David Bowie fue el artista más polifacético del rock 'n' roll, constantemente se reinventaba a sí mismo y en consecuencia, a su música, adoptando una nueva identidad en cada lanzamiento. Quizás por eso y por múltiples razones David Robert Jones fuese un hombre de las estrellas.
Desde los años sesenta, la carrera de David Bowie ha sido participe de distintas formas sonoras, cada vez más eclécticas e innovadoras que la anterior. No solo fue un cantautor, sino que era un actor de método...
Nacido el 8 de enero de 1947 en Brixton, (Londres), David Jones creció en el seno de una familia que lo impulsó a explotar sus tentaciones creativas. La primera atracción musical que orientaría a David fue el jazz, ya que estudió el saxofón desde una muy temprana edad. Durante la adolescencia, formó parte de agrupaciones underground como The Konrads, The Lower Third e incluso The Manish Boys, tocando junto a un compañero de la escuela, George Underwood, quien, tras una disputa por una chica, le propinó un golpe en el ojo izquierdo que le provocó la ida al hospital, tres operaciones y una pupila dilatada permanente que se convertiría en su sello distintivo.
Por buenos motivos y desencantado de ser uno más en una banda, decidió hacerse solista a mediados de los sesenta, originalmente bajo el nombre de David Jones, el cual cambió para que no le confundiesen con Davy Jones (The Monkees), creando así su primer alter ego: David Bowie. Durante esta época, paralelamente estudió mímica de la mano de Lindsay Kemp, quien motivó al joven Bowie a profundizar su amor por el teatro y la actuación.
En esos primeros pasos, ya envuelto en las grabaciones de su primer trabajo como solista, David se movía por géneros como el music hall, el rhythm and blues y en cierta medida, el rock psicodélico de la época, dichas vertientes darían lugar a canciones como Uncle Arthur, Sell Me a Coat, When I Live My Dream, Silly Boy Blue y She's Got Medals para destacarse.
La portada fue una fotografía de Gerald Fearnley, quien retrata a un risueño David Bowie.
Ya para junio de 1967, en pleno Verano del Amor, vería luz su álbum debut homónimo (Deram Records), el cual no le otorgó frutos comerciales y pasó desapercibido por la prensa musical del momento, muy a pesar de que sencillos como Rubber Band y Love You Till Tuesday fueran de lo más encantadores.
Alrededor de 1969, David compuso su primer gran hit, Space Oddity, canción inspirada de haber visto en el cine la opera prima de Kubrick, la Odisea Del Espacio (2001). Dicha balada acústica y lisérgica relata la historia de Major Tom, un astronauta que manifiesta sensaciones de aislamiento en el espacio sideral, del cual le es imposible regresar. El sencillo se posicionó en el 5to lugar del UK Single Charts y se convirtió en la banda sonora del Apollo 11.
Durante la grabación de su siguiente proyecto, Bowie entabló una estrecha colaboración con Tony Visconti. Sin embargo, de las sesiones de este trabajo se desprendieron temas en una vertiente de folk psicodélico con momentos de experimentación en canciones acústicas y melodiosas como Unwashed and Somewhat Slightly Dazed, Letter To Hermonie, Cygnet Committee, Wild Eyed Boy From Freecloud y Memory of a Free Festival.
La ilustración de esta portada fue a partir de una icónica fotografía de Mick Rock.
David Bowie lanzaría su segundo álbum de estudio, Space Oddity (Phillips Records), en noviembre de 1969, un LP injustamente infravalorado. En este corte percibimos como David empieza a elaborar genuinas composiciones desprendiéndose de la fórmula pop de su anterior disco para deleitarnos con un álbum sorprendentemente sideral.
Para su siguiente y determinante tercer álbum, ya hacia 1970, Bowie busca en Tony Visconti una mano amiga, y en su nueva banda de acompañamiento, una fórmula. Si bien, se encaminaron a plasmar una base de hard rock pero manteniendo su lado más melódico para alcanzar un sonido mucho más oscuro en temas como Width of a Circle, All The Madmen, After All, Saviour Machine y The Supermen.
Bowie tomó inspiración de una pintura de Dante Gabriel Rossetti para posar con un diseño de Michael Fish en la comodidad de su sofá.
En noviembre de 1970 se publica su primera gran y significativa obra, The Man Who Sold The World (Mercury Records). Se trata de un disco que sentaría las bases para David Bowie y los años setenta, tomando claras influencias de Led Zeppelin e incluso Black Sabbath. La muerte de su padre y la esquizofrenia que sufría su hermano mayor, Terry Burns, fueron los cimentos que le otorgaron a sus composiciones un sentimiento mucho más inquietante. Aunque, su reciente mudanza a la mansión victoriana Haddon Hall (Beckenham), ayudó a Bowie a otorgar una mayor intriga a su trabajo y a su vida bohemia al lado de su esposa Angie. Dicha mansión se convertiría en un centro de operaciones para muchos amigos del artista.
Durante dicha época, David tomaría nota de otros artistas contemporáneos a él que se desplazaban por direcciones similares, como Lou Reed, Iggy Pop y principalmente el malogrado cantante Vince Taylor, para la creación de un personaje andrógino. Desde 1971, se embarcó en la grabación de nuevas canciones para su siguiente álbum, influenciado por su matrimonio, su reciente visita a los Estados Unidos, así como su exitoso contrato con RCA y sobretodo, por el nacimiento de su primer hijo, Zowie Bowie. Contando ya con toda una banda de respaldo, que al año siguiente serían mejor conocidos como The Spiders From Mars, y esta vez con Ken Scott como productor, este trabajo presenta el sonido folk pop de antaño pero mucho más acertado, con mayor gancho melódico y uniformidad, dando paso libre a algunas canciones muy memorables como Oh! You Pretty Things, Kooks, Quicksand, Song For Bob Dylan y Queen Bitch.
La fotografía del álbum corrió a cargo de Brian Ward y George Underwood le dio el toque final.
Hunky Dory (RCA Records), fue lanzado en diciembre de 1971, precedido por la famosa Changes, una de sus canciones más hermosas. El LP recibió excelentes críticas por parte de la prensa, quienes la consideraron su mejor obra hasta la fecha, incluso el propio Bowie lo considera como uno de los más importantes y esenciales de toda su extensa carrera.
No fue hasta 1972 cuando David vería la fama ante sus propios ojos, o más bien, bajo los de su alter ego, pasando de ser David Bowie a ser Ziggy Stardust, junto a The Spiders From Mars. Este nuevo trabajo narra la historia de Ziggy, un extraterrestre bisexual que se convierte en una estrella de rock al aterrizar a la Tierra, a la cual según él, le quedaban tan solo cinco años. El autoproclamado «mesías del rock 'n' roll» se vuelve victima de su propio éxito, no pudiendo así salvar a los terrícolas de la barbarie, aunque si disfrutó de una plena estadía en el proceso.
El álbum fue grabado entre mediados de 1971 y principios de 1972, inspirado musicalmente por coetáneos como T. Rex, The Stooges e incluso The Velvet Underground. David Bowie, por su parte, se mueve dentro del glam sin olvidar su sensibilidad por el pop con temas más inspirados y de sonido épico como Five Years, Soul Love, Moonage Daydream, Lady Stardust y Ziggy Stardust.
La ilustre portada de este LP, fue tomada como inspiración del libro Wild Boys de Burroughs.
The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (RCA Records), fue lanzado en junio de 1972, entrando al 5to lugar del UK Album Charts, y valiéndole la fama mundial a David Bowie con sencillos como Starman y Rock 'n' Roll Suicide. El LP, según reposa la frase en la contraportada: «DEBE SER ESCUCHADO A MÁXIMO VOLUMEN».
La gira consecuente al lanzamiento fue muy exitosa, contando con presentaciones alucinantes, Ziggy interpretando teatralmente las canciones y los Spiders tocando con total vigor. Poco después, David produciría el álbum de Lou Reed, Transformer, compuso All The Young Dudes para Mott The Hoople y co-produjo junto a Iggy Pop el Raw Power de The Stooges... Todos estos acontecimientos le otorgaron la inspiración necesaria como para grabar otro disco.
Habiendo salido de gira por Estados Unidos, Bowie empieza a trabajar en lo que sería su primer material escrito en medio del estrellato. Grabado en enero de 1973, estos temas son mucho más roqueros y vertiginosos que su antecesor, debido a la presión por sacar un nuevo lanzamiento. Partiendo desde la estridencia del blues rock, con un lado más experimental, junto a melodías de influencia norteamericana, se destacan Watch That Man, Aladdin Sane, Panic In Detroit, Cracked Actor y The Prettiest Star.
La icónica fotografía y diseño de esta portada fueron obra de Brian Duffy.
Aladdin Sane (RCA Records) fue lanzado en abril de 1973, siendo precedido por los sencillos The Jean Genie, Drive-In Saturday y Time. El LP entró en el primer puesto de las listas de Reino Unido y en E.E.U.U, vendiendo unas cuatro millones de copias en todo el mundo.
Lo cierto es que David Bowie era un actor de método, a él le gustaba más ser Ziggy antes que ser él mismo, pero poco a poco, le sería imposible desprenderse de su personaje... Su último concierto junto a The Spiders From Mars tuvo lugar en julio de 1973 en el Hammersmith Odeon y fue documentado por D.A. Pennebacker, el cual muestra todo el recital y la muerte de Ziggy Stardust en directo.
Para despedir mucho más merecidamente a sus Spiders, a fines de 1973, se edita un álbum que copilaba versiones que rendían tributo a sus canciones preferidas de los años sesenta como Rosalyn (The Pretty Things), Here Comes The Night (Them), I Wish You Would (The Yardbirds), See Emily Play (Pink Floyd) y Friday On My Mind (The Easybeats).
Bowie posa junto a la modelo Twiggy en lo que iba a ser unas fotografías para la revista Vogue, capturados por Justin de Villeneuve.
Pin Ups (RCA Records) no será un LP con material original, pero debemos tomar en cuenta la calidad en la cual un artífice como Bowie revisita algunos de los mejores temas del pop británico de la década de los sesenta y los reinventa con su distintivo e inconfundible glam rock en sencillos como Sorrow.
En medio de todo esto, David se había mudado a los Estados Unidos, empezando entonces a elaborar canciones basadas en otro nuevo personaje que creó: Halloween Jack.
Sin embargo, Bowie mantuvo sus influencias muy presentes en sus nuevas composiciones, pero que líricamente estaban inspiradas en la novela 1984 de George Orwell, que se regía en un futuro post-apocalíptico en pleno estado totalitario. Y aunque David le diese su visión propia al proyecto, básicamente era una puesta musical del libro, del cual toma tantas referencias que la viuda de Orwell no le cedió los derechos de autor. Este sería el primer trabajo sin su banda de apoyo desde aquel legendario concierto de 1973, lo que le obligó a tomar la guitarra líder por primera vez y contar con músicos de sesión en el proceso.
Por aquella época, David empleaba la técnica de recorte de frases de William S. Burroughs, en la cual se recortan textos al azar y se reorganizan para darle un sentido nuevo a una frase o idea. Bowie consigue darle a su material la teatralidad, la ambición y la urgencia que había estado buscando en temas como Sweet Thing/Candidate/Reprise, Rock 'n' Roll With Me, We Are The Dead y Big Brother.
La portada fue realizada por el artista belga Guy Peellaert.
Diamond Dogs (RCA Records) vio su publicación en mayo de 1974, el cual contiene el contenido más político por David Bowie. Entró directamente al primer lugar de las listas de éxitos, gracias a que el álbum se vio acompañado de sencillos como Rebel Rebel, la canción titular y 1984, un tema ya de por sí muy orwelliano.
Hoy repasamos una de mis etapas favoritas de David Bowie como solista, pero pienso seguir contando mucho más en la siguiente reseña donde se repasará la segunda parte de la carrera del camaleón del rock. ¡Hasta la próxima roqueros!
