>(<i>Factory</i>;1979), álbum debutante de la banda que los catapultaría bajo un estatus de culto imborrable, el cual proporcionó un éxito considerable para una agrupación de su estilo y que sigue traspasando la barrera del tiempo más allá de la industria del <i>merchandising</i>. Con este trabajo Joy Division cultivaba una obra maestra que se complementaba de una expresión sónica entre cuatro músicos que tomaron el <i>punk rock </i>como base para darle una vuelta de tuerca a su gusto con canciones atmosféricas y brutalmente honestas. Muestra de ello es el afamado sencillo posterior al LP con <i><b>Transmission</b></i>, una de las canciones más icónicas del grupo, así como la más inmediata.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Con un debut en su haber, desafiando todo lo establecido hasta los momentos y dando lugar a lo que años más tarde se conocería como el <i>indie rock</i>, Joy Division se encontraba en su apogeo artístico, con la confianza suficiente para abandonar sus trabajos de medio tiempo y concentrarse de lleno en su carrera. Sin embargo, en medio de aquella buena racha, empezarían a avecinarse los problemas que destruirían lentamente a la banda, el más significativo los ataques de epilepsia que afectaban considerablemente la salud de Ian Curtis a tan solo 21 años de edad.</span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVoM0CPsrvPppOZZG4sjP0TTDFiyvWys5GoC3Uj3uVIrzAaV54bVsx2pZBD57xaxEU7IHtNr2jTmn2-8-fni6dNuAESVF2pnVtTqM_xYt35qz_ffStXIkzOxaqG7G8AvZQMakWARyPHN8p/s980/1589380371_507983_1589453109_noticia_normal.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="673" data-original-width="980" height="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVoM0CPsrvPppOZZG4sjP0TTDFiyvWys5GoC3Uj3uVIrzAaV54bVsx2pZBD57xaxEU7IHtNr2jTmn2-8-fni6dNuAESVF2pnVtTqM_xYt35qz_ffStXIkzOxaqG7G8AvZQMakWARyPHN8p/w400-h275/1589380371_507983_1589453109_noticia_normal.jpg" width="400" /></a></div><p></p><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Ian Curtis en un recital de Joy Division, alrededor de 1979.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Dichos ataques epilépticos eran impredecibles, ocurriendo frecuentemente en pleno escenario con los espectadores creyendo que aquellos bailes incontrolables del vocalista eran tan solo parte del espectáculo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">El diagnóstico del cuadro de epilepsia en enero de 1979 dejó al propio Ian devastado, deprimido y muy enfermo como para seguir atendiendo sus labores dentro de Joy Division.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Por otra parte, para comienzos de 1980 aún le quedaba al grupo suficiente inspiración y energía como para elaborar un segundo álbum de estudio, con Ian Curtis en estado de gracia a nivel de composición y con el resto de los integrantes dándolo todo por recorrer un viaje musical sin precedentes, muy a pensar de que el final del trayecto se encontraba justo a la vuelta de la esquina.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh74eDkLCMjrJZvTIEP1L_qLaAiT8W8YqHFMGMJIvkEE4lcBAlTpfUfrQIUmdSGd5_Ilh7gcmjcLaRRrLqzqbYoPDR1Ad3-9MxHnYVSjgKsFzeqMIuFp6Kr_IntGDoUZzkw35e2O0PLbXLw/s1200/f8aa6938-c89b-4f2d-a05e-c261fa35f282_alta-libre-aspect-ratio_default_0.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="674" data-original-width="1200" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh74eDkLCMjrJZvTIEP1L_qLaAiT8W8YqHFMGMJIvkEE4lcBAlTpfUfrQIUmdSGd5_Ilh7gcmjcLaRRrLqzqbYoPDR1Ad3-9MxHnYVSjgKsFzeqMIuFp6Kr_IntGDoUZzkw35e2O0PLbXLw/w400-h225/f8aa6938-c89b-4f2d-a05e-c261fa35f282_alta-libre-aspect-ratio_default_0.jpg" width="400" /></a></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Joy Division a punto de entrar al escenario, 1980.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Ahora adentrándonos en lo que sería la reseña del álbum como tal, hay que remarcar el porqué éste LP -que da título y sentido a este artículo- supone una autentica declaración de intenciones no sólo por parte de Ian Curtis como interprete, sino por parte de Joy Division como músicos. Personalmente considero que este disco pone en testimonio un sonido fabricado entre un punto de inflexión muy particular para la banda en medio de su corta trayectoria.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Si bien para finales de 1979 el grupo ya tenía bajo la manga la mitad de composiciones destinadas a este trabajo, las cuales, al igual que en su predecesor, se basaban en un estilo <i>post-punk</i> muy visceral.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Por otra parte, a comienzos de 1980, la otra mitad restante de canciones fueron cobrando forma bajo una paleta sonora mucho más distinta, con mayor prominencia de sintetizadores y con una estructura musical menos tangible y expansiva. Sumner recordaría años más tarde las sensaciones que Curtis le manifestaba durante las grabaciones: </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span style="text-align: left;"></span></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span style="text-align: left;">«</span><span style="text-align: left;">Mientras estábamos trabajando en <i>Closer</i>, Ian me dijo que hacer este álbum se sentía muy extraño, porque sentía que todas sus palabras se escribían por sí solas. También dijo que tenía esta terrible sensación de claustrofobia de estar en un remolino y siendo arrastrado hacia abajo, como ahogándose</span><span style="text-align: left;">»</span><span style="text-align: left;">.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div></blockquote><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPRyT4Dta09a3pOxbbaywVHsK7M929YEIZwB7-Wia-AARXVVu1u8PlFUgU1wYr8RXEuukUu10HRKK9u_c05q3-j6Vsyc08i1mmHSJGovkYCRQdk3RHaVXEnGOGzxTLLmy-hEgbZIVYub8p/s1280/5e3325d2e0fae8033d97b947150f37d2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="966" data-original-width="1280" height="303" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPRyT4Dta09a3pOxbbaywVHsK7M929YEIZwB7-Wia-AARXVVu1u8PlFUgU1wYr8RXEuukUu10HRKK9u_c05q3-j6Vsyc08i1mmHSJGovkYCRQdk3RHaVXEnGOGzxTLLmy-hEgbZIVYub8p/w400-h303/5e3325d2e0fae8033d97b947150f37d2.jpg" width="400" /></a></span></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Ian Curtis y Bernard Sumner respectivamente, alrededor de 1980.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Las grabaciones del álbum se realizaron en menos de dos semanas con Martin Hannett nuevamente detrás de los controles, ésta vez del estudio londinense <i>Britannia Row</i> (propiedad de Pink Floyd) y empleando sus métodos de producción indescifrables, los cuales dotaron a las canciones de una cohesión sonora mucho más palpable. Al igual que ocurrió con su antecesor, algunos miembros de Joy Division mostraron su descontento nuevamente con las técnicas empleadas por Hannett en las mezclas finales de las pistas de este trabajo (particularmente Sumner y Hook), disminuyendo considerablemente la abrasividad sónica de muchos de los temas que mostraban el poder creciente de la banda en el formato directo. </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Pero muy a su pesar, la labor de Martin Hannett como productor ha sido alabada por su gran audacia al crear su propio estilo de producción, que, como bien lo han expresado a posteriori los miembros sobrevivientes del cuarteto, cimentó el sonido de Joy Division como hoy lo conocemos, ya que es difícil de imaginar que tanto se habrían expandido las habilidades musicales de los miembros (y de la banda esencialmente) si no fuese por él. </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana;">Hannett, como productor, es para el <i>post-punk</i> lo que Phil Spector para la música <i>pop</i>, dicho personaje utilizaba el propio estudio de grabación como un instrumento musical más, con el cual podía explorar mayores recursos sonoros y crear así obras maestras a su gusto. </span></span><span style="font-family: verdana; text-align: left;">Y al igual que Spector concentraba su atención en el cantante de la banda particularmente del resto de los miembros, Martin Hannett recurría constantemente a Ian Curtis para ensamblar sus voces, otorgándole así mayor claridad y efectividad a su mensaje, cuyas letras se tornaban aún más inquietantes y sombrías, pero totalmente enfocadas, plasmando los sentimientos de desdicha y las batallas personales con las que Curtis lidiaba a diario.</span></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="475" data-original-width="696" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0UXprPRgsYvXeTeSh2a5VMfputCerEyAppBFk0q3axAloPgRm7pcto0QE6u_zc1fkYWNAtFQxFz0ElNB6UmnbJEejQCt6GMEUKypiGdtq7pQ5AhrSL_9fBWxEY7PsOOgbwiDQ3ddU5yHl/w400-h272/ChrisHewittRecordcore100412-2-768x524-696x475.jpg" width="400" /></div><p></p><h3 style="text-align: center;"><span><span style="font-family: verdana; font-size: small; text-align: left;">Martin Hannett, productor de Joy Division, en el estudio de grabación.</span></span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;">Joy Division fueron una banda completamente abierta a la experimentación y a asumir riesgos en su impronta, cosa que su productor terminó de cimentar al retar a la agrupación a expandir cada vez más su paleta sonora con improvisaciones y a llenar de gran profundidad no sólo el significado detrás de sus canciones, sino las melodías que las comprenden. Ahora, creo que es tiempo de desgranar el repertorio de temas que conforman esta gran obra del </span><i style="font-family: verdana; text-align: left;">rock </i><span style="font-family: verdana; text-align: left;">a continuación:</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana;"><span><span style="text-align: left;">Da comienzo el LP con la disonante y etérea <i><b>Atrocity Exhibition</b></i>, un corte repleto de matices sonoras y una marcada batería dando lugar a los versos que hacen referencia a la novela </span></span><span style="text-align: left;">«</span><span style="text-align: left;">La Exhibición de Atrocidades</span><span style="text-align: left;">»</span><span style="text-align: left;"> de J.G. Ballard. En temas como éste se nota mucho a donde querían llegar Joy Division, mostrando su versatilidad como músicos. Irrumpe enseguida la más vertiginosa e instantánea <i><b>Isolation</b></i>, una canción que aunque date de hace 40 años, suena mucho más relevante actualmente. Este tema posee un sonido de </span><span style="text-align: left;"><i>post-punk</i> </span><span style="text-align: left;">muy reconocible, pero con mayor inclinación hacia los sintetizadores, los cuales se complementan con el penetrante bajo de </span></span><span style="font-family: verdana;">«</span><span style="font-family: verdana; text-align: left;">Hookie</span><span style="font-family: verdana;">»</span><span style="font-family: verdana; text-align: left;"> y la intrigante voz de Ian -quien se sentía muy alienado tanto del grupo como de su familia-. Le sigue la más reflexiva pero consistente <i><b>Passover</b></i>, una canción más contenida musicalmente. Sin duda uno de los temas más poderosos del largo en mi opinión. <i><b>Colony</b></i>, por otra parte, es otro trallazo de canción si me lo permiten, una pista más electrizante e inmediata -inspirada en un cuento de Franz Kafka- con un ritmo mucho más simple gracias al impresionante trabajo de la banda en conjunto. </span><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><b><i>A Means To An End</i></b> es una canción muy poderosa debido al aventurero bajo de Hook, los arpegios adecuados de Sumner a la guitarra, una batería de Morris marcando el ritmo y con Ian Curtis desgranándose en plena canción -la letra, al igual que la gran mayoría, reflejaban su debacle personal en aquel momento-. Así cierra una convulsiva primera cara del LP.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Abriendo una segunda cara relativamente tranquila, se avecina <i><b>Heart and Soul</b></i>, otro corte muy elaborado y en la línea experimental del álbum, con una batería más protagonista y un bajo más sutil, complementados de guitarras evocadoras y un delicado trabajo vocal. Tras aquel tema, llega la contundente <i><b>Twenty Four Hours</b></i>, un temazo en toda regla, muy oscuro y atmosférico. El sonido del bajo conduce esta canción de forma esplendida, junto con unas arrolladoras guitarras complementadas con una batería muy marcada, y la melancólica interpretación del vocalista. Un <i>tour-de-force</i> de sonoridad lúgumbre. <i><b>The Eternal</b></i>... posiblemente el corte más sublime y dinámico de todo el LP a mi parecer, un tema progresivo e intenso que se compenetra perfectamente con un punzante bajo de Hook, un piano marcado cortesía del productor y unas voces de Curtis desgarradoras. Una pieza muy adelantada a su época. Y para darle final al álbum, cerramos con <i><b>Decades</b></i>, un tema dominado por los sintetizadores y un robótico ritmo en tono de marcha fúnebre, el cual va cobrando intensidad paulatinamente hasta llegar a un final merecedor de una obra de arte como lo es un álbum como <i>Closer</i>.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="953" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMsGOGYQr4I56_k6pz1AYOie4UEjFTyatLLcSdFbRpSVFdP9kpf8oWJqwX4MpFP2Pm5TrVKAhIxHVUJ1PIoTP09590IgyQYodSgcO2OQNzbq2R7BgZ5YqOlPwc9DWODKdOJX0wZMwIgacP/s320/front.jpg" /></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Al igual que <i>Unknown Pleasures </i>hace un año, <i>Closer </i>fue re-editado el pasado julio en una edición remasterizada para los amantes del vinilo por su 40 aniversario.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="font-size: large;"><i><b>Closer </b></i>(<i>Factory</i>), supone esencialmente el epitafio perfecto no sólo para un mito como Ian Curtis, sino para la propia banda que lo representa, es decir, Joy Division... ¿Y por qué les digo esto? pues porque como ustedes sabrán, Joy Division fue sepultada el 18 de mayo de 1980, día en el que Ian Curtis, agobiado como cansado de su frágil estado físico y su constante lucha interna consigo mismo -tras escuchar el acetato de <i>The Idiot </i>de Iggy Pop y ver <i>Sroszek </i>de Werner Herzog en la televisión- se ahorcó -con la soga del tendedero de ropa- en la cocina de su vivienda en Macclesfield para partir definitivamente -más no al sitio de encuentro con la banda antes de volar a su gira estadounidense-.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="font-size: large;">Si bien, además de la considerable epilepsia y el deplorable estado de ánimo que invadían la depresiva e inquieta psique de Curtis, también se sumaban otros factores, como su relación extra-marital con la periodista belga Annik Honoré, cuya infidelidad le hacía más feliz en el ámbito amoroso pero le proporcionaba una culpa interior al ignorar completamente a su esposa Deborah y a su pequeña hija Natalie. Pero al igual que ocurrió con Los Beatles en su tiempo, no toda la culpa recae en esta especie de Yoko Ono, ya que al igual que el cuarteto de Liverpool, Joy Division poco a poco se estaba fragmentando debido a las tensiones en el seno del grupo y los crecientes infortunios causados por la enfermedad de Ian.</span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana;">Tras la muerte prematura de Ian Curtis a los 23 años, Joy Divison editaron en julio de 1980 tanto el LP <i>Closer </i>como sencillos aparte, la atemporal <i><b>Love Will Tear Us Apart </b></i>y la hipnótica <i><b>Atmosphere</b></i>, las cuales inmortalizaron el legado de Curtis a su vez del de la banda británica. </span><span style="font-family: verdana;">¡Hasta la próxima roqueros!</span></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/zuuObGsB0No" width="320" youtube-src-id="zuuObGsB0No"></iframe></div><p></p><p></p><p></p><p></p>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-81256881678273120452020-12-18T15:00:00.001-04:002022-11-24T19:58:44.965-04:00TAME IMPALA - INNERSPEAKER <p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En el mundo del <i>rock</i>, es complicado lograr ser lo suficientemente original y ambicioso como para que un álbum sea un logro tanto artístico como comercial. Sin embargo, cuando Kevin Parker formó el proyecto Tame Impala, logró lo anteriormente mencionado al ser lo bastante artístico y comercial.</span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj08jVaPngWue2l-p9rOVYoJu2wemTtDnxfWaV7Bky-soTpAdF8iVrSu-_iDSJeYjkIj-TTotJ4Xe7rUz24Xp9QosPKQSBCDeAo5Pz_ktrmax9DQlqmB-XaxftbzgAAylh66lQqkt8ZiwJr/s640/wp5576611.jpg" width="640" /></span></div>
<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Como ya previamente he contado a lo largo de este blog acerca de Tame Impala, es preciso tener en cuenta que no se trata de una banda de <i>rock psicodélico</i>, sino de un proyecto musical donde Kevin Parker, mente maestra detrás del mismo, actúa como cantante, arreglista, multi-instrumentista, productor y un largo etcétera... En pocas palabras, Kevin Parker es Tame Impala.<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Todo comenzó cuando Parker, desde muy temprana edad, empezara a interesarse por la música y así demostrar su talento innato al grabar su propio material de forma independiente consecuentemente, contando sólo con guitarras adquiridas de su papá y equipos de sonido lo suficientemente útiles como para que un muchacho con tendencias artísticas encontrase su propio nicho musical. Así lo describiría Parker en retrospectiva: </span></span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span style="text-align: left;"></span><blockquote><span style="text-align: left;">«</span><span style="text-align: left;">Siempre he grabado música. Cuando tenía 12 años, solía instalar dos grabadoras y grabar varias pistas. Primero grababa un ritmo en la batería y luego ponía esa cinta junto a otra grabadora mientras tocaba el teclado. Entonces tomaba esa cinta y tocaba el bajo junto con </span><span style="text-align: left;">esa parte de</span><span style="text-align: left;"> batería y teclado. Seguía agregando instrumentos. Hice eso durante mucho tiempo hasta que mi papá me compró una grabadora de ocho pistas, y continué grabando música por mi cuenta, incluso si estaba en otras bandas al mismo tiempo</span><span style="text-align: left;">»</span><span style="text-align: left;">.</span></blockquote><span style="text-align: left;"></span></span></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Y después de grabar música por su cuenta incluso estando en otras bandas al mismo tiempo, fue a finales de la década del 2000 cuando Kevin logró conseguir un contrato con el sello independiente <i>Modular Recordings</i>. Recientemente en una entrevista el músico confesó que cuando firmó con la discográfica, le mintió a los ejecutivos alegando que Tame Impala se trataba de una auténtica agrupación de músicos (era tan tímido como para admitir que el material era grabado enteramente por él mismo).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Anticipando al disco protagonista de esta reseña, Tame Impala lanzaría primeramente un EP homónimo en el año 2008, el cual incorporaba canciones que, a pesar de contar con una producción mucho más primitiva, suponían una auténtica declaración de intenciones por parte de Parker al sacar a relucir composiciones repletas de un sonido crudo y electrónico, en cuanto a <i>rock psicodélico</i> se refiere. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Fue a partir de ahí que Kevin Parker empezó a trazar el camino que quería recorrer como músico al comprender un abanico de temas con inclinación a la psicodélia y de esta forma, dando los primeros destellos de grandeza.</span></p><span><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Y es que estos primeros lanzamientos por parte de Tame Impala son un claro reflejo de sus palpables influencias, entre las cuales podemos destacar el <i>rock psicodélico</i> de los años sesenta junto a grupos como Cream, The Jimi Hendrix Experience, The Beatles y Grateful Dead principalmente. Sin embargo, Kevin es un apasionado por la melodía <i>pop </i>más delicada, demostrando dicha pasión por gente como Supertramp, Bee Gees, Kylie Minogue e incluso Britney Spears.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Ya adentrándonos en la reseña, podemos mencionar que las grabaciones de esta placa tuvieron lugar en una mansión en <i>Injidup </i>(Australia) llamada <i>Wave House</i>, en donde Parker dio sentido y forma a las composiciones que llevaba consigo para crear este LP, sin embargo, no sin obstáculos por delante... Si bien, aunque se encontraba en una localidad tan serena como para llenar la mente de la requerida inspiración y creatividad, la mansión estaba desprovista de un eficiente suministro eléctrico y constantemente sufría a causa de fluctuaciones de luz (cosa habitual aquí en Venezuela, por cierto), lo cual derivaba en la perdida de sus grabaciones en el peor de los casos.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Aun así, ya finalizado el verano del 2009, Parker logró completar todo el trabajo básico en <i>Wave House</i>, adicionalmente en su propio estudio casero, y sobretodo en los <i>Poon's Head Studios</i> contando con la ayuda del productor David Fridmann (The Flaming Lips) y sus compañeros de banda, Jay Watson y Dominic Simper, contribuyendo con los toques finales.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Escuchar a Tame Impala, personalmente, supone un ejercicio que evoca múltiples sensaciones y emociones que se transmiten en cada nota musical dentro de cada una de las canciones que conforman un álbum como éste, el cual pretende resonar como un caleidoscopio repleto de <i>riffs </i>de guitarra envolventes, bajos conductores, baterias arrolladoras y melodías tan explosivas como hipnóticas. No hace falta estar bajo los efectos del ácido o cualquier otra droga como para entrar en un estado de lisérgia al escuchar este álbum.</span></p></span><span><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><span style="font-family: verdana;"><img border="0" data-original-height="333" data-original-width="500" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1rgwWAhUMWUdRT749TVO1XhtSaygf9gjYLyJMuhCFVwN201pV_2hytbEnLWSvpBJBtqLQkJJpynBn8yQNjCiMOarQzTXHtIpEmi70WokFKbmPaQUlzhJBk3-E2zKZP4XwVVssFFL8JXv-/w400-h266/93a8e1ffae4bb274dfa630303d53611d.jpg" width="400" /></span></div><div style="text-align: justify;"><p><span style="font-family: verdana;"><span style="font-size: large;">De la ambición musical de un chico oriundo de Perth (Australia) fue de donde salió a flote este maravilloso álbum debut, es decir, <i>Innerspeaker</i>. </span><span style="font-size: large;">Ahora, sin más nada que añadir, voy a proceder a hacer el debido comentario repasando todos los temas que conforman este glorioso disco:</span></span></p><p><span style="font-family: verdana; font-size: large;">La psicodélia no puede sonar más actual con<i><b> It's Not Meant To Be</b></i>, la primera placa del LP, un tema muy atmosférico y árido basado en unos cálidos arpegios de guitarra, una lírica existencialista y un trabajo melódico que nos remite a los años sesenta. Enseguida irrumpe <i><b>Desire Be Desire Go</b></i>, un trallazo lisérgico con una base musical contundente y visceral pero con un ritmo mucho más pegadizo. Los teclados buscan mayor protagonismo en la alucinante <i><b>Alter Ego</b></i>, un corte intenso e interesante con un trabajo melódico y vocal aún más volado. <i><b>Lucidity</b></i>, por otro lado, mantiene el nivel de <i>neo-psicodélica</i> con un <i>rock </i>muy guitarrero en todo su esplendor. Para romper el molde viene <i><b>Why Won't You Make Up Your Mind?</b></i>, una canción más contenida, recargada de teclados y guitarras muy evocadoras, incluido el trabajo vocal de Kevin. Avanzamos con <i><b>Solitude is Bliss</b></i>, sin duda mi tema preferido de este disco y el más directo de todos, una composición mucho más limpia, pegadiza, y con una letra que deja relucir esa temática sobre la soledad que tanto aborda el autor.</span></p><p><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Ya en el ecuador del LP nos encontramos con <i><b>Jeremy's Storm</b></i>, un corte instrumental muy melódico e hipnótico basado en unos arpegios de guitarra que nos evocan a un estado de lisérgia sin necesariamente estar drogado (ni falta que hiciera). Le sucede <i><b>Expectation</b></i>, una canción cargada de un <i>riff </i>demoledor y un sentido por la melodía más progresivo muy palpables que resuenan en nuestros oídos como un combo de <i>rock psicodélico</i> en todo su esplendor. Y en un suspiro, surge <i><b>The Bold Arrow of Time</b></i>, la cual suena más a un auténtico tema de Cream que de Tame Impala, pero Parker la impregna de su impronta musical y se erige como el corte más infravalorado de todo el conjunto, sus arrolladoras guitarras y su estrepitoso ritmo lo ponen en testimonio. A continuación <b style="font-style: italic;">Runaway, Houses, City, Clouds</b>, la pista más larga (siete minutos) del álbum y sin duda la más ambiciosa de todas debido a su espacial lisérgia y un manto de guitarras más ensoñador. Y para cerrar llega<i><b> I Don't Really Mind</b></i>, una de las mejores canciones y de las más inmediatas del conjunto, con una melodía más sobria y menos recargada de artificios, en donde despedimos un disco que, literalmente, nos hace volar.</span></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh22MylicHxB9_0FFgxdN6GuMfscLPyakAwn69_AdIuiAyQR_u-C4NSOdZQXImWb1XpiNDibRUmr4sJaMPMdpvFFuNUW2D2TftYrp5akTutjPD5hHVPsZ71f4lahiz38EcP6Wmdm8KxUOU5/s320/98512122378655.56311ccf4a595.jpg" /></div><h3 style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;"><b><i>Solitude Is Bliss, Lucidity, Expectation y Why Won't You Make Up Your Mind </i>fueron los sencillos publicados.</b></span></h3><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Innerspeaker </b></i>(<i>Modular</i>) fue el verdadero soplo de aire fresco y el gran impulso que necesitaban no solo el <i>rock psicodélico</i>, sino el <i>rock </i>del siglo XXI como tal, con un nuevo talento dispuesto a darlo todo y a traer devuelta un nuevo punto de partida para la música de guitarras en la actualidad.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Una vez lanzado en mayo de 2010 y antecedido por el sencillo <i>Solitude Is Bliss</i>, las buenas acogidas no cesaron, pues esta obra, así como el debut de una banda como Tame Impala, fueron muy bien recibidos en buena parte del mundillo del <i>indie rock</i>, posicionándose fácilmente en los mejores lugares de las listas de éxitos y obteniendo elogios de la crítica especializada al poner el<i> rock psicodélico </i>ante una perspectiva más actualizada.</span></p><p style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Les parecerá sorprendente, pero Kevin Parker no cesa incluso una década más tarde. Tras la buena acogida de <i>Innerpeaker</i>, dos años después le sucedió la opera prima<i> <a href="https://rincondelroquero.blogspot.com/2022/11/tame-impala-lonerism.html" target="_blank">Lonerism</a> </i>(2012). Años más tarde daría un salto en grande con <i>Currents </i>(2015). Y más recientemente, fuimos testigos del álbum <i><a href="http://rincondelroquero.blogspot.com/2020/04/tame-impala-slow-rush.html" target="_blank">The Slow Rush</a> </i>(2020)<i>. </i>¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/zUBmw68j2D0" width="320" youtube-src-id="zUBmw68j2D0"></iframe></div></div></span><p></p>
Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8960829851511087449.post-86765649790836685392020-10-08T13:35:00.071-04:002022-12-20T20:40:01.883-04:00THE CHARLATANS<p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Cuando escuchas la música que han hecho grupos de trayectoria como The Charlatans, te das cuenta de porqué son una de las bandas más influyentes del rock británico en la actualidad. Tim Burgess y los suyos llevan en activo desde 1989, treinta años de carrera siendo parte de todos los géneros musicales que han repercutido en el rock inglés desde entonces.</span></p><div style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDR1JyrtnAJZjfo5IRhxYUgonH7xJtTGeXdg8Tm0F56Z-slLCC1IpadnB_m5HelpAeS5OyWrAtRt2WtERg890cjvsJ6HMZkk8zPihuXwN8PtkRiN1FIQa0RMcTaizDNUg0deEssOtiB4Mn/w640-h413/Charlatans-2-resize.jpg" /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Principalmente oriundos de West Midlands y en parte de Norwich (Reino Unido), esta banda se consolidó con la formación (en el orden de la foto) de Rob Collins (tecladista hasta su muerte en 1996), Mark Collins (guitarrista y sin parentesco con Rob), Tim Burgess (vocalista y compositor principal), Jon Brookes (baterista hasta su fallecimiento en 2013), y Martin Blunt (bajista y miembro fundador). Jon Baker era el guitarrista hasta ser reemplazado por Mark prontamente.<span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En principio el sonido del grupo fue muy distintivo aunque se encasillaba dentro del emergente <i>Madchester </i>comandado por The Stone Roses y Happy Mondays. Con claras influencias del rock psicodélico bajo un estilo único que imprimía el órgano <i>Hammond </i>de Rob, se ubicaron enseguida entre las bandas más deseadas de principios de los noventa en Inglaterra.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Poco a poco empezaron a consolidarse con el primer <i>single</i>,<i><b> Indian Rope</b></i>, el cual dio paso para poder firmar con <i>Beggars Banquet Records</i>. Una vez fichados por la discográfica, lanzaron su segundo éxito con <i><b>The Only One I Know</b></i> (No.9;1990), en el cual se nota ese ritmo bailable acorde con el <i>Baggy </i>de la época.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Compaginando un rock expansivo con los ritmos pegadizos del <i>Madchester</i>, se imprime un repertorio de canciones sublimes que dieron cuerpo a su álbum debut, entre las más destacadas están <i>You're Not Very Well, The Only One I Know, Opportunity, Then </i>y <i>Sproston Green</i>.</span></p><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><div><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEic9oo3jUCwYuzzFB-6kf2WSjrDkGZjSG5YXvaZxXDqBOcp7WO4mbMiZQ7oX3MX0WW99BcFs1Hpngbs5Xprg-KmIR3BUFKZVPSGserkMvfFLzhx4FddpsQD3CEr43RNWNSuDbtdrGkjpdsw/w320-h320/Front.jpeg" width="320" /></span></div></div></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Sin duda, uno de los álbumes más interesantes e infravalorados de su género.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Some Friendly</b></i> (<i>Beggars Banquet</i>), lanzado en octubre de 1990, hace ya 30 años, supuso el sorprendente debut de los Charlatans, producido por Chris Nagle en condiciones no tan agradables debido al escaso material por parte de la banda y diversos altercados con los dueños del estudio. Sin embargo, el grupo obtuvo su primer no. 1 en el <i>UK Album Charts</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Ya para 1991, tras su primera gira por Estados Unidos, adoptaron el nombre de </span><span>«The Charlatans UK» </span><span>para evitar confusión con otra banda del mismo nombre. Por otra parte, Baker abandona la agrupación, siendo reemplazado por Mark, quien se ha mantenido desde entonces.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En medio de todo esto, lanzaron el <i>single</i> <i><b>Over Rising</b></i> (No.15;1991), en el que se nota cierta evolución, aunque <b><i>Me. In Time</i></b> (No.28;1991) muestra el verdadero salto hacia un estilo propio en mi opinión.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Para su expectante segundo álbum, optaron por marcar un paso hacia terrenos más electrónicos. Podemos destacar cortes como<i> I Don't Wanna See The Sights, Tremelo Song, Can't Even Be Bothered, Weirdo</i> y<i> (No One) Not Even The Rain</i>.</span></p><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw6WVlCxeZGkpzrfcR5nSh1Sha0Tpw6sT_fEAe-XnhB2jzTf4DmYjyvsVRFYlWyHFKLHzUG9SbGdTbuP6faGeHvAESD_Sqd8ozjb4BuczDrGQWmYvyY2w4d_YNw0iax1TlloiuSKqDYJPM/s600/Front.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw6WVlCxeZGkpzrfcR5nSh1Sha0Tpw6sT_fEAe-XnhB2jzTf4DmYjyvsVRFYlWyHFKLHzUG9SbGdTbuP6faGeHvAESD_Sqd8ozjb4BuczDrGQWmYvyY2w4d_YNw0iax1TlloiuSKqDYJPM/w320-h320/Front.jpeg" width="320" /></span></a></div></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Un segundo trabajo en busca de algo más original.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Si bien, <i><b>Between 10th and 11th </b></i>(<i>Beggars Banquet</i>), lanzado en marzo de 1992 y precedido por el <i>single <b>Weirdo </b></i>(No. 19;1992), resultó un trabajo arriesgado por parte del grupo. Las guitarras de Collins exhiben gran protagonismo y el productor </span>«Flood» ayuda a la banda a expandirse con un LP experimental.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Tras la tibia recepción del disco (no llegó ni al <i>top 20</i>), el grupo logró mantenerse relevante durante la gira <i>Daytripper </i>junto a Ride. Sin embargo, a fines de 1992, Rob Collins es arrestado tras un robo realizado por un amigo a quien acompañaba, por lo que terminó en prisión durante cuatro </span><span>de ocho posibles meses.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Contando con escasas contribuciones por parte de Collins, su siguiente disco denota un conjunto de temas digeribles y con Steve Hillage de productor, exhiben una producción más enfocada. Entre las mejores canciones están <i>Easy Life, Can't Get Out of Bed, Feel Flows, Jesus Hairdo</i> y <i>Patrol</i>.</span></p><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8RWXFLshO0RJDOogbBCHsrFq2dTzlt4G7bW3GfhXx5CcF5YQWGU4kvwSb3F-JsthQ4q_37EaHAGTcFh6PpZV-HE5yWWNgEkEwzcLevysh7JpresH33l3CoUAYIecHjP6OFJh9HOIE1usJ/s600/Front.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8RWXFLshO0RJDOogbBCHsrFq2dTzlt4G7bW3GfhXx5CcF5YQWGU4kvwSb3F-JsthQ4q_37EaHAGTcFh6PpZV-HE5yWWNgEkEwzcLevysh7JpresH33l3CoUAYIecHjP6OFJh9HOIE1usJ/w320-h320/Front.jpeg" width="320" /></span></a></div></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Uno de sus mejores álbumes, cuya portada sigue siendo una de las más icónicas del rock británico.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Con <i><b>Up To Our Hips</b></i> (<i>Beggars Banquet</i>), antecedido por el sencillo <i>Can't Get Out of Bed</i> (<i>Top 10</i>), The Charlatans se anticipaban a lo que pronto se conocería como <i>Britpop</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Si bien, la banda modernizó su propuesta a favor de melodías inmediatas y líricas interesantes en un álbum más rotundo, sin dejar a un lado el virtuosismo de sus integrantes.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Ya recuperado un poco del éxito, deciden entonces doblar la apuesta, esta vez con un disco inspirado, tomando su gusto por el <i>rock a la Rolling Stones</i>, su ritmo surco y con pop de buena factura. Podemos destacar canciones como <i>Just Lookin', Crashin' In, Bullet Comes, Soul Saver</i> y<i> Thinkin' Things Over</i>.</span></p><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQhpIIIjI9GiGDeLPN-IianVL6om9nhrzRsSlqXqBv3CnM45dXctzFpkEqlI9RlaUtL8QUaeHxf9rqOCa_3Cgv9Q9Z1EAgVIG9wL6Ox8H3QfP2OYyDIT5lM9ZnAA7I4SS-arljl41aL2s5/s600/Front.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQhpIIIjI9GiGDeLPN-IianVL6om9nhrzRsSlqXqBv3CnM45dXctzFpkEqlI9RlaUtL8QUaeHxf9rqOCa_3Cgv9Q9Z1EAgVIG9wL6Ox8H3QfP2OYyDIT5lM9ZnAA7I4SS-arljl41aL2s5/w320-h320/Front.jpeg" width="320" /></span></a></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Aquí se exhiben las aspiraciones musicales de esta banda que no teme por darlo todo.</span></h3></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Titulado al igual que la banda que lo presenta, estamos ante el álbum más genuino de los Charlatans (<i>Beggars Banquet</i>), lanzado en agosto de 1995, sí, 25 años ya.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Precedido por el <i>single</i> <i><b>Just When You're Thinkin' Things Over </b></i>(No.12;1995), este LP devolvió al grupo el éxito comercial y de crítica que les abrió las puertas cinco años atrás, esta vez producido por Dave Charles.</span><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><br /></span><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Lo cierto es que tras finalizada la eventual gira, la banda viajó hasta Monmouth (Gales) para grabar su siguiente álbum, pero en el camino ocurrió algo inesperado...</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Rob Collins muere en un accidente automovilístico bajo los efectos del alcohol en julio de 1996, los Charlatans estaban devastados.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Aun así, tras un concierto mayúsculo como teloneros de Oasis en <i>Knebworth Park</i>, lograron completar un trabajo más determinante con temazos como <i>With No Shoes, North Country Boy, Tellin' Stories, One to Another, How High</i> y <i>Get On It</i>.</span></p><div style="text-align: left;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="598" data-original-width="600" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMJ0ZkhDmiBFWNd7HrvGmsOtTlKcZVAx8BEhKFJdQc-JE7_JiH8YZNDQNPyvziOIWxPG_HjgNSwy4O-eUkxSqq-49nq0GVa6qjUFolFhy518ZaDL9D48fkHACyFkjRVzPdTFQUzewH_8qs/w320-h319/Front.jpeg" width="320" /></span></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Personalmente mi álbum favorito ya que reúne un repertorio de canciones álgidas.</span></h3></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Tellin' Stories</b></i> (<i>Beggars Banquet</i>), supuso en abril de 1997 el mayor hito para The Charlatans, entrando directo al no. 1 y siendo el último junto a Rob (quien toca 90% del LP).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Precedido por el <i>hit <b>One To Another</b></i><b> </b>(No.1;1996), a su vez de una triada de sencillos <i>top 10</i>, resulta el álbum más redondo del grupo, producido nuevamente junto a Charles.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tras la adición de Tony Rogers como reemplazo a tiempo completo de Collins, el lanzamiento del grandes éxitos <i><b>Melting Pot </b></i>(1998) y el finiquito de su contrato con <i>Beggars</i>, los Charlatans firman con <i>Universal Records</i> y comienzan un nuevo capítulo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Si bien, su sexto LP supuso un trabajo más maduro, variado y completo musicalmente, gracias a temas como <i>Forever, Impossible, A House Is Not a Home, My Beautiful Friend, The Blind Stagger</i> y <i>Watching You</i>.</span></p><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img height="320" src="https://img.discogs.com/HFV9u5p2-_Bk4RjIcu12QuRKSc4=/fit-in/600x600/filters:strip_icc():format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/R-550352-1282542857.jpeg.jpg" width="320" /></span></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Un repertorio de canciones más acústicas pero sonando tan urgentes como antes.</span></h3></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tras su lanzamiento en octubre de 1999,<i><b> Us and Us Only</b></i> (<i>Universal</i>) antecedido por el épico <i>single <b>Forever</b></i>, muestra un punto de quiebre en la música de The Charlatans al incorporar nuevos elementos a su paleta sonora. Logró posicionarse en el puesto 2 del <i>UK Album Charts</i> y fue bien recibido por la crítica.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Ya para comienzos del siglo XXI ocurrieron los altibajos, Tim se muda a L.A. con la Sra. Burgess, Tony es diagnosticado con cáncer testicular y el mundo de la música se transforma.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">A pesar de todo, los Charlatans dan un cambio de rumbo hacia nuevas influencias como el <i>soul </i>y el <i>funk </i>con un álbum más bailable. Podemos nombrar temas como <i>You're so Pretty - We're so Pretty, Judas, Love is the Key, A Man Needs to be Told </i>y <i>And If I Fall</i>.</span></p><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="981" data-original-width="991" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiyjSwyc6-vBMTfBxSH9FTohGYuyzdBEY3HQY2xHhC-Gkf1zQSKG80f7vV0spLAacv4GEfTQw4foaMCuzERs86bJWy31RZjeCn4tgDFVrwYcy3tdJLhJkQfBod2E25jMY9NZkQn5U2f9rY/w320-h317/Front.jpg" width="320" /></span></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Uno de sus álbumes más melódicos y en el cual Burgess emplea el falsete.</span></h3><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Wonderland </b></i>(<i>Universal</i>), lanzado en septiembre de 2001, significó una nueva etapa en la carrera del grupo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Precedido por el <i>single <b>Love is the Key</b></i>, estamos ante quizá el disco más pop de los Charlatans, variado musicalmente pero marcado por un sonido deudor de la música negra americana. Esta placa fue la primera de varias producidas por James Spencer.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Luego de la recepción fría de este trabajo, deciden tomarse un buen tiempo para descansar, en el cual Burgess concibe su primer álbum solista (<i>I Believe</i>, 2003), y lanzan tanto el compilatorio de <i>B-Sides, Songs From The Other Side</i>, como el directo<i> Live It Like You Love It</i>, ambos en 2002.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Cuando entraron a elaborar su octavo LP, </span>«Los Charlies» tenían claro que querían hacer un disco despojado de experimentos y con un sonido más básico. Podemos destacar cortes como <i>Up At The Lake, As I Watch You, High Up Your Tree, Loving You is Easy</i> y<i> Try Again Today</i>.</span></p></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="593" data-original-width="599" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRJRUWJ63TXtee_esj_NGWj_qufWuW_Az-e_PmP_3Taa1TyIN9ikvFOJaYDX3OfMHncUG2Yhk6A_upwll8q-GxKBcwaZfmWSc-UlNlGiA36UUEdJnwivcQs45dqi75AX6M8AeS9DXoOom8/s320/Front.jpg" width="320" /></span></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">De mis preferidos de los Charlatans y hasta ahora, su placa más subestimada.</span></h3></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Up At The Lake </b></i>(<i>Universal</i>), lanzado en mayo de 2004, es el único trabajo de la banda en no ser editado en E.E.U.U. pero no por ello merece ser olvidado.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Este LP encuentra a la banda en plenitud de facultades y en su faceta más inmediata musicalmente.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>Ya pasados un par de años entonces, </span>«<span>Los Charlies</span>» se aventuran con un cambio de estilo tras firmar con <i>Sanctuary Records</i>, esta ocasión incorporando sonidos como el <i>dub, reggae, ska </i>y el <i>funk</i>, y aunque el experimento no termine de convencernos, tenemos un trabajo con geniales temas como <i>Blackened Blue Eyes, Dead Man's Eye, Muddy Ground </i>y <i>Glory Glory</i>.</span></p><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="606" data-original-width="599" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzRQV9oEao42ft43mr-Nq_tEb7spRInbucVljk87CNFRpFDhgIRNpIOs6iYoHYxaay2Ic7Z7FEQ3BJu7MxrIp9rwVzybwLqF8nn0zf0Kqg4sVhSKCDiy59YkQU4TR6V4VXMD5f6Oe2Kxwa/s320/R-4582741-1539875810-1841.jpeg.jpg" /></span></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Tal vez habría resultado mejor de haber sido un álbum solista de Burgess.</span></h3></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Simpatico </b></i>(<i>Sactuary</i>), tal vez sea el LP con mayores carencias de los Charlatans, pero aún así, posee canciones muy rítmicas y muestra que pueden probar cosas distintas a pesar de sus limitaciones. Contamos con su <i>single </i>más redondo desde 1996 con <i><b>Blackened Blue Eyes</b></i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Tras la edición de su segundo grandes éxitos con el esencial <i><b>Forever The Singles</b></i> (<i>Sanctuary</i>) ese mismo año, la banda se tomó su tiempo para elaborar el siguiente álbum de estudio.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana;">Avanzado un par de años, el grupo optó por reinventarse y esta vez, dieron justo en el clavo.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: verdana;">Ahora introduciendo una base deudora del revitalizado <i>post-punk</i> y compaginándolo con toques electrónicos, encontramos temas de alto nivel como <i>Oh! Vanity, Mis-Takes, You Cross My Path, My Name is Despair</i> y <i>This is the End</i>.</span></span></p><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="1403" data-original-width="1418" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUiHlXfw9aacuCjdbHl4hOJpSQB96dGVtp0lKnrP5TNNAd_2nmoorOFBygddENRMI0ToiYtTID-MqRIN0Byc_ZGxYiQ2R3FCgrbInXXf89MlT7VCsDjsiw1pCo1GeA5wHDINvHPbP7gZAV/w320-h317/Front.jpg" width="320" /></span></div><h3 style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Su LP más potente y alternativo.</span></h3><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>You Cross My Path </b></i>(<i>Cooking Vinyl</i>), lanzado de manera gratuita en marzo de 2008 y antecedido por el trallazo de <i>single <b>Oh! Vanity</b></i>, es simplemente un álbum brillante, uno de sus más consistentes y musculosos, con unos bajos muy sugerentes, teclados correctos, guitarras más potentes, un registro vocal de Tim vigoroso y una producción sensacional de Spencer.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Si bien, ya apunto de cumplir sus 20 años de trayectoria, «Los Charlies» una vez más optan por un cambio.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Aunque se dispusieran para su undécimo LP a trabajar con «Youth» (afamado productor experimental), la banda se acomodó en sus autoindulgencias por primera vez.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Dentro de este disco de carácter variado, nada cohesivo y poco trascendente, encontramos temas decentes como <i>Love Is Ending, My Foolish Pride, Your Pure Soul, Smash The System</i> y <i>Oh!</i></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQT42aR2HsqGfuLmJQv5D60zmJriLkp9b1pgHGHBD7h3ovBBeSytV7mT-ths_p7MxHXE4qDwZSKufQre-tSkbwmI2QYaBx8Ae5wh9VjFwOXOM6-ffrGIQIOXeatbYqNZyUKKilmc4R3_lS/s597/R-7240250-1446051090-5915.jpeg.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="530" data-original-width="597" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQT42aR2HsqGfuLmJQv5D60zmJriLkp9b1pgHGHBD7h3ovBBeSytV7mT-ths_p7MxHXE4qDwZSKufQre-tSkbwmI2QYaBx8Ae5wh9VjFwOXOM6-ffrGIQIOXeatbYqNZyUKKilmc4R3_lS/s320/R-7240250-1446051090-5915.jpeg.jpg" width="320" /></span></a></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">En mi opinión, el disco adulto contemporáneo de los Charlatans.</span></h3><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><i><b>Who We Touch</b></i> (<i>Cooking Vinyl</i>), lanzado en septiembre de 2010 (sí, 10 años) y presentado con<i><b> Love Is Ending </b></i>como sencillo, tal vez sea un álbum plano cuya producción no resulta, pero aún así, muestra a la banda haciendo buena música incluso 20 años después.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Si bien, tras el comienzo de la nueva década, el grupo de nuevo se enfrenta a las adversidades...</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">En 2013, Jon Brookes, batería de la banda, muere debido a las complicaciones del tumor cerebral que padecía desde un par de años atrás.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Ahora, luego de esta nueva perdida, los Charlatans recuperan algo a cambio: la frescura y enfoque que necesitaban, gracias a la ayuda de la discográfica <i>BMG</i>.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Mientras Brookes se sometía a tratamiento, se iba gestando poco a poco el nuevo LP de la mano de una producción rica en matices a cargo de Jim Spencer y un repertorio de canciones más reposadas pero sublimes como <i>Talking in Tones, So Oh, Come Home Baby, Let The Good Times Be Never Ending</i> y <i>Trouble Understanding</i>.</span></p></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDvN0mj0pu2KRRqbXTciSBgqgSONY48RMhDrVMmixhUDO8SeOWq7M27mRNNDWQC8wc5VDpRygmlpFFBBgLhDGq0u7oA9ElUtlI9tDgLgMiSPTZWhsqEA5FDx9Nkt6YbIAKdWffYPU5M25E/w320-h320/modern-nature.jpg" width="320" /></span></div><h3 style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: small;">Su mejor portada en mucho tiempo coincide con su mejor álbum en mucho tiempo.</span></h3><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;"><span>«Los Charlies</span>» efectivamente son unos supervivientes y lo demuestran con <i><b>Modern Nature</b></i> (<i>BMG</i>), lanzado en enero de 2015 y antecedido por el <i>single <b>Talking In Tones</b></i>.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Con esta placa la banda toma lo mejor de su pasado para reencontrarse en el presente, aportando nuevos sonidos tras 25 años de trayectoria.</span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Ya tiempo después y con las expectativas por los cielos, Tim y los chicos deciden esta vez hacer algo en grande, un disco mucho más elaborado musicalmente, con temas como <i>Hey Sunrise, Different Days, Plastic Machinery, Not Forgotten, Let's Go Together </i>y <i>Spinning Out</i>.</span></p></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><div class="separator" style="clear: both; font-size: x-large; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="800" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq2DyLGBcIDU4_2ShyvdwshI88VQDgpRBSD79NXbjGrhxzT3WuDjSI9pZZfJufsc5Ku3T0J6EzVBnjlRf2fmzK8JQsk4Y6EJ9L7O0cRcAcR-Cjo6uWaZtNzsK2flmFNEfQx0iO_rsDtKcY/s320/the_charlatans_differentdays.jpg" /></div><h3 style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: small;">Finalmente los Charlatans suenan a ellos mismos, pero actualizados.</span></h3></span><p style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><span style="font-size: large;"><b><i>Different Days</i></b> (<i>BMG</i>), editado en mayo de 2017 y presentado con el <i>single <b>Plastic Machinery</b></i>, ha sido catalogado como el mejor disco del grupo tras 20 años, y creo que hay tantas razones como para estar de acuerdo.</span></span></p><p style="clear: both; text-align: justify;"><span><span style="font-family: verdana; font-size: large;">Este es un trabajo muy redondo que contiene algunos de los temas más roqueros y melódicos de la banda en años, complementado de una producción sin fisuras y colaboraciones de la talla de Peter Salisbury, Stephen Morris, Johnny Marr y Paul Weller.</span></span></p></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span><p style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: large;">The Charlatans siguen siendo una banda relevante para el rock británico incluso 30 años más tarde, justificándolo con su brillante EP <i>Totally Eclipsing</i> (<i>BMG</i>, 2018), su propio festival en su natal Norwich, y ahora con las celebraciones por sus tres décadas de trayectoria. ¡Hasta la próxima roqueros!</span></p><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/1D-6vg9qlLk" width="320" youtube-src-id="1D-6vg9qlLk"></iframe></div></div></span></div></div>Miguel Querohttp://www.blogger.com/profile/07612918822093909942noreply@blogger.com